Arte contemporáneo de Dinamarca

La muestra se titula Arte contemporáneo de Dinamarca, que se exhibirá del día 20 de febrero hasta el 26 de marzo y en ella se muestran obras de jóvenes nacidos en los años 1970 como Jesper Just, Eske Kath, Helle Mardhal, HuskMitNavn, Kasper Sonne, Christina Malbeck y FOS.
El día de la inauguración, la artista Christina Malbek realizará una instalación en el patio central del Museo de San Carlos con la participación de alumnos de arte y moda de la escuela la Esmeralda.
Cada uno de estos artistas tienen técnicas propias que van desde tomar temas de la vida cotidiana de Dinamarca, crear obras interactivas, el crear nuevos lenguajes o incorporar a artistas callejeros y la inusual apreciación estética de los desastres naturales como lo hace Eske KATH, quien visito México días antes para vivir la experiencia de un Día de Muertos y tratar de comprender lo que la relación de los mexicanos con la muerte.
La curaduría de la exposición Arte Contemporáneo de Dinamarca fue realizada por: Michael Bank Christoffersen, quien al comentar sobre este grupo de jóvenes escandinavos, que por primera vez muestran su obras en México, dijo, “los paisajes reflexivos de Malbek, pintados a partir de historias recolectadas y reapropiadas se combinan eficazmente con las composiciones modulares y los conceptos esenciales examinados dentro de las vitrinas de FOS”.
“Las representaciones llamativas de catástrofes y el final de los mundos de Kaths, no solamente son contrastadas sino, complementados por la infinidad de posibilidades y posiciones que aparecen en las instalaciones táctiles de Mardahl”.
“La relación contemporánea y reflexiva de la obra de HuskMitNavin en nuestros espacios cotidianos se realza todavía más por la fluidez con la que Just acompasa el comentario sobre la manera en que nos percibimos a nosotros mismos, mientras que el trabajo de Sonne nos hace cuestionar la esencia del arte, la propiedad y las palabras.”
Sinceramente creo que se podrían abrir una serie infinita de caminos entre los trabajos individuales y los artistas de esta exhibición. Sin embargo, la mayoría de esas conexiones deberán ser exploradas por cada uno de los visitantes dentro del marco inspirador de San Carlos.
La gente se ha reunido aquí por siglos, no solamente para educarse dentro de las artes sino, también para enfocarse en las jornadas que ellos mismos han trazado; muchas de las cuales están en evidencia en el museo. No debemos de olvidarnos que cada tiempo es único, que cada tiempo llama a sus propios cartógrafos y cada historia a sus propios artistas.”
También colaboraron en la curaduría Gabriel Mestre y Jorge Reynoso Pohlenz, quien redactó la presentación del catálogo de la muestra, donde explica al público mexicano las características de este trabajo artístico: “Siendo una característica general de los creadores contemporáneos la reflexión crítica de sus tradiciones culturales de origen en el contexto de escenarios que estimulan lecturas y valores cosmopolitas, en las obras presentadas en esta exposición podrán encontrarse tanto gestos reactivos a lo que las convenciones pudieran imaginar es el “arte danés”, así como una clara adopción de las formas en las que se procesa y presenta el arte contemporáneo “internacional”.
Pero la reacción es también una forma de reconocimiento: la atención que han merecido estos artistas daneses deriva en parte de la apertura de afluentes que está experimentando la corriente dominante del arte internacional, lo cual también es producto de décadas de políticas públicas nacionales que han estimulado en Dinamarca la formación, creación, asociación y divulgación de las artes; operando un doble ejercicio de equilibrio entre tradición y actualización, La Real Academia Danesa de Arte es un espejo de estas políticas, siendo importante mencionar que la mayoría de los artistas representados en la exposición son egresados de ella.”

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Una de las salas del Museo Tamayo Arte Contemporáneo fue convertida en basurero filosófico, estético, político y del amor. Se trata de los cuatro ejes de trabajo del creador suizo Thomas Hirschhorn, quien realizó una instalación con materiales de desecho en la que al mismo tiempo que se pregunta ¿dónde estoy parado? y ¿qué es lo que quiero?, obliga al visitante a reflexionar sobre la realidad que lo rodea.
La pieza de Hirschhorn (Berna, 1957), titulada Stand-alone (independiente), es un gran collage extendido a lo largo de la sala dividida en cuatro partes. En cada cuarto existe una chimