En enero de 2005, María García Yelo se convirtió en subdirectora del Museo Reina Sofía. A los pocos días cumplió 28 años. Para que el pánico no se colara entre la juventud y el cargo, Miguel Zugaza -que ahora dirige el Prado pero que en su día ocupó, también muy joven, el mismo puesto que ella- le dio un consejo: "Cada mañana hay que ponerse el traje de subdirector como si el trabajo fuese a durar toda la vida. Por la noche hay que quitárselo como si se
Del Reina Sofía ha pasado a Christie's: "Es distinto, pero la emoción cuenta igual"
García Yelo venía de otro museo, el Esteban Vicente de Segovia. Allí conoció a Ana Martínez de Aguilar, que la reclutó como segunda de a bordo para el transatlántico más espinoso del arte español. Tres años después, fin del viaje. Nuevo ministro, nuevo director y nuevo destino para García Yelo, que ahora, con 31, dirige el departamento español de arte contemporáneo de Christie's, la mítica casa británica de subastas. "He pasado de comprar para la Administración pública a vender para una multinacional privada. Estoy aprendiendo a toda velocidad", dice esta madrileña que ejemplifica el cambio en detalles aparentemente menores como que en un museo las medidas de un cuadro se den sin marco y para una subasta, con él.
Conocer la trastienda material de las obras del espíritu no le ha hecho perder un ápice de entusiasmo: "Todo suma. Antes me fijaba en la iluminación y las cartelas, ahora también en la procedencia de cada obra. Pero lo que cuenta es la emoción". Lo dice delante del menú de un restaurante vegetariano de la calle de Santiago de Madrid, a unos pasos del Palacio Real. Lo ha elegido porque ella es asidua y el restaurante, económico. La conversación, de hecho, no tarda en desembocar en el dinero. Parece que la crisis no afecta al mercado del arte: "Frente a la incertidumbre, la gente invierte en bienes tangibles. Y es rarísimo que una obra se devalúe". El año pasado, Christie's facturó mil millones de euros en arte contemporáneo, un periodo que se está convirtiendo en "la niña bonita" de las subastas. Hace unos días, además, Lucian Freud desbancó a Jeff Koons en la cabeza de la clasificación internacional de artistas vivos. Entre los españoles, el escalafón se lo reparten Barceló, Tàpies y Antonio López. De hecho, una pintura del manchego está a punto de establecer un nuevo récord. Su Madrid desde Torres Blancas, pintado entre 1976 y 1982, será "la venta de la noche" en la subasta que se celebrará el 30 de junio en Londres. Es muy posible que su precio final sobrepase los dos millones de euros.
Cuando se le pregunta si el arte está sobrevalorado, García Yelo, saliendo de un vértigo de cifras y verduras -ensalada de remolacha y tallarines con col china-, contesta: "Vale lo que la gente está dispuesta a pagar por él. Inquieta que el precio de una obra pueda ponerse en función de su tamaño, aunque también un libro de 400 páginas vale más que uno de 100. De todos modos, una cosa es el valor, y otra, el precio". El cuadro de Antonio López es ahora su mayor preocupación profesional. En lo personal lo son sus dos hijos gemelos, de ocho meses: "No es que con niños tu vida cambie, es que crece. Aunque te invaden, claro, sobre todo si vives, como nosotros, en una casa de 55 metros cuadrados sin paredes. Pero son un apoyo, no una carga".
Millonarios que baten récords por amor al arte
El magnate ruso Abramovich es el misterioso comprador de dos cuadros que han hecho historia en las subastas de Nueva York
Marisol Paul / MADRID (20-05-2008)
Mañana puede ser un gran día para el multimillonario ruso Roman Abramovich si su equipo, el Chelsea, gana su primera Champions frente al Manchester United en Moscú. Un sueño que le ha costado cientos de millones -pagó por el club inglés 60 millones de libras en 2003, cantidad a la que hay que sumar fichajes millonarios-. En realidad, calderilla para la décimoquinta fortuna del planeta (23.500 millones de dólares, más de 15 millones de euros), según Forbes. Pero Abramovich no apuesta sólo fuerte por el fútbol. La revista especializada The Art Newspaper le destapa como el misterioso comprador de dos cuadros que hicieron historia la semana pasada en Nueva York: Benefits Supervisor Sleeping, de Lucien Freud, adjudicado en Christie's en 21,7 millones de euros, cifra récord para un artista vivo, y Triptych, 1976, de Bacon, vendido en Sotheby's por 55 millones de euros, el precio más alto pagado por una obra del artista británico.
¿Pasión por el arte o interés por triunfar en sociedad? Como destaca The Art Newspaper, que cita fuentes próximas al mercado del arte, hasta ahora se desconocía de Abramovich su faceta de coleccionista de arte, y recuerda que su novia, la ex modelo rusa de 24 años Daria Zhukova, prevé abrir una galería de arte en Moscú -al parecer, el millonario ruso quiere llevar a la fiesta de inauguración a la cantante británica Amy Winehouse-. La revista especula también con la posibilidad de que los cuadros acaben colgados en su casa de Londres.
El magnate del petróleo sigue los pasos de otros millonarios que han contribuido a batir récords en el mercado del arte. El enigmático financiero mexicano David Martínez, a quien se le atribuye entre otros el mérito de rescatar a países en crisis, pagó 140 millones de dólares (109 millones de euros) en noviembre de 2006 por la obra Número 5 de Jackson Pollock, propiedad del magnate del entretenimiento David Geffen. Aunque los abogados de Martínez negaron que estuviera detrás de la operación, los expertos del mundo del arte insisten en que él es el comprador.
El precio superaba en cinco millones de dólares la cantidad que en junio de ese año había desembolsado el magnate de los cosméticos Ronald S. Lauder por Retrato de Adele Bloch-Bauer de Gustav Klimt.
