La feria artística se desarrollará del miércoles 23 al domingo 27 de abril en el CCU Tlatelolco
Ricardo Cerón
El Universal
Domingo 20 de abril de 2008
ricardo.ceron@eluniversal.com.mx
Las sensaciones y experiencias en torno del Distrito Federal, a partir de la visión de 45 artistas tanto de México como del extranjero, son eje de Estacionarte 2008, feria de arte contemporáneo que se desarrollará del 23 al 27 de abril en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
Luego de haber permanecido en sus dos ediciones pasadas en contenedores ubicados en estacionamientos, en esta ocasión, paradójicamente, Estacionarte ingresará al edificio que fuera sede de Relaciones Exteriores para mostrar la ciudad.
Los colores, los olores, el tránsito, los anuncios espectaculares, la gente, las señalizaciones, son parte de lo que el público verá en esta muestra, que surge como una propuesta alterna a Femaco, la feria más importante de venta de arte en nuestro país.
Jean Philippe Lemaire, artista plástico francés explica que su obra, denominada Urban Flash México, parte de la experiencia urbana que tuvo desde su llegada a esta ciudad, donde se encontró con un gran estrés, pero a la vez mucho colorido.
“Mi obra va para llamar la atención de los colores, de las señalizaciones, los flujos humanos, las velocidades, el tránsito. Eso es lo que me llama la atención de México”.
Las nuevas tecnologías serán parte esencial de las piezas que se exhibirán, donde incluso habrá propuestas de escultura con sonido.
Estacionarte tendrá performances, instalaciones arte objeto, videos del Antimatter Underground Film Festival de Canadá y documentales como Lección relámpago, de Alejandro Lubezky.
Las líneas temáticas serán la apropiación urbana, valores y bienes de consumo, ruina contemporánea, marginalidad, mitos urbanos-anécdotas de ciudad, estructuras y paisajes urbanos.
“Es una ciudad con gamas impresionante de miradas, es un México muy plural porque existe una gran cantidad de visiones desde las caóticas hasta las poéticas, pasando por el paisaje”, comentó Jayya Yedid Lepe, coordinadora general de Estacionarte. “Son artistas que se mueven en otros circuitos, a los que el público general no tenemos acceso, por eso es una oportunidad maravillosa, para enterarse qué se hace de arte contemporáneo.”
“La muestra busca que el visitante se cuestione sobre el hombre, la sociedad y el mundo que lo rodea a través del arte contemporáneo”, dice Sergio Nates Arroyo, director de Estacionarte y agrega que es evidente que los artistas tienen una preocupación de la ciudad, de cómo se vive y de cuál es la experiencia de la gente.
“Hay algunos que se preocupan por el espacio, otros por las vivencias de la gente de la ciudad, algunos más por la manera como la ciudad se transforma o desgasta.”
La experiencia de dos ediciones anteriores hace soñar a Nates con que esta feria itinere por el país. “Vamos a aprovechar algunos festivales, como el Cervantino, porque allí hay música, danza y teatro, pero no artes plásticas. La tirada es que Estacionarte se estacione fuera”.
Monday, April 21, 2008
Monday, April 14, 2008
Expondrá San Ildefonso trabajo de Vik Muniz
Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario estará abierta a partir del 15 de abril y en la muestra, se podrá apreciar el trabajo del artista brasileño que emplea materiales como la crema de cacahuate y el azúcar
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
Sunday, April 13, 2008
Wednesday, April 9, 2008
México arte contemporáneo, FEMACO
México arte contemporáneo, la feria de arte contemporáneo más importante en Latinoamérica, se llevará a cabo por cuarto año consecutivo en la ciudad de México del 23 al 27 de abril del 2008.
En esta ocasión, la feria planea reunir a más de 80 galerías nacionales e internacionales que mostrarán lo mejor del arte actual en el mundo, y estará dividida en dos secciones: galerías y nuevas propuestas; con el fin de incluir las propuestas de los artistas emergentes. A su vez, las galerías serán evaluadas y seleccionadas por un comité formado por galeristas de distintos países, con el objetivo de ofrecer y garantizar un proyecto de alta calidad.
Uno de los objetivos principales de México Arte Contemporáneo es propiciar en cada una de sus ediciones un foro abierto a nuevasideas y propuestas, donde se genere una convivencia entre los distintos conocedores de arte - críticos, curadores, artistas, coleccionistas, directores de fundaciones, galeristas y publico en general - , quienes perciben esta feria como una gran oportunidad para conocer las tendencias artísticas actuales y con ello, dar paso al surgimiento de nuevos coleccionistas.
Por sus características, este evento ha ido adquiriendo mayor validez, aceptación y confianza por parte del mundo artístico alrededor del mundo, lo cual lo convierte en una plataforma estable de intercambio y fometo cultural.
A partir del miércoles 25 y hasta el domingo 29 de abril, se llevará a cabo la cuarta edición consecutivo de la única feria de arte contemporáneo en nuestro país, méxico arte contemporáneo, en la ciudad de méxico.
Esperamos contar con la participación de más de 70 galerías provenientes de países como: Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, España, Puerto Rico, Francia, Costa Rica, México, entre otros.
méxico arte contemporáneo busca dar mayor difusión a la feria, para con ello incrementar el porcentaje de público participante, y reunir a un número importante de coleccionistas, especialistas, directores de museos, críticos, curadores y artistas.
El programa internacional de coleccionistas pretente convocar a un importante número de coleccionistas internacionales y nacionales, con el propósito de visitar la feria, acercarse a los galeristas e instituciones culturales y participar en una serie de eventos privados donde se busca establezcan relaciones con los artistas de nuestro país, logrando con ello la mejor forma de intercambio cultural.
México arte contemporáneo, la única feria de arte de nuestro pís confirma su presencia como una de las plataformas más importantes para la venta, y exposición de arte nacional e internacional, distinguiendo su labor de las salas de museos y galerías, al ofrecer una nueva forma de exhibir arte en nuestro país, al caminar por los pisos, interactuar con los artistas, y su obra, con los galeristas, originando una nueva práctica en nuestra costumbre local.
La notable participación de un mayor núemro de galerías y editoriales, garantiza el éxito y presencia de México arte contemporáneo tiene en Latinoamérica, y con ellos el incremento de público que vive una nueva experiencia de recreaión a través del arte y cultura de nuestra ciudad.
Secciones de México Arte Contemporáneo 2008:
La presentación dentro del recinto ferial de méxico arte contemporáneo se divide en las siguientes secciones:
Galerías:
Esta sección cuensta con galerías las cuales tienen como requisito tener más de cinco años de fundación, cumpliendo con el criterio de calidad determinado por el comité de selección.
Nuevas propuestas:
Sección conformada por galerías con menos de cinco años de apertura las cuales proponen obra de artistas emergentes de diferentes partes del mundo.
Instituciones:
Dentro de este rubro estarán las instituciones, museos, y/o colectivos que apoyan al arte contemporáneo tanto en México como en el extranjero.
Publicaciones:
Aquí se ubican las publicaciones vinculadas de forma directa al apoyo del arte contemporáneo.
Horarios de México Arte Contemporáneo.
Miercoles 23 de abril 2008 - 5:00 pm a 9:00 pm, Público en general
Jueves 24 de abril al Sábado 26 de abril 2008 - 1:00 pm a 9:pm
Domingo 27 de abril 2008 - 12:00 pm a 8:pm
Admisión general diaria:
Las entradas cuestan:
Público en general $100 pesos
Estudiantes, Maestros, Insen $50 pesos
Cuando:
Miércoles, Abril 23, 2008 - Domingo, Abril 27, 2008
Donde:
Centro Banamex - Av. Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Mexico DF, Tel 52682000
Link Expo:
FEMACO 2008 (ex MACO MEXICO) feria de arte contemporáneo de México
Link Predio:
Centro de Exposiciones Banamex
Organiza y/o mas informacion:
FEMACO
Luis G. Urbina 4 int 104, Polanco, C.P. 11560
Tel: 52 (55) 52806073
info@femaco.com
Pais
• Mexico
México, 8 Abr (Notimex).- Con la participación de 86 galerías provenientes de 16 países, además del anfitrión, la Feria México Arte Contemporáneo (Femaco) se llevará a cabo en esta ciudad, por quinto año consecutivo, del 23 al 27 de abril próximo.
Participarán galeristas de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
Ellos, a lo largo de más de nueve mil metros cuadrados, ofrecerán lo último de su propuesta artística.
En conferencia de prensa, Zelika García, directora del encuentro junto con Enrique Rubio, informó que la feria contará en este año con cuatro áreas y un amplio programa de actividades paralelas que se desarrollarán durante cinco días en el Centro Banamex, en el poniente de esta ciudad.
Refirió que el recinto cuenta con una sección principal destinada a las galerías establecidas, es decir, aquellas que llevan más tiempo de trabajo y que ocupan la mayor parte de la feria.
Más adelante, explicó, habrá una sección más pequeña en la cual se ubican las galerías con nuevas propuestas, osea, firmas emergentes con menos de cinco años de existencia y que no podrán participar más de dos años consecutivos en esta sección.
Asimismo, agregó, existirá otro apartado destinado a las publicaciones y medios de comunicación; mientras que en la entrada estarán ubicados los múltiples patrocinadores de la Femaco.
Como cada año, agregó García, las galerías han sido invitadas por un comité de selección que se integra por las galerías Blow de La Barra (Pablo León de la Barra), Travesía 4 (Inés López-Quesada y Silvia Ortiz), Krinzinger Projekte (Thomas Krinzinger), Omr (Patricio Ortiz Monasterio y Jaime Riestra), y Nara Roesler (Daniel Roesler).
La selección de este año, enfatizó la directora, quedó conformada por 86 galerías participantes, de las cuales 17 corresponden a nuevas propuestas.
Entre estas últimas destacan la Galería Zenshi, de Japón; la Galería Moro, de Chile; la Ferenbalm-Gurbrü Station, de Alemania; y las mexicanas Gaga y Galería 13.
Sigue Ofrecerán galeristas. dos. 13. Además, dijo, México estará representado por 20 galerías; mientras que 66 provienen de otros países, mismas que buscarán acercar y dar a conocer las propuestas del arte contemporáneo internacional.
Enrique Rubio señaló, por su parte, que este año la reunión artística internacional pasó de llamarse solamente Maco a Femaco, debido a un proceso legal que actualmente mantienen con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.
"Hicimos este cambio- señaló-, debido a una contingencia legal que tenemos con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, lo último que cabe mencionar en este punto, es que seguimos en un litigio que está por resolverse en cualquier momento".
Añadió que "nosotros creemos en nuestro proyecto y podemos hacer las adaptaciones necesarias y no estamos aferrados a nada. En un principio, el punto de referencia Maco empezamos siendo nosotros, pues la institución como museo es muy reconocida en todos lados y por ello no tenemos ningún empacho en hacer los ajustes que sean necesarios".
Además, externó, este año la Femaco ofrecerá una serie de actividades paralelas que incluirá una sección infantil en la que se abordará el tema Calentamiento Global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Ellos, a través de la Fundación Gugenhaim, realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan la naturaleza.
La feria ofrecerá también el servicio de visitas guiadas a cargo de Ana Elena González, directora de Original Múltiple/ Gestión Cultural, a través de las cuales, los visitantes podrán abrir espacios de discusión y retroalimentación con los especialistas participantes.
Entre las propuestas de los patrocinadores destaca el concurso Arte Gráfico Perrier, donde artistas plásticos elaborarán una obra (fotografía, gráfica, dibujo y/o video con la imagen y la personalidad de la marca patrocinadora).
Por su parte, la Fundación Cultural Mont Blanc presentará su colección de arte "Cutting Edge" iniciada en 2002 y compuesta por más de 100 obras de artistas internacionales.
La Feria México Arte Contemporáneo (Femaco), que ofrece lo último en propuestas artísticas, reunirá a 86 galerías de diversos países entre el 23 y el 27 de abril próximo, informaron hoy organizadores.
En el evento participarán galerías provenientes de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
En conferencia de prensa, Zelika García y Enrique Rubio, directores del encuentro, comentaron que este año la feria contará con un amplio programa de actividades paralelas.
Resaltaron además que el encuentro contará con una sección principal destinada a las galerías ya establecidas y con una sección más pequeña en la cual se ubicarán 17 galerías con nuevas propuestas.
Para esta quinta versión de la Femaco, las galerías fueron invitadas, como cada año, por un distinguido comité de selección, entre ellas 20 galerías serán mexicanas y 66 de los otros países.
Dentro de las actividades paralelas, sobresale la sección infantil, en la que se abordará el tema del calentamiento global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Con el patrocinio de la Fundación Guggenheim, los pequeños participantes realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan a la naturaleza.
En esta ocasión, la feria planea reunir a más de 80 galerías nacionales e internacionales que mostrarán lo mejor del arte actual en el mundo, y estará dividida en dos secciones: galerías y nuevas propuestas; con el fin de incluir las propuestas de los artistas emergentes. A su vez, las galerías serán evaluadas y seleccionadas por un comité formado por galeristas de distintos países, con el objetivo de ofrecer y garantizar un proyecto de alta calidad.
Uno de los objetivos principales de México Arte Contemporáneo es propiciar en cada una de sus ediciones un foro abierto a nuevasideas y propuestas, donde se genere una convivencia entre los distintos conocedores de arte - críticos, curadores, artistas, coleccionistas, directores de fundaciones, galeristas y publico en general - , quienes perciben esta feria como una gran oportunidad para conocer las tendencias artísticas actuales y con ello, dar paso al surgimiento de nuevos coleccionistas.
Por sus características, este evento ha ido adquiriendo mayor validez, aceptación y confianza por parte del mundo artístico alrededor del mundo, lo cual lo convierte en una plataforma estable de intercambio y fometo cultural.
A partir del miércoles 25 y hasta el domingo 29 de abril, se llevará a cabo la cuarta edición consecutivo de la única feria de arte contemporáneo en nuestro país, méxico arte contemporáneo, en la ciudad de méxico.
Esperamos contar con la participación de más de 70 galerías provenientes de países como: Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, España, Puerto Rico, Francia, Costa Rica, México, entre otros.
méxico arte contemporáneo busca dar mayor difusión a la feria, para con ello incrementar el porcentaje de público participante, y reunir a un número importante de coleccionistas, especialistas, directores de museos, críticos, curadores y artistas.
El programa internacional de coleccionistas pretente convocar a un importante número de coleccionistas internacionales y nacionales, con el propósito de visitar la feria, acercarse a los galeristas e instituciones culturales y participar en una serie de eventos privados donde se busca establezcan relaciones con los artistas de nuestro país, logrando con ello la mejor forma de intercambio cultural.
México arte contemporáneo, la única feria de arte de nuestro pís confirma su presencia como una de las plataformas más importantes para la venta, y exposición de arte nacional e internacional, distinguiendo su labor de las salas de museos y galerías, al ofrecer una nueva forma de exhibir arte en nuestro país, al caminar por los pisos, interactuar con los artistas, y su obra, con los galeristas, originando una nueva práctica en nuestra costumbre local.
La notable participación de un mayor núemro de galerías y editoriales, garantiza el éxito y presencia de México arte contemporáneo tiene en Latinoamérica, y con ellos el incremento de público que vive una nueva experiencia de recreaión a través del arte y cultura de nuestra ciudad.
Secciones de México Arte Contemporáneo 2008:
La presentación dentro del recinto ferial de méxico arte contemporáneo se divide en las siguientes secciones:
Galerías:
Esta sección cuensta con galerías las cuales tienen como requisito tener más de cinco años de fundación, cumpliendo con el criterio de calidad determinado por el comité de selección.
Nuevas propuestas:
Sección conformada por galerías con menos de cinco años de apertura las cuales proponen obra de artistas emergentes de diferentes partes del mundo.
Instituciones:
Dentro de este rubro estarán las instituciones, museos, y/o colectivos que apoyan al arte contemporáneo tanto en México como en el extranjero.
Publicaciones:
Aquí se ubican las publicaciones vinculadas de forma directa al apoyo del arte contemporáneo.
Horarios de México Arte Contemporáneo.
Miercoles 23 de abril 2008 - 5:00 pm a 9:00 pm, Público en general
Jueves 24 de abril al Sábado 26 de abril 2008 - 1:00 pm a 9:pm
Domingo 27 de abril 2008 - 12:00 pm a 8:pm
Admisión general diaria:
Las entradas cuestan:
Público en general $100 pesos
Estudiantes, Maestros, Insen $50 pesos
Cuando:
Miércoles, Abril 23, 2008 - Domingo, Abril 27, 2008
Donde:
Centro Banamex - Av. Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Mexico DF, Tel 52682000
Link Expo:
FEMACO 2008 (ex MACO MEXICO) feria de arte contemporáneo de México
Link Predio:
Centro de Exposiciones Banamex
Organiza y/o mas informacion:
FEMACO
Luis G. Urbina 4 int 104, Polanco, C.P. 11560
Tel: 52 (55) 52806073
info@femaco.com
Pais
• Mexico
México, 8 Abr (Notimex).- Con la participación de 86 galerías provenientes de 16 países, además del anfitrión, la Feria México Arte Contemporáneo (Femaco) se llevará a cabo en esta ciudad, por quinto año consecutivo, del 23 al 27 de abril próximo.
Participarán galeristas de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
Ellos, a lo largo de más de nueve mil metros cuadrados, ofrecerán lo último de su propuesta artística.