Geffen es uno de los grandes coleccionistas y en los últimos tiempos, un activo vendedor de obras de arte. En noviembre de 2006 vendió Woman III de De Kooning al gestor de hedge fund Steve Cohen por 88,6 millones de euros, operación en la que intervino el galerista de Manhattan Larry Gagosian. Un mes antes, Geffen y Cohen cerraron otro acuerdo sobre Police gazette, del mismo artista, por 41 millones de euros. Entre otras joyas, Cohen tiene en su colección Le Rêve, el cuadro de Picasso famoso porque su anterior propietario, el empresario de casinos Steve Wynn, lo rompió accidentalmente de un codazo.
Al financiero mexicano David Martínez se le atribuye el pago de 109 millones por una obra de Jackson Pollock, Geffen también se desprendió de False Stara de Jasper Jhons, que acabo en la colección de Kenneth grifin, consejero de Citadle Investment Group por 80 millones de dólares.
El mercado escapa a los efectos de la crisis
La atención del mundo del arte se concentra en dos semanas del año, las de las subastas de arte impresionista y moderno y contemporáneo de mayo que celebran las dos grandes casas, Christie's y Sotheby's, en Nueva York. Y los resultados este año no han defraudado. Sotheby's ha obtenido una cifra de venta récord, 175,7 millones de euros en arte impresionista y moderno, por encima de los 157,6 millones de la estimación alta. 'El arte no se rige por los mismos impulsos del mercado financiero', apuntan en la casa de subastas. La venta de arte contemporáneo también ha sido histórica, 303 millones de euros. Christie's, por su parte, vendió obras contemporáneas por valor de 224,6 millones de euros, la segunda cifra más alta de la historia.
Son ya varios años de bonanza en el mercado y el futuro es difícil de predecir. La clave para Sotheby's está en la calidad de la obra. 'Las obras singulares siempre encuentran comprador'.
Joyas en lienzo
El precio medio del lote en la subasta de arte impresionista y moderno de la semana pasada en Sotheby's fue de 5,7 millones de dólares (3,7 millones de euros), más alto que el de 3,5 millones obtenido hace seis meses en Londres y Nueva York.
El mercado se ríe de la crisis desde hace años. Retrato de Adele Bloch-Bauer de Klimt se vendió en junio de 2006 en 135 millones de dólares, entonces el precio más caro de la historia.
Triptych, de Bacon, adquirido por Abramovich, se adjudicó en 55 millones de euros en la subasta de arte impresionista y moderno celebrada por Sotheby's. En la sesión, 7 lotes superaron los 10 millones de dólares, 13 lotes más de 5 millones y 33 lotes alcanzaron o superaron el millón de dólares.
Benefits Supervisor Sleeping, de Lucien Freud, fue la estrella de la subasta de arte contemporáneo de Christie's. Se batieron ocho récords en subasta, además del de Freud, para trabajos de Richard Prince, Sam Francis, Leon Gottlieb, entre otros.
Tuesday, May 20, 2008
Sunday, May 11, 2008
Arte Conceptual
El arte conceptual es una tendencia iniciada en Estados Unidos y Gran Bretaña, con una rápida proyección internacional desde finales de los 60s hasta mediado de los 70´s.
Surgió de la corriente más reflexiva del arte minimal, que privilegiaba los componentes conceptuales de la obra por encima de sus procesos de ejecución o fabricación. (Robert Morris y Sol Le Witt) y del ready made de Duchamp.
“Lo puro del arte minimal y lo impuro de Duchamp se alían en el estilo de los años 60´s “
El arte conceptual reflexionó sobre la construcción y el papel del autor. Se pretendió un arte que no remitiese a la realidad exterior (supresión de todo motivo relacional, formas orgánicas, colores vivos) y tampoco la subjetividad del artista:
Ni líneas ni figuraciones, ni formas ni composiciones, ni representaciones ni visiones, ni sensaciones ni impulsos, ni símbolos ni signos, ni empastes ni decoraciones, ni coloridos ni placeres, ni sufrimientos ni accidentes, ni cosas ni ideas, ni atributos ni cualidades, nada que no pertenezca a la esencia.
Se unen dos ideas: la nominalista de Duchamp, cuestionadora de lo visual, y la idea de Ed Reinhardt, más cercana al formalismo empírico, fusión que ya había sido formulada por Frank Stella en sus black paintings y también por Sol Le Witt que integra el lenguaje y el signo visual en un modelo estructural.
El arte conceptual culminó el proceso de desmaterialización y de autorreferenciabilidad de la obra de arte iniciado tiempo atrás como un claro enfrentamiento con la estética formalista que había dominado la Escuela de Nueva York en los años de la posguerra.
Cuestiona la naturaleza objetual de la obra de arte, aparecen los términos anti-object art (arte anti-objetual) y post-object art (arte pos-objetual).
Al cuestionar la parte formal, hay una pérdida de la visualidad, esto es debido a que hay una subordinación de lo visual a la idea implícita en las prácticas conceptuales. Sin embargo, el orden formal o la materialidad de la obra de arte continúa, esto privilegió la aparición del objeto o el rastro del arte como documento.
Al ser el análisis, la teoría y el lenguaje los pilares sobre los que se asentó pronto aparecen nuevas expresiones para definir lo conceptual: analytical art (arte analítico) Theorical art (Arte teórico).
Los fundadores del grupo Art & Language se empeñan en crear una Teoría para el arte y no una Teoría del arte.
(La denominación Art & Language surge en la segunda mitad de los sesenta para designar el trabajo conjunto de los artistas Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin y Harold Hurrell. En mayo de 1969 inician en Coventry la edición de una publicación titulada Art-Language y subtitulada Journal of Conceptual Art, la primera que reconoce y analiza el llamado arte conceptual. Entre 1969 y 1970 ingresan en el grupo Mel Ramsden, Joseph Kosuth y Charles Harrison, llegando a tener una treintena de componentes a mediados de los setenta. Desde 1976 el colectivo está integrado únicamente por los artistas Michael Baldwin y Mel Ramsdem, así como por el historiador del arte Charles Harrison.
El colectivo Art & Language desempeñó un papel fundamental en el nacimiento del arte conceptual, tendencia que planteó, a través de formas inéditas, una nueva concepción de la obra de arte al primar la idea sobre su materialización plástica, esto es, sobre el objeto artístico. Muy influido por el clima social y político de la época, desde su nacimiento este grupo ha representado la vertiente más analítica del conceptualismo, deudora de la filosofía analítica anglosajona por su manera de aproximarse a la realidad, así como de la sociología marxista, lo que se aprecia en algunos de los temas tratados, las formas y la prevalesencia del carácter colectivo frente al individualismo que ha caracterizado tradicionalmente al arte.
Este proyecto de colaboración permitía a sus integrantes realizar una investigación acerca de los estereotipos sociales, filosóficos y psicológicos concernientes al arte y al artista, cuestionando la concepción mitificada e individualista que imperaba hasta entonces.
Desde sus comienzos han realizado un ejercicio crítico y teórico de la práctica artística, centrado en un primer momento en la investigación lingüística. Así, desarrollaron su trabajo en forma de publicaciones, textos e índices, entre otras actuaciones.
La obra de Art & Language ha sido incluida en numerosas exposiciones internacionales como las Documenta de 1972, 1982 y 1997. Del mismo modo, espacios como el Jeu de Paume en París, el PS1 de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Lille le han dedicado sendas retrospectivas en los últimos años.
El concept art
El concept art aparece con Henry Flynt activo miembro del grupo Fluxus y servía para denominar el arte creado por Georges Brecht, George Maciunas y Yoko Ono.
Se basa en texto, partituras de música experimental, fotografías de objetos, etc. Es un sistema en sí mismo que opera de forma matemática, su material son los conceptos, como por ejemplo el material en la música son los sonidos. El material del arte conceptual es el lenguaje.
Establece la relación entre arte, cultura, matemáticas y lingüística:
1. El concept art pone orden en las distintas disciplinas artísticas
2. Las matemáticas tienen más valor artístico que cognitivo son un paradigma
3. El reconocimiento paradigmático de las matemáticas conduce al concept art.
Sol Le Witt en su texto Paragraphs on conceptual art busca romper contra la corriente formalista del arte minimal.
"En el arte conceptual, la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma conceptual, hay que entender que previamente ha realizado todo un proceso de planificación y de toma de decisiones, de forma que la ejecución pasa a ser una cuestión mecánica. La idea se convierte en una máquina que crea arte. Este tipo de arte no es teórico, ni ilustra teoría alguna; es intuitivo, está implicado en todos los procesos mentales y no tiene ningún objetivo concreto."
Sentences on Conceptual Art by Sol Lewitt
1. Conceptual artists are mystics rather than rationalists. They leap to conclusions that logic cannot reach.
2. Rational judgements repeat rational judgements.
3. Irrational judgements lead to new experience.
4. Formal art is essentially rational.
5. Irrational thoughts should be followed absolutely and logically.
6. If the artist changes his mind midway through the execution of the piece he compromises the result and repeats past results.
7. The artist's will is secondary to the process he initiates from idea to completion. His wilfulness may only be ego.
8. When words such as painting and sculpture are used, they connote a whole tradition and imply a consequent acceptance of this tradition, thus placing limitations on the artist who would be reluctant to make art that goes beyond the limitations.
9. The concept and idea are different. The former implies a general direction while the latter is the component. Ideas implement the concept.
10. Ideas can be works of art; they are in a chain of development that may eventually find some form. All ideas need not be made physical.
11. Ideas do not necessarily proceed in logical order. They may set one off in unexpected directions, but an idea must necessarily be completed in the mind before the next one is formed.
12. For each work of art that becomes physical there are many variations that do not.
13. A work of art may be understood as a conductor from the artist's mind to the viewer's. But it may never reach the viewer, or it may never leave the artist's mind.
14. The words of one artist to another may induce an idea chain, if they share the same concept.
15. Since no form is intrinsically superior to another, the artist may use any form, from an expression of words (written or spoken) to physical reality, equally.
16. If words are used, and they proceed from ideas about art, then they are art and not literature; numbers are not mathematics.
17. All ideas are art if they are concerned with art and fall within the conventions of art.
18. One usually understands the art of the past by applying the convention of the present, thus misunderstanding the art of the past.
19. The conventions of art are altered by works of art.
20. Successful art changes our understanding of the conventions by altering our perceptions.
21. Perception of ideas leads to new ideas.
22. The artist cannot imagine his art, and cannot perceive it until it is complete.
23. The artist may misperceive (understand it differently from the artist) a work of art but still be set off in his own chain of thought by that misconstrual.
24. Perception is subjective.
25. The artist may not necessarily understand his own art. His perception is neither better nor worse than that of others.
26. An artist may perceive the art of others better than his own.
27. The concept of a work of art may involve the matter of the piece or the process in which it is made.
28. Once the idea of the piece is established in the artist's mind and the final form is decided, the process is carried out blindly. There are many side effects that the artist cannot imagine. These may be used as ideas for new works.
29. The process is mechanical and should not be tampered with. It should run its course.
30. There are many elements involved in a work of art. The most important are the most obvious.
31. If an artist uses the same form in a group of works, and changes the material, one would assume the artist's concept involved the material.
32. Banal ideas cannot be rescued by beautiful execution.
33. It is difficult to bungle a good idea.
34. When an artist learns his craft too well he makes slick art.
35. These sentences comment on art, but are not art.
Lo importante de una obra de arte es que posea una buena idea. Protagonismo a la idea es el principal componente, lo que significa que todas las decisiones del proceso creativo son tomadas a priori y que la ejecución carece de relevancia.
El arte debe desvincularse de cualquier proceso estético, no depende de la habilidad del artista y su maestría técnica. El objeto del artista conceptual es que su trabajo sea mentalmente interesante para el espectador, lo cual equivale a que sea emocionalmente neutro.
Vaciar el arte de cualquier emoción, renegar del arte óptico, cinético, y luminoso anteponiéndoles nuevos métodos expresivos (cifras, palabras, imágenes, fotografías)
Todo aquello que se dirija a los atributos físicos, se opone a la comprensión de la idea. Aunque no aparezca visualizada, la idea es una obra de arte, tan significativa como el producto final en las disciplinas tradicionales.
Las ideas aunque no se materialicen pueden ser una obra de arte. Las ideas realizan el concepto.