En conferencia de prensa, Zelika García, directora del encuentro junto con Enrique Rubio, informó que la feria contará en este año con cuatro áreas y un amplio programa de actividades paralelas que se desarrollarán durante cinco días en el Centro Banamex, en el poniente de esta ciudad.
Refirió que el recinto cuenta con una sección principal destinada a las galerías establecidas, es decir, aquellas que llevan más tiempo de trabajo y que ocupan la mayor parte de la feria.
Más adelante, explicó, habrá una sección más pequeña en la cual se ubican las galerías con nuevas propuestas, osea, firmas emergentes con menos de cinco años de existencia y que no podrán participar más de dos años consecutivos en esta sección.
Asimismo, agregó, existirá otro apartado destinado a las publicaciones y medios de comunicación; mientras que en la entrada estarán ubicados los múltiples patrocinadores de la Femaco.
Como cada año, agregó García, las galerías han sido invitadas por un comité de selección que se integra por las galerías Blow de La Barra (Pablo León de la Barra), Travesía 4 (Inés López-Quesada y Silvia Ortiz), Krinzinger Projekte (Thomas Krinzinger), Omr (Patricio Ortiz Monasterio y Jaime Riestra), y Nara Roesler (Daniel Roesler).
La selección de este año, enfatizó la directora, quedó conformada por 86 galerías participantes, de las cuales 17 corresponden a nuevas propuestas.
Entre estas últimas destacan la Galería Zenshi, de Japón; la Galería Moro, de Chile; la Ferenbalm-Gurbrü Station, de Alemania; y las mexicanas Gaga y Galería 13.
Sigue Ofrecerán galeristas. dos. 13. Además, dijo, México estará representado por 20 galerías; mientras que 66 provienen de otros países, mismas que buscarán acercar y dar a conocer las propuestas del arte contemporáneo internacional.
Enrique Rubio señaló, por su parte, que este año la reunión artística internacional pasó de llamarse solamente Maco a Femaco, debido a un proceso legal que actualmente mantienen con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.
"Hicimos este cambio- señaló-, debido a una contingencia legal que tenemos con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, lo último que cabe mencionar en este punto, es que seguimos en un litigio que está por resolverse en cualquier momento".
Añadió que "nosotros creemos en nuestro proyecto y podemos hacer las adaptaciones necesarias y no estamos aferrados a nada. En un principio, el punto de referencia Maco empezamos siendo nosotros, pues la institución como museo es muy reconocida en todos lados y por ello no tenemos ningún empacho en hacer los ajustes que sean necesarios".
Además, externó, este año la Femaco ofrecerá una serie de actividades paralelas que incluirá una sección infantil en la que se abordará el tema Calentamiento Global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Ellos, a través de la Fundación Gugenhaim, realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan la naturaleza.
La feria ofrecerá también el servicio de visitas guiadas a cargo de Ana Elena González, directora de Original Múltiple/ Gestión Cultural, a través de las cuales, los visitantes podrán abrir espacios de discusión y retroalimentación con los especialistas participantes.
Entre las propuestas de los patrocinadores destaca el concurso Arte Gráfico Perrier, donde artistas plásticos elaborarán una obra (fotografía, gráfica, dibujo y/o video con la imagen y la personalidad de la marca patrocinadora).
Por su parte, la Fundación Cultural Mont Blanc presentará su colección de arte "Cutting Edge" iniciada en 2002 y compuesta por más de 100 obras de artistas internacionales.
La Feria México Arte Contemporáneo (Femaco), que ofrece lo último en propuestas artísticas, reunirá a 86 galerías de diversos países entre el 23 y el 27 de abril próximo, informaron hoy organizadores.
En el evento participarán galerías provenientes de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
En conferencia de prensa, Zelika García y Enrique Rubio, directores del encuentro, comentaron que este año la feria contará con un amplio programa de actividades paralelas.
Resaltaron además que el encuentro contará con una sección principal destinada a las galerías ya establecidas y con una sección más pequeña en la cual se ubicarán 17 galerías con nuevas propuestas.
Para esta quinta versión de la Femaco, las galerías fueron invitadas, como cada año, por un distinguido comité de selección, entre ellas 20 galerías serán mexicanas y 66 de los otros países.
Dentro de las actividades paralelas, sobresale la sección infantil, en la que se abordará el tema del calentamiento global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Con el patrocinio de la Fundación Guggenheim, los pequeños participantes realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan a la naturaleza.
EL PROBLEMA DE LA BELLEZA
Es obvio que nada concerniente al arte continúa ya siendo obvio, ni su vida interior, ni su relación con el mundo, ni siquiera su derecho a existir
Teodoro Adorno Estética 1969
A lo largo de la historia, el concepto de arte, como tal, no impone restricciones internas en cuanto a qué cosa son las obras de arte o no. En los tiempos actuales, es muy difícil definir si algo es una obra de arte. Peor aun, una cosa puede ser obra de arte mientras otra cosa, absolutamente idéntica a ésta, no. La percepción visual ya no es suficiente para detallar el fenómeno del arte contemporáneo.
Los criterios tradicionales han dejado de tener validez.
El performance del colectivo Praxis que se exhibió en la bienal del Whitney de 2002 ofrecía al espectador un menú de servicios que incluía abrazos, baños de pies, billetes de dólar, así como la colocación de apósitos acompañada de un beso. Una de las obras más populares de la Bienal fue la pieza sonora de Steven Vitello, consistía en una grabación realizada en 1999 de los sonidos causados por el Huracán Floyd en el exterior del piso 91 de la Torre uno del World Trade Center.
Para los artistas hoy todo es posible, como consecuencia de esta apertura radical las obras son objetos que casi pueden pasar desapercibidos en lo cotidiano.
El intento de homicidio de Andy Warhol en manos de Valerie Solanas (escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria) casi se valoró como un performance si no hubiera sido porque había que enfrentar legalmente el caso.