Una vez establecida la idea en la mente del artista y decidido el resultado final, el proceso, en el que el artista puede utilizar cualquier forma, desde una expresión escrita o hablada hasta la realidad física, se lleva a cabo automáticamente: es un proceso mecánico en el que no se puede interferir. Estas sentencias son definitivas, una buena idea no se puede malograr.
Los artistas son antes místicos que racionalistas, alcanzan conclusiones que escapan a la lógica, son defensores del arte inmaterial y esto se pone de manifiesto en su actitud antiobjetual
Para Joseph Kosuth el arte tradicional es un reduccionismo busca que arte no sea una estética tradicional: belleza y gusto vs. percepción y concepto.
Lo mental no reduce, apunta, significa.
El arte conceptual tiene sentido a partir de su capacidad de cuestionar la naturaleza del arte. Para Kosuth la función del artista es crear nuevas proposiciones y no repetir, embelleciéndolas, fórmulas del pasado anterior. Una obra de arte es una proposición presentada dentro del contexto del arte como comentario artístico. Es una proposición analítica en el sentido de que no proporciona ningún tipo de información sobre hecho alguno. No requiere de la empiria. No es fáctica si no lingüística. No describe el comportamiento de objetos físicos, ni siquiera mentales, son consecuencias formales de las definiciones de arte.
El arte debe reemplazar a la filosofía y a la religión ya que puede satisfacer los intereses espirituales del hombre. El arte existe para el arte. El arte no es una praxis, es una actividad, es vivencia, percepción. Hacer arte para acotar las fronteras arte-vida y reivindicar territorios no artísticos (matemáticas, lógica, sociología, etc.) como material artístico.
Concepción y percepción van parejas, el crítico se vuelve tan fundamental como el artista. Por eso para el artista es importante hacer las consideraciones respecto a su trabajo formular statements (enunciados) sobre sus propias intenciones, no entendiéndolas nunca como información. Así el arte se puede entender como art-as idea
Un nuevo formato de exposición:
Una de las primeras exposiciones en la que el arte conceptual adquirió carta de naturaleza fue January 5-31 en 1969 o January show. Curada por el mecenas Seth Siegelaub concebida como “el límite último del arte”. El catálogo se volvió fundamental pues en él se fundamentaban todos los conceptos; no es un objeto para vender y se vuelve un objeto-arte per se.
En January 5-31 se presentaron los artistas Robert Barry, Douglas Heubler, Joseph Kosuth, y Lawrence Weiner. Propusieron las primary informations, que eran 30 principios expuestos en unas oficinas, lugar sin referencia cultural previa, se crearon instalaciones con cables muy delgados había mapas, fotos, y documentos que atestiguaban la idea. No debería causar una impresión ni quería expresar la especialidad.
Había una imagen que decía “agua” y la definición de agua en un diccionario, luego el vacío.
La idea del arte es que no sea decorativo, que no se asocie a una arquitectura y que su especialidad nunca pese más que su idea, y que, sin embargo, pueda entrar en un museo o en una casa, que se le pueda recortar o pegar en una pared.
Descalificar la pintura y la escultura, no busca desapasionados espectadores si no lectores interesados. El espectador debe leer la obra e involucrarse con ella, es un acto lingüístico de recuperación del contenido más allá de lo visual. El texto no es la interpretación de la imagen, sino portador en sí mismo de significados artísticos.
La palabra es el objeto del arte, el lógos: palabra objeto sin connotaciones literarias, sin contexto.
Robert Barry , después de ser parte del minimalismo crea la pieza que se conocerá como Inert Gas Serie (serie de gas inerte):
Anunciada a través de carteles, el artista liberó distintos gases: Helio, neón, argón, kriptón, xenón en la atmósfera de un lugar cercano a Los Ángeles para provocar una toma de conciencia de un mundo inmaterial e infinito no ajeno al planteamiento metafísico: “En el vacío y la vacuidad, comento, hay algo que me preocupa intensamente, la nada es para mí la cosa más poderosa del mundo”.
Más adelante, Barry recurrió a la proyección de palabras en una pared, eran como dibujos (Word drawings, wall pieces) las palabras eran generadoras de una amplitud y pluralidad de sentidos y de asociaciones de ideas, no tenían un papel analítico, sino descriptivo, el artista intentó enfatizar e carácter estético del espacio expositivo, al margen de la presencia objetual de la obra expiuesta.
Lawrence Weiner crea esculturas conceptuales a partir del lenguaje. Crea una dimensión material de las palabras (tipología, cromatismo, grafismo cuerpo, composición etc.) así como su disposición en el espacio ante cualquier otra consideración. Aunque materializa el concepto no lo condiciona a los límites que tiene que sufrir la escultura convencional en piedra o bronce.
Con la palabra crea los statements como “performance” invitando más a la acción que a la meditación. Crean un equilibrio incierto. “no me gusta la calma, ni las situaciones que pueden ser dramáticas sin ser peligrosas, como cuando escribo, por eso solo creo acción”.
Para Duglas Huebler, la importancia de la palabra está en que documenta la posibilidad del azar: los puntos fijos que pueden generan coordenadas y que localizan puntos estáticos o móviles. Es constatar la presencia de las personas en su interrelación con el espacio tiempo.
Para On Kawara cada obra que realiza está determinada por la fecha en la que se realiza. Date paintings la relación de la pintura y un acontecimiento va formando un diario que el llena cuidadosamente con recortes de cada día del periódico, notas curiosas, etc. si no hay un acontecimiento relevante esa fecha se destruye y la página del diario queda en blanco.
John Baldessari se interesó por las interconexiones entre la palabra y l aimagen, es decir, por cómo en el espacio de la tela (que es lo único que conserva del medio pictórico) se produce un intercambio entre texto e imagen, en todos los casos fotográfica. En ocasiones los textos aparecen aislados y pintados (por un pintor industrial) sobre la tela. Pure Beauty. Utiliza la imagen –texto creando diálogos sobre las fotos que él mismo toma en la carretera los textos son referencias a la historia del arte. Utiliza imágenes de la televisión y el cine y apuesta por la idea de que las imágenes en estos dos ámbitos son manipuladas para crear climas de violencia, sexo, muerte.
Surgió de la corriente más reflexiva del arte minimal, que privilegiaba los componentes conceptuales de la obra por encima de sus procesos de ejecución o fabricación. (Robert Morris y Sol Le Witt) y del ready made de Duchamp.
“Lo puro del arte minimal y lo impuro de Duchamp se alían en el estilo de los años 60´s “
El arte conceptual reflexionó sobre la construcción y el papel del autor. Se pretendió un arte que no remitiese a la realidad exterior (supresión de todo motivo relacional, formas orgánicas, colores vivos) y tampoco la subjetividad del artista:
Ni líneas ni figuraciones, ni formas ni composiciones, ni representaciones ni visiones, ni sensaciones ni impulsos, ni símbolos ni signos, ni empastes ni decoraciones, ni coloridos ni placeres, ni sufrimientos ni accidentes, ni cosas ni ideas, ni atributos ni cualidades, nada que no pertenezca a la esencia.
Se unen dos ideas: la nominalista de Duchamp, cuestionadora de lo visual, y la idea de Ed Reinhardt, más cercana al formalismo empírico, fusión que ya había sido formulada por Frank Stella en sus black paintings y también por Sol Le Witt que integra el lenguaje y el signo visual en un modelo estructural.
El arte conceptual culminó el proceso de desmaterialización y de autorreferenciabilidad de la obra de arte iniciado tiempo atrás como un claro enfrentamiento con la estética formalista que había dominado la Escuela de Nueva York en los años de la posguerra.
Cuestiona la naturaleza objetual de la obra de arte, aparecen los términos anti-object art (arte anti-objetual) y post-object art (arte pos-objetual).
Al cuestionar la parte formal, hay una pérdida de la visualidad, esto es debido a que hay una subordinación de lo visual a la idea implícita en las prácticas conceptuales. Sin embargo, el orden formal o la materialidad de la obra de arte continúa, esto privilegió la aparición del objeto o el rastro del arte como documento.
Al ser el análisis, la teoría y el lenguaje los pilares sobre los que se asentó pronto aparecen nuevas expresiones para definir lo conceptual: analytical art (arte analítico) Theorical art (Arte teórico).
Los fundadores del grupo Art & Language se empeñan en crear una Teoría para el arte y no una Teoría del arte.
(La denominación Art & Language surge en la segunda mitad de los sesenta para designar el trabajo conjunto de los artistas Terry Atkinson, David Bainbridge, Michael Baldwin y Harold Hurrell. En mayo de 1969 inician en Coventry la edición de una publicación titulada Art-Language y subtitulada Journal of Conceptual Art, la primera que reconoce y analiza el llamado arte conceptual. Entre 1969 y 1970 ingresan en el grupo Mel Ramsden, Joseph Kosuth y Charles Harrison, llegando a tener una treintena de componentes a mediados de los setenta. Desde 1976 el colectivo está integrado únicamente por los artistas Michael Baldwin y Mel Ramsdem, así como por el historiador del arte Charles Harrison.
El colectivo Art & Language desempeñó un papel fundamental en el nacimiento del arte conceptual, tendencia que planteó, a través de formas inéditas, una nueva concepción de la obra de arte al primar la idea sobre su materialización plástica, esto es, sobre el objeto artístico. Muy influido por el clima social y político de la época, desde su nacimiento este grupo ha representado la vertiente más analítica del conceptualismo, deudora de la filosofía analítica anglosajona por su manera de aproximarse a la realidad, así como de la sociología marxista, lo que se aprecia en algunos de los temas tratados, las formas y la prevalesencia del carácter colectivo frente al individualismo que ha caracterizado tradicionalmente al arte.
Este proyecto de colaboración permitía a sus integrantes realizar una investigación acerca de los estereotipos sociales, filosóficos y psicológicos concernientes al arte y al artista, cuestionando la concepción mitificada e individualista que imperaba hasta entonces.
Desde sus comienzos han realizado un ejercicio crítico y teórico de la práctica artística, centrado en un primer momento en la investigación lingüística. Así, desarrollaron su trabajo en forma de publicaciones, textos e índices, entre otras actuaciones.
La obra de Art & Language ha sido incluida en numerosas exposiciones internacionales como las Documenta de 1972, 1982 y 1997. Del mismo modo, espacios como el Jeu de Paume en París, el PS1 de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Lille le han dedicado sendas retrospectivas en los últimos años.
El concept art
El concept art aparece con Henry Flynt activo miembro del grupo Fluxus y servía para denominar el arte creado por Georges Brecht, George Maciunas y Yoko Ono.
Se basa en texto, partituras de música experimental, fotografías de objetos, etc. Es un sistema en sí mismo que opera de forma matemática, su material son los conceptos, como por ejemplo el material en la música son los sonidos. El material del arte conceptual es el lenguaje.
Establece la relación entre arte, cultura, matemáticas y lingüística:
1. El concept art pone orden en las distintas disciplinas artísticas
2. Las matemáticas tienen más valor artístico que cognitivo son un paradigma
3. El reconocimiento paradigmático de las matemáticas conduce al concept art.
Sol Le Witt en su texto Paragraphs on conceptual art busca romper contra la corriente formalista del arte minimal.
"En el arte conceptual, la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma conceptual, hay que entender que previamente ha realizado todo un proceso de planificación y de toma de decisiones, de forma que la ejecución pasa a ser una cuestión mecánica. La idea se convierte en una máquina que crea arte. Este tipo de arte no es teórico, ni ilustra teoría alguna; es intuitivo, está implicado en todos los procesos mentales y no tiene ningún objetivo concreto."
Sentences on Conceptual Art by Sol Lewitt
1. Conceptual artists are mystics rather than rationalists. They leap to conclusions that logic cannot reach.
2. Rational judgements repeat rational judgements.
3. Irrational judgements lead to new experience.
4. Formal art is essentially rational.
5. Irrational thoughts should be followed absolutely and logically.
6. If the artist changes his mind midway through the execution of the piece he compromises the result and repeats past results.