El compositor Karlheinz Stockhausen declaró que el ataque terrorista de 11 de septiembre de 2001 había sido la mayor obra de arte de todos los tiempos, las críticas por la efusividad del comentario del músico hicieron que de inmediato se desacreditara, pero el hecho es que llegó a determinar el grado de apertura del territorio, por monstruoso que pudiera ser estrellar aviones de pasajeros en edificios abarrotados de gente para crear una obra de arte.
¿Qué es el arte? Cualquier cosa… de inmediato, esta puede ser una respuesta decepcionante.
Pero esto es porque desde hace mucho tiempo se da por sentado que las obras de arte constituyen un grupo de objetos limitados y, hasta cierto punto, elevados que cualquiera podría identificar por su estatus (bien, verdad y belleza).
En la nueva filosofía, los objetos que se consideran como arte siguen siendo limitados, lo que pasa es que ahora cuesta más trabajo reconocerlos. En nuestros días, algo puede parecer una obra de arte y no serlo.
Esto no lo podríamos imaginar antes de 1917 cuando Marcel Duchamp creó 14 ready mades, que parecían más un grupo de objetos salidos de un garage en venta, que obras expuestas en el Carré del Louvre. Pero si trasladamos a Duchamp a la actualidad, este artista hubiera resultado muy severo en la manera de organizar y delinear qué objetos y por qué serían colocados en un sitio especial. El fenómeno artístico, ahora, ha borrado casi por completo la línea entre arte y no arte. Duchamp nunca dijo por qué había elegido esos objetos y por qué lo separaba de los del garage. Nunca transmitió cual sería su reacción si se encontrara esos objetos intervenidos por otros artistas. La pregunta quedó en el aire pero abrió una puerta.
El Fin de Arte parece como frase, un grito desesperado. En realidad este fin, nos permite definir, en términos del objeto, que nos depara la historia del arte sin esperar a ver que más puede pasar.
Como cualquier cosa puede ser una obra de arte, inician las sorpresas, los enigmas…
La filosofía dedicada al arte que conocemos como estética, es la única que no estará dentro del terreno de la sorpresa, ya que cada experiencia, deberá sustentarse con el objeto mismo y crear a partir de ahí una propuesta particular. Cada objeto crea su propio lenguaje y ese lenguaje incluye y excluye a los demás, los considera pero no lo introduce como parte de su esencia.
Nada en el arte de hoy es absolutamente obvio…
Greenberg eligió un camino que marcaba a la modernidad en el arte a partir de Kant. Es un camino de autocrítica que consiste en depurar el medio de todo aquello que fuera extrínseco a él. Si a cada elemento se le confiere un valor intrínseco éste redime su condición y se vuelve esencia de lo sublime. Al alcanzar un estado “puro” cada obra “vería garantizados sus niveles de calidad así como su independencia” Se crea un respeto al medio.
En nuestros días todo es posible, del modo que sea. La modernidad, tal y como la presentó Greenberg, era un especie de limpieza conceptual. En nuestra etapa postmoderna, la pureza es una opción, bastante pasada de moda por cierto.
Para Greemberg el arte se tenía que definir desde dentro, y trató de probar sus ideas con absoluta entrega. Con sus ideas dio entrada a los llamados “minimalistas” como Carl André, Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra, Dan Flavin, Sol Le Witt. Lograron aquilatar una filosofía: “lo que ves es lo que ves” esto es una actitud que coincide y es congruente con la obra. ¿Qué quería el arte minimal? mostrar que era posible, con un mínimo de criterios, determinar que algo es arte.
La filosofía del Pop, era ironizar sobre la distinción entre el arte elevado y el arte vulgar –entre la pintura glorificada de la anterior generación de artistas, los expresionistas abstractos y el imaginario popular del “comic” y la publicidad. El concepto de High and Low se inauguró gracias a la exposición de 1992 con el mismo nombre.
El artista George Brecht miembro del movimiento Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas)
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte.
Una de las exposiciones de Fluxus creó un concepto de movimiento distinto prendiendo y apagando las luces con un interruptor. Fluxus era un movimiento de pensamiento que estaba formado por alumnos de John Cage y estaban influidos por el pensamiento Zen que es una tradición del budismo Mahāyāna.
El Zen, o sea la escuela japonesa, se centra en la en la sabiduría experimental. Es una de las escuelas del budismo más conocidas y apreciadas en Occidente, traducido normalmente como "meditación". Este pensamiento fue de gran influencia para Nueva York en esas épocas: el mundo cotidiano de la experiencia diaria se puede experimentar como una especie de transfiguración artística.
Para ellos, ningún aspecto externo distingue necesariamente una obra de arte del más común de los objetos o acontecimientos. Cualquier cosa puede ser música, incluso el silencio. La más vulgar de las cajas de madera, un rollo de cuerda para tender la ropa, una bobina de alambre de espinas, una hilera de ladrillos pueden ser una escultura. Un simple fondo blando puede ser una pintura.
Las instituciones de la alta cultura no estaban preparadas para este cambio. No concebible que se pagara un boleto para entrar a ver a una mujer inmóvil o para escuchar la propia respiración, mientras una persona sentada frente a un piano no tocaba sus teclas. ¿Qué cabía pensar? Que las instituciones estaban mal…
Pero, pensemos, por otro lado, un grupo de performance se sentaba a escuchar caer la nieve durante un tiempo pactado ¿No era mágico? O ver a Yoko Ono en su performance Smatch Piece en la que enciende un cerillo y lo contempla hasta que se apaga, la muerte de la luz ¿No es poético?
Desde el punto de vista histórico, es un problema determinar qué de todo esto sí queda dentro de una estética oficial
La caja de Brillo de Andy Warhol, mostraba de nuevo, que la apertura del arte no tenía límite: Una caja que en su creación había asimilado todas las teorías y que estaba hecha para quién conocía esas teorías… en cambio la caja de Brillo real, se había concebido por un diseñador freelance para ser distribuida en los supermercados. La de Warhol fue hecha para el mundo artístico en disposición de apreciarlo. Como diría George Dicky, influyente crítico de arte, es un objeto candidato a ser apreciado
En 1963 Richard Artschwager envió a varias instituciones culturales una cajas que pensó podría interesarles, En el Guggenheim lo rechazaron por considerarlo una artesanía. Leo Castelli, en cambio, lo vio como una posibilidad y lo aceptó de inmediato en su galería.