7. The artist's will is secondary to the process he initiates from idea to completion. His wilfulness may only be ego.
8. When words such as painting and sculpture are used, they connote a whole tradition and imply a consequent acceptance of this tradition, thus placing limitations on the artist who would be reluctant to make art that goes beyond the limitations.
9. The concept and idea are different. The former implies a general direction while the latter is the component. Ideas implement the concept.
10. Ideas can be works of art; they are in a chain of development that may eventually find some form. All ideas need not be made physical.
11. Ideas do not necessarily proceed in logical order. They may set one off in unexpected directions, but an idea must necessarily be completed in the mind before the next one is formed.
12. For each work of art that becomes physical there are many variations that do not.
13. A work of art may be understood as a conductor from the artist's mind to the viewer's. But it may never reach the viewer, or it may never leave the artist's mind.
14. The words of one artist to another may induce an idea chain, if they share the same concept.
15. Since no form is intrinsically superior to another, the artist may use any form, from an expression of words (written or spoken) to physical reality, equally.
16. If words are used, and they proceed from ideas about art, then they are art and not literature; numbers are not mathematics.
17. All ideas are art if they are concerned with art and fall within the conventions of art.
18. One usually understands the art of the past by applying the convention of the present, thus misunderstanding the art of the past.
19. The conventions of art are altered by works of art.
20. Successful art changes our understanding of the conventions by altering our perceptions.
21. Perception of ideas leads to new ideas.
22. The artist cannot imagine his art, and cannot perceive it until it is complete.
23. The artist may misperceive (understand it differently from the artist) a work of art but still be set off in his own chain of thought by that misconstrual.
24. Perception is subjective.
25. The artist may not necessarily understand his own art. His perception is neither better nor worse than that of others.
26. An artist may perceive the art of others better than his own.
27. The concept of a work of art may involve the matter of the piece or the process in which it is made.
28. Once the idea of the piece is established in the artist's mind and the final form is decided, the process is carried out blindly. There are many side effects that the artist cannot imagine. These may be used as ideas for new works.
29. The process is mechanical and should not be tampered with. It should run its course.
30. There are many elements involved in a work of art. The most important are the most obvious.
31. If an artist uses the same form in a group of works, and changes the material, one would assume the artist's concept involved the material.
32. Banal ideas cannot be rescued by beautiful execution.
33. It is difficult to bungle a good idea.
34. When an artist learns his craft too well he makes slick art.
35. These sentences comment on art, but are not art.
Lo importante de una obra de arte es que posea una buena idea. Protagonismo a la idea es el principal componente, lo que significa que todas las decisiones del proceso creativo son tomadas a priori y que la ejecución carece de relevancia.
El arte debe desvincularse de cualquier proceso estético, no depende de la habilidad del artista y su maestría técnica. El objeto del artista conceptual es que su trabajo sea mentalmente interesante para el espectador, lo cual equivale a que sea emocionalmente neutro.
Vaciar el arte de cualquier emoción, renegar del arte óptico, cinético, y luminoso anteponiéndoles nuevos métodos expresivos (cifras, palabras, imágenes, fotografías)
Todo aquello que se dirija a los atributos físicos, se opone a la comprensión de la idea. Aunque no aparezca visualizada, la idea es una obra de arte, tan significativa como el producto final en las disciplinas tradicionales.
Las ideas aunque no se materialicen pueden ser una obra de arte. Las ideas realizan el concepto.
Una vez establecida la idea en la mente del artista y decidido el resultado final, el proceso, en el que el artista puede utilizar cualquier forma, desde una expresión escrita o hablada hasta la realidad física, se lleva a cabo automáticamente: es un proceso mecánico en el que no se puede interferir. Estas sentencias son definitivas, una buena idea no se puede malograr.
Los artistas son antes místicos que racionalistas, alcanzan conclusiones que escapan a la lógica, son defensores del arte inmaterial y esto se pone de manifiesto en su actitud antiobjetual
Para Joseph Kosuth el arte tradicional es un reduccionismo busca que arte no sea una estética tradicional: belleza y gusto vs. percepción y concepto.
Lo mental no reduce, apunta, significa.
El arte conceptual tiene sentido a partir de su capacidad de cuestionar la naturaleza del arte. Para Kosuth la función del artista es crear nuevas proposiciones y no repetir, embelleciéndolas, fórmulas del pasado anterior. Una obra de arte es una proposición presentada dentro del contexto del arte como comentario artístico. Es una proposición analítica en el sentido de que no proporciona ningún tipo de información sobre hecho alguno. No requiere de la empiria. No es fáctica si no lingüística. No describe el comportamiento de objetos físicos, ni siquiera mentales, son consecuencias formales de las definiciones de arte.
El arte debe reemplazar a la filosofía y a la religión ya que puede satisfacer los intereses espirituales del hombre. El arte existe para el arte. El arte no es una praxis, es una actividad, es vivencia, percepción. Hacer arte para acotar las fronteras arte-vida y reivindicar territorios no artísticos (matemáticas, lógica, sociología, etc.) como material artístico.
Concepción y percepción van parejas, el crítico se vuelve tan fundamental como el artista. Por eso para el artista es importante hacer las consideraciones respecto a su trabajo formular statements (enunciados) sobre sus propias intenciones, no entendiéndolas nunca como información. Así el arte se puede entender como art-as idea
Un nuevo formato de exposición:
Una de las primeras exposiciones en la que el arte conceptual adquirió carta de naturaleza fue January 5-31 en 1969 o January show. Curada por el mecenas Seth Siegelaub concebida como “el límite último del arte”. El catálogo se volvió fundamental pues en él se fundamentaban todos los conceptos; no es un objeto para vender y se vuelve un objeto-arte per se.
En January 5-31 se presentaron los artistas Robert Barry, Douglas Heubler, Joseph Kosuth, y Lawrence Weiner. Propusieron las primary informations, que eran 30 principios expuestos en unas oficinas, lugar sin referencia cultural previa, se crearon instalaciones con cables muy delgados había mapas, fotos, y documentos que atestiguaban la idea. No debería causar una impresión ni quería expresar la especialidad.
Había una imagen que decía “agua” y la definición de agua en un diccionario, luego el vacío.
La idea del arte es que no sea decorativo, que no se asocie a una arquitectura y que su especialidad nunca pese más que su idea, y que, sin embargo, pueda entrar en un museo o en una casa, que se le pueda recortar o pegar en una pared.
Descalificar la pintura y la escultura, no busca desapasionados espectadores si no lectores interesados. El espectador debe leer la obra e involucrarse con ella, es un acto lingüístico de recuperación del contenido más allá de lo visual. El texto no es la interpretación de la imagen, sino portador en sí mismo de significados artísticos.
La palabra es el objeto del arte, el lógos: palabra objeto sin connotaciones literarias, sin contexto.
Robert Barry , después de ser parte del minimalismo crea la pieza que se conocerá como Inert Gas Serie (serie de gas inerte):
Anunciada a través de carteles, el artista liberó distintos gases: Helio, neón, argón, kriptón, xenón en la atmósfera de un lugar cercano a Los Ángeles para provocar una toma de conciencia de un mundo inmaterial e infinito no ajeno al planteamiento metafísico: “En el vacío y la vacuidad, comento, hay algo que me preocupa intensamente, la nada es para mí la cosa más poderosa del mundo”.
Más adelante, Barry recurrió a la proyección de palabras en una pared, eran como dibujos (Word drawings, wall pieces) las palabras eran generadoras de una amplitud y pluralidad de sentidos y de asociaciones de ideas, no tenían un papel analítico, sino descriptivo, el artista intentó enfatizar e carácter estético del espacio expositivo, al margen de la presencia objetual de la obra expiuesta.
Lawrence Weiner crea esculturas conceptuales a partir del lenguaje. Crea una dimensión material de las palabras (tipología, cromatismo, grafismo cuerpo, composición etc.) así como su disposición en el espacio ante cualquier otra consideración. Aunque materializa el concepto no lo condiciona a los límites que tiene que sufrir la escultura convencional en piedra o bronce.
Con la palabra crea los statements como “performance” invitando más a la acción que a la meditación. Crean un equilibrio incierto. “no me gusta la calma, ni las situaciones que pueden ser dramáticas sin ser peligrosas, como cuando escribo, por eso solo creo acción”.
Para Duglas Huebler, la importancia de la palabra está en que documenta la posibilidad del azar: los puntos fijos que pueden generan coordenadas y que localizan puntos estáticos o móviles. Es constatar la presencia de las personas en su interrelación con el espacio tiempo.
Para On Kawara cada obra que realiza está determinada por la fecha en la que se realiza. Date paintings la relación de la pintura y un acontecimiento va formando un diario que el llena cuidadosamente con recortes de cada día del periódico, notas curiosas, etc. si no hay un acontecimiento relevante esa fecha se destruye y la página del diario queda en blanco.
John Baldessari se interesó por las interconexiones entre la palabra y l aimagen, es decir, por cómo en el espacio de la tela (que es lo único que conserva del medio pictórico) se produce un intercambio entre texto e imagen, en todos los casos fotográfica. En ocasiones los textos aparecen aislados y pintados (por un pintor industrial) sobre la tela. Pure Beauty. Utiliza la imagen –texto creando diálogos sobre las fotos que él mismo toma en la carretera los textos son referencias a la historia del arte. Utiliza imágenes de la televisión y el cine y apuesta por la idea de que las imágenes en estos dos ámbitos son manipuladas para crear climas de violencia, sexo, muerte.
Wednesday, May 7, 2008
Monday, May 5, 2008
lelaboratoire, nueva plataforma de arte en méxico
lelaboratoire organiza:
* mario núñez | puntossucesivos
celda contemporánea, universidad del claustro de sor juana
inauguración martes 20 de mayo de 2008, 19h30
del 21/05 al 12/07/2008, catalogo disponible
calle izazaga 92, centro histórico, entrada libre, t. 51 30 33 00, www.ucsj.edu.mx
* jorge yazpik | obsidiana galeria le laboratoire (apertura de la galeria)
fecha por confirmar
-------------------------------------------------------
le laboratoire apoya:
* james ensor | lo real y lo imaginario
obra grafica completa del artista
museo nacional de arte (munal)
inauguración jueves 08 de mayo de 2008, 19h
del 09/05 al 17/08/2008, t. 51 30 34 00, www.munal.com.mx
curaduría especial de Xavier Tricot
catalogo razonado disponible
* jorge yazpik | jorge
yazpik en la casa Barragán
inauguración sábado 24 de mayo de 2008, 12h
del 26/05 a finales de julio de 2008, t.51 30 34 00
catalogo disponible
informes:
julien cuisset
t.52 86 33 51
cel. (04455) 3912 7294
julien@lelaboratoire.com.mx
www.lelaboratoire.com.mx
* mario núñez | puntossucesivos
celda contemporánea, universidad del claustro de sor juana
inauguración martes 20 de mayo de 2008, 19h30
del 21/05 al 12/07/2008, catalogo disponible
calle izazaga 92, centro histórico, entrada libre, t. 51 30 33 00, www.ucsj.edu.mx
* jorge yazpik | obsidiana galeria le laboratoire (apertura de la galeria)
fecha por confirmar
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le laboratoire apoya:
* james ensor | lo real y lo imaginario
obra grafica completa del artista
museo nacional de arte (munal)
inauguración jueves 08 de mayo de 2008, 19h
del 09/05 al 17/08/2008, t. 51 30 34 00, www.munal.com.mx
curaduría especial de Xavier Tricot
catalogo razonado disponible
* jorge yazpik | jorge
yazpik en la casa Barragán
inauguración sábado 24 de mayo de 2008, 12h
del 26/05 a finales de julio de 2008, t.51 30 34 00
catalogo disponible
informes:
julien cuisset
t.52 86 33 51
cel. (04455) 3912 7294
julien@lelaboratoire.com.mx
www.lelaboratoire.com.mx
Monday, April 21, 2008
Estacionarte, retrato de una ciudad en tránsito
La feria artística se desarrollará del miércoles 23 al domingo 27 de abril en el CCU Tlatelolco
Ricardo Cerón
El Universal
Domingo 20 de abril de 2008
ricardo.ceron@eluniversal.com.mx
Las sensaciones y experiencias en torno del Distrito Federal, a partir de la visión de 45 artistas tanto de México como del extranjero, son eje de Estacionarte 2008, feria de arte contemporáneo que se desarrollará del 23 al 27 de abril en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
Luego de haber permanecido en sus dos ediciones pasadas en contenedores ubicados en estacionamientos, en esta ocasión, paradójicamente, Estacionarte ingresará al edificio que fuera sede de Relaciones Exteriores para mostrar la ciudad.