El manifiesto lanzado por el grupo Fluxus en 1966 dice:
No a la exclusividad, individualidad, ambición, trascendencia, rareza, inspiración, habilidad, complejidad, profundidad, grandeza, valor institucional y mercantil…
No al espectáculo, no al virtuosismo, no a las transformaciones y la magia y a la fantasía, no al glamour y a la trascendencia de la estrella del arte…
Con la llegada del arte conceptual a finales de la década, dejó de ser necesaria la existencia de un objeto material (un artefacto?) En caso de que hubiera un objeto no necesariamente tendría que ser creado por el artista. Se puede hacer arte sin ser artista o ser artista y no hacer el arte por el que uno aspira a ser reconocido.
Douglas Huebner en una entrevista en 1969 dijo:
Ya no fabrico objetos, no trato de traer objetos al mundo, no quiero decirle nada al mundo, hago las cosas que hago para dejar el mundo más o menos como está…
Dejar el mundo tal y como lo encontramos…
Los artistas pueden o no tomar este camino. Y con esto la idea de qué es el arte tendría que cambiar radicalmente.
Lo que se puede ir deduciendo no es que el arte sea indefinible, si no que los registros con los que se codifica tienen que ser mucho más amplios. Deben poder comprehender todos los casos imaginables.
Una propuesta es:
X es una obra de arte si encarna un significado…
La belleza ha desaparecido no sólo del arte si no de la filosofía…
Cualquier cosa puede ser arte, sobre todo quitando la idea de belleza…
No debemos olvidar que los americanos llegaron a asociar cualquier expresión contemporánea con movimientos subversivos y con el comunismo. “El arte contemporáneo es comunista y es subversivo porque es feo y no glorifica nuestro país, con gente feliz y progreso material”
La belleza queda, desde este punto de vista como un arma política.
Cuando se le preguntó al crítico David Hickey cual sería el tema del arte en los 90, dijo la belleza. Parecía una ironía pero en verdad, este tema iba a ser sacado a relucir constantemente.
Si utilizamos la obra de Robert Mapplethorp que ya era famoso cuando se llevó a cabo su exposición The perfect Moment, sabremos que su exposición fue cancelada debido al miedo que se supiera, en las grandes instituciones promotoras del arte, lo que se estaba mostrando. El problema era el fuerte contenido sexual que mostraba. Sin embargo, al paso de los años, la crítica que casi alejó a Mapplethorp del mundo del arte serio, fue su exagerada vocación por la belleza.
Gerhard Richter comentó alguna vez, que la crítica que se le había hecho era no que pintara sexo y violencia si no que hiciera formas bellas.
A la belleza sólo le depara desdén; terminará irremediablemente marginada…
La belleza, a pesar de ser tema, ya no es el centro de la creación. A veces pareciera que su presencia ya no es relevante. Peligrosamente puede llegar a hacer que el objeto se trivialice al ser gobernado por ella.
Para Hume la belleza de las cosas sólo existe en el pensamiento. Sabores y colores no residen en los cuerpos si no en los sentidos…
Philipe Guston que era un pintor emblemático el mundo americano ideal, da un giro completo en su obra a partir de que se dan a conocer los horrores de Vietnam, por lógica dejó atrás el estigma de la belleza
Si no se hubieran dado tantas rupturas en el siglo XX los críticos seguirían mostrando que el vínculo entre belleza y arte era riguroso.
Durante muchos años, la belleza se conectó con la verdad, la bondad y la felicidad. En general, la belleza conecta con una fuerza inherente a la naturaleza humana. Por eso la realidad estética es muy importante y la privación de esta hace que los seres vivos nos sintamos desposeídos de algo. El arte era un consuelo para el horror del mundo, consuelo para aliviar la tristeza.
La belleza entonces tenía que ser evidente.
En la Inglaterra neoclásica, cuando se descubrieron los objetos africanos, se creyó que buscaban ser bellos pero que quien los había elaborado no había podido llegar al concepto de belleza por eso eran primitivos.
Los post impresionistas fueron considerados espantosos y que atentaban contra la belleza.
El cambio es que si realmente nos atrevemos a mirar de otra manera, tal vez en un cuadro evidentemente feo, encontremos un asomo de belleza. La historia de la modernidad, es la historia de la aceptación. Por primera vez fue necesario entender una obra para poder entrar en ella, la reflexión la coloca en la posibilidad de ser vista. La obra hoy requiere un espectador activo que la complete.
El Desnudo Azul de Matisse es un buen cuadro, un cuadro incluso, pero quien diga que s bello no sabe lo que dice. Para poder captarlo con todo su significado y permitir que signifique al mundo, tenemos que romper, categóricamente con lo que hasta ahora hemos creído que el arte es por necesidad, categóricamente bello.
Una de las victorias del siglo XX es habernos dado una idea mucho más compleja de la apreciación artística, que la que tuvieron a su disposición los primeros modernos…
Teodoro Adorno Estética 1969
A lo largo de la historia, el concepto de arte, como tal, no impone restricciones internas en cuanto a qué cosa son las obras de arte o no. En los tiempos actuales, es muy difícil definir si algo es una obra de arte. Peor aun, una cosa puede ser obra de arte mientras otra cosa, absolutamente idéntica a ésta, no. La percepción visual ya no es suficiente para detallar el fenómeno del arte contemporáneo.
Los criterios tradicionales han dejado de tener validez.
El performance del colectivo Praxis que se exhibió en la bienal del Whitney de 2002 ofrecía al espectador un menú de servicios que incluía abrazos, baños de pies, billetes de dólar, así como la colocación de apósitos acompañada de un beso. Una de las obras más populares de la Bienal fue la pieza sonora de Steven Vitello, consistía en una grabación realizada en 1999 de los sonidos causados por el Huracán Floyd en el exterior del piso 91 de la Torre uno del World Trade Center.
Para los artistas hoy todo es posible, como consecuencia de esta apertura radical las obras son objetos que casi pueden pasar desapercibidos en lo cotidiano.
El intento de homicidio de Andy Warhol en manos de Valerie Solanas (escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria) casi se valoró como un performance si no hubiera sido porque había que enfrentar legalmente el caso.
El compositor Karlheinz Stockhausen declaró que el ataque terrorista de 11 de septiembre de 2001 había sido la mayor obra de arte de todos los tiempos, las críticas por la efusividad del comentario del músico hicieron que de inmediato se desacreditara, pero el hecho es que llegó a determinar el grado de apertura del territorio, por monstruoso que pudiera ser estrellar aviones de pasajeros en edificios abarrotados de gente para crear una obra de arte.
¿Qué es el arte? Cualquier cosa… de inmediato, esta puede ser una respuesta decepcionante.
Pero esto es porque desde hace mucho tiempo se da por sentado que las obras de arte constituyen un grupo de objetos limitados y, hasta cierto punto, elevados que cualquiera podría identificar por su estatus (bien, verdad y belleza).
En la nueva filosofía, los objetos que se consideran como arte siguen siendo limitados, lo que pasa es que ahora cuesta más trabajo reconocerlos. En nuestros días, algo puede parecer una obra de arte y no serlo.
Esto no lo podríamos imaginar antes de 1917 cuando Marcel Duchamp creó 14 ready mades, que parecían más un grupo de objetos salidos de un garage en venta, que obras expuestas en el Carré del Louvre. Pero si trasladamos a Duchamp a la actualidad, este artista hubiera resultado muy severo en la manera de organizar y delinear qué objetos y por qué serían colocados en un sitio especial. El fenómeno artístico, ahora, ha borrado casi por completo la línea entre arte y no arte. Duchamp nunca dijo por qué había elegido esos objetos y por qué lo separaba de los del garage. Nunca transmitió cual sería su reacción si se encontrara esos objetos intervenidos por otros artistas. La pregunta quedó en el aire pero abrió una puerta.
El Fin de Arte parece como frase, un grito desesperado. En realidad este fin, nos permite definir, en términos del objeto, que nos depara la historia del arte sin esperar a ver que más puede pasar.
Como cualquier cosa puede ser una obra de arte, inician las sorpresas, los enigmas…
La filosofía dedicada al arte que conocemos como estética, es la única que no estará dentro del terreno de la sorpresa, ya que cada experiencia, deberá sustentarse con el objeto mismo y crear a partir de ahí una propuesta particular. Cada objeto crea su propio lenguaje y ese lenguaje incluye y excluye a los demás, los considera pero no lo introduce como parte de su esencia.
Nada en el arte de hoy es absolutamente obvio…
Greenberg eligió un camino que marcaba a la modernidad en el arte a partir de Kant. Es un camino de autocrítica que consiste en depurar el medio de todo aquello que fuera extrínseco a él. Si a cada elemento se le confiere un valor intrínseco éste redime su condición y se vuelve esencia de lo sublime. Al alcanzar un estado “puro” cada obra “vería garantizados sus niveles de calidad así como su independencia” Se crea un respeto al medio.
En nuestros días todo es posible, del modo que sea. La modernidad, tal y como la presentó Greenberg, era un especie de limpieza conceptual. En nuestra etapa postmoderna, la pureza es una opción, bastante pasada de moda por cierto.
Para Greemberg el arte se tenía que definir desde dentro, y trató de probar sus ideas con absoluta entrega. Con sus ideas dio entrada a los llamados “minimalistas” como Carl André, Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra, Dan Flavin, Sol Le Witt. Lograron aquilatar una filosofía: “lo que ves es lo que ves” esto es una actitud que coincide y es congruente con la obra. ¿Qué quería el arte minimal? mostrar que era posible, con un mínimo de criterios, determinar que algo es arte.
La filosofía del Pop, era ironizar sobre la distinción entre el arte elevado y el arte vulgar –entre la pintura glorificada de la anterior generación de artistas, los expresionistas abstractos y el imaginario popular del “comic” y la publicidad. El concepto de High and Low se inauguró gracias a la exposición de 1992 con el mismo nombre.
El artista George Brecht miembro del movimiento Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas)
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte.
Una de las exposiciones de Fluxus creó un concepto de movimiento distinto prendiendo y apagando las luces con un interruptor. Fluxus era un movimiento de pensamiento que estaba formado por alumnos de John Cage y estaban influidos por el pensamiento Zen que es una tradición del budismo Mahāyāna.
El Zen, o sea la escuela japonesa, se centra en la en la sabiduría experimental. Es una de las escuelas del budismo más conocidas y apreciadas en Occidente, traducido normalmente como "meditación". Este pensamiento fue de gran influencia para Nueva York en esas épocas: el mundo cotidiano de la experiencia diaria se puede experimentar como una especie de transfiguración artística.
Para ellos, ningún aspecto externo distingue necesariamente una obra de arte del más común de los objetos o acontecimientos. Cualquier cosa puede ser música, incluso el silencio. La más vulgar de las cajas de madera, un rollo de cuerda para tender la ropa, una bobina de alambre de espinas, una hilera de ladrillos pueden ser una escultura. Un simple fondo blando puede ser una pintura.
Las instituciones de la alta cultura no estaban preparadas para este cambio. No concebible que se pagara un boleto para entrar a ver a una mujer inmóvil o para escuchar la propia respiración, mientras una persona sentada frente a un piano no tocaba sus teclas. ¿Qué cabía pensar? Que las instituciones estaban mal…
Pero, pensemos, por otro lado, un grupo de performance se sentaba a escuchar caer la nieve durante un tiempo pactado ¿No era mágico? O ver a Yoko Ono en su performance Smatch Piece en la que enciende un cerillo y lo contempla hasta que se apaga, la muerte de la luz ¿No es poético?