Los colores, los olores, el tránsito, los anuncios espectaculares, la gente, las señalizaciones, son parte de lo que el público verá en esta muestra, que surge como una propuesta alterna a Femaco, la feria más importante de venta de arte en nuestro país.
Jean Philippe Lemaire, artista plástico francés explica que su obra, denominada Urban Flash México, parte de la experiencia urbana que tuvo desde su llegada a esta ciudad, donde se encontró con un gran estrés, pero a la vez mucho colorido.
“Mi obra va para llamar la atención de los colores, de las señalizaciones, los flujos humanos, las velocidades, el tránsito. Eso es lo que me llama la atención de México”.
Las nuevas tecnologías serán parte esencial de las piezas que se exhibirán, donde incluso habrá propuestas de escultura con sonido.
Estacionarte tendrá performances, instalaciones arte objeto, videos del Antimatter Underground Film Festival de Canadá y documentales como Lección relámpago, de Alejandro Lubezky.
Las líneas temáticas serán la apropiación urbana, valores y bienes de consumo, ruina contemporánea, marginalidad, mitos urbanos-anécdotas de ciudad, estructuras y paisajes urbanos.
“Es una ciudad con gamas impresionante de miradas, es un México muy plural porque existe una gran cantidad de visiones desde las caóticas hasta las poéticas, pasando por el paisaje”, comentó Jayya Yedid Lepe, coordinadora general de Estacionarte. “Son artistas que se mueven en otros circuitos, a los que el público general no tenemos acceso, por eso es una oportunidad maravillosa, para enterarse qué se hace de arte contemporáneo.”
“La muestra busca que el visitante se cuestione sobre el hombre, la sociedad y el mundo que lo rodea a través del arte contemporáneo”, dice Sergio Nates Arroyo, director de Estacionarte y agrega que es evidente que los artistas tienen una preocupación de la ciudad, de cómo se vive y de cuál es la experiencia de la gente.
“Hay algunos que se preocupan por el espacio, otros por las vivencias de la gente de la ciudad, algunos más por la manera como la ciudad se transforma o desgasta.”
La experiencia de dos ediciones anteriores hace soñar a Nates con que esta feria itinere por el país. “Vamos a aprovechar algunos festivales, como el Cervantino, porque allí hay música, danza y teatro, pero no artes plásticas. La tirada es que Estacionarte se estacione fuera”.
Ricardo Cerón
El Universal
Domingo 20 de abril de 2008
ricardo.ceron@eluniversal.com.mx
Las sensaciones y experiencias en torno del Distrito Federal, a partir de la visión de 45 artistas tanto de México como del extranjero, son eje de Estacionarte 2008, feria de arte contemporáneo que se desarrollará del 23 al 27 de abril en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
Luego de haber permanecido en sus dos ediciones pasadas en contenedores ubicados en estacionamientos, en esta ocasión, paradójicamente, Estacionarte ingresará al edificio que fuera sede de Relaciones Exteriores para mostrar la ciudad.
Los colores, los olores, el tránsito, los anuncios espectaculares, la gente, las señalizaciones, son parte de lo que el público verá en esta muestra, que surge como una propuesta alterna a Femaco, la feria más importante de venta de arte en nuestro país.
Jean Philippe Lemaire, artista plástico francés explica que su obra, denominada Urban Flash México, parte de la experiencia urbana que tuvo desde su llegada a esta ciudad, donde se encontró con un gran estrés, pero a la vez mucho colorido.
“Mi obra va para llamar la atención de los colores, de las señalizaciones, los flujos humanos, las velocidades, el tránsito. Eso es lo que me llama la atención de México”.
Las nuevas tecnologías serán parte esencial de las piezas que se exhibirán, donde incluso habrá propuestas de escultura con sonido.
Estacionarte tendrá performances, instalaciones arte objeto, videos del Antimatter Underground Film Festival de Canadá y documentales como Lección relámpago, de Alejandro Lubezky.
Las líneas temáticas serán la apropiación urbana, valores y bienes de consumo, ruina contemporánea, marginalidad, mitos urbanos-anécdotas de ciudad, estructuras y paisajes urbanos.
“Es una ciudad con gamas impresionante de miradas, es un México muy plural porque existe una gran cantidad de visiones desde las caóticas hasta las poéticas, pasando por el paisaje”, comentó Jayya Yedid Lepe, coordinadora general de Estacionarte. “Son artistas que se mueven en otros circuitos, a los que el público general no tenemos acceso, por eso es una oportunidad maravillosa, para enterarse qué se hace de arte contemporáneo.”
“La muestra busca que el visitante se cuestione sobre el hombre, la sociedad y el mundo que lo rodea a través del arte contemporáneo”, dice Sergio Nates Arroyo, director de Estacionarte y agrega que es evidente que los artistas tienen una preocupación de la ciudad, de cómo se vive y de cuál es la experiencia de la gente.
“Hay algunos que se preocupan por el espacio, otros por las vivencias de la gente de la ciudad, algunos más por la manera como la ciudad se transforma o desgasta.”
La experiencia de dos ediciones anteriores hace soñar a Nates con que esta feria itinere por el país. “Vamos a aprovechar algunos festivales, como el Cervantino, porque allí hay música, danza y teatro, pero no artes plásticas. La tirada es que Estacionarte se estacione fuera”.
Monday, April 14, 2008
Expondrá San Ildefonso trabajo de Vik Muniz
Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario estará abierta a partir del 15 de abril y en la muestra, se podrá apreciar el trabajo del artista brasileño que emplea materiales como la crema de cacahuate y el azúcar
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
Sunday, April 13, 2008
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