Desde el punto de vista histórico, es un problema determinar qué de todo esto sí queda dentro de una estética oficial
La caja de Brillo de Andy Warhol, mostraba de nuevo, que la apertura del arte no tenía límite: Una caja que en su creación había asimilado todas las teorías y que estaba hecha para quién conocía esas teorías… en cambio la caja de Brillo real, se había concebido por un diseñador freelance para ser distribuida en los supermercados. La de Warhol fue hecha para el mundo artístico en disposición de apreciarlo. Como diría George Dicky, influyente crítico de arte, es un objeto candidato a ser apreciado
En 1963 Richard Artschwager envió a varias instituciones culturales una cajas que pensó podría interesarles, En el Guggenheim lo rechazaron por considerarlo una artesanía. Leo Castelli, en cambio, lo vio como una posibilidad y lo aceptó de inmediato en su galería.
El manifiesto lanzado por el grupo Fluxus en 1966 dice:
No a la exclusividad, individualidad, ambición, trascendencia, rareza, inspiración, habilidad, complejidad, profundidad, grandeza, valor institucional y mercantil…
No al espectáculo, no al virtuosismo, no a las transformaciones y la magia y a la fantasía, no al glamour y a la trascendencia de la estrella del arte…
Con la llegada del arte conceptual a finales de la década, dejó de ser necesaria la existencia de un objeto material (un artefacto?) En caso de que hubiera un objeto no necesariamente tendría que ser creado por el artista. Se puede hacer arte sin ser artista o ser artista y no hacer el arte por el que uno aspira a ser reconocido.
Douglas Huebner en una entrevista en 1969 dijo:
Ya no fabrico objetos, no trato de traer objetos al mundo, no quiero decirle nada al mundo, hago las cosas que hago para dejar el mundo más o menos como está…
Dejar el mundo tal y como lo encontramos…
Los artistas pueden o no tomar este camino. Y con esto la idea de qué es el arte tendría que cambiar radicalmente.
Lo que se puede ir deduciendo no es que el arte sea indefinible, si no que los registros con los que se codifica tienen que ser mucho más amplios. Deben poder comprehender todos los casos imaginables.
Una propuesta es:
X es una obra de arte si encarna un significado…
La belleza ha desaparecido no sólo del arte si no de la filosofía…
Cualquier cosa puede ser arte, sobre todo quitando la idea de belleza…
No debemos olvidar que los americanos llegaron a asociar cualquier expresión contemporánea con movimientos subversivos y con el comunismo. “El arte contemporáneo es comunista y es subversivo porque es feo y no glorifica nuestro país, con gente feliz y progreso material”
La belleza queda, desde este punto de vista como un arma política.
Cuando se le preguntó al crítico David Hickey cual sería el tema del arte en los 90, dijo la belleza. Parecía una ironía pero en verdad, este tema iba a ser sacado a relucir constantemente.
Si utilizamos la obra de Robert Mapplethorp que ya era famoso cuando se llevó a cabo su exposición The perfect Moment, sabremos que su exposición fue cancelada debido al miedo que se supiera, en las grandes instituciones promotoras del arte, lo que se estaba mostrando. El problema era el fuerte contenido sexual que mostraba. Sin embargo, al paso de los años, la crítica que casi alejó a Mapplethorp del mundo del arte serio, fue su exagerada vocación por la belleza.
Gerhard Richter comentó alguna vez, que la crítica que se le había hecho era no que pintara sexo y violencia si no que hiciera formas bellas.
A la belleza sólo le depara desdén; terminará irremediablemente marginada…
La belleza, a pesar de ser tema, ya no es el centro de la creación. A veces pareciera que su presencia ya no es relevante. Peligrosamente puede llegar a hacer que el objeto se trivialice al ser gobernado por ella.
Para Hume la belleza de las cosas sólo existe en el pensamiento. Sabores y colores no residen en los cuerpos si no en los sentidos…
Philipe Guston que era un pintor emblemático el mundo americano ideal, da un giro completo en su obra a partir de que se dan a conocer los horrores de Vietnam, por lógica dejó atrás el estigma de la belleza
Si no se hubieran dado tantas rupturas en el siglo XX los críticos seguirían mostrando que el vínculo entre belleza y arte era riguroso.
Durante muchos años, la belleza se conectó con la verdad, la bondad y la felicidad. En general, la belleza conecta con una fuerza inherente a la naturaleza humana. Por eso la realidad estética es muy importante y la privación de esta hace que los seres vivos nos sintamos desposeídos de algo. El arte era un consuelo para el horror del mundo, consuelo para aliviar la tristeza.
La belleza entonces tenía que ser evidente.
En la Inglaterra neoclásica, cuando se descubrieron los objetos africanos, se creyó que buscaban ser bellos pero que quien los había elaborado no había podido llegar al concepto de belleza por eso eran primitivos.
Los post impresionistas fueron considerados espantosos y que atentaban contra la belleza.
El cambio es que si realmente nos atrevemos a mirar de otra manera, tal vez en un cuadro evidentemente feo, encontremos un asomo de belleza. La historia de la modernidad, es la historia de la aceptación. Por primera vez fue necesario entender una obra para poder entrar en ella, la reflexión la coloca en la posibilidad de ser vista. La obra hoy requiere un espectador activo que la complete.
El Desnudo Azul de Matisse es un buen cuadro, un cuadro incluso, pero quien diga que s bello no sabe lo que dice. Para poder captarlo con todo su significado y permitir que signifique al mundo, tenemos que romper, categóricamente con lo que hasta ahora hemos creído que el arte es por necesidad, categóricamente bello.
Una de las victorias del siglo XX es habernos dado una idea mucho más compleja de la apreciación artística, que la que tuvieron a su disposición los primeros modernos…
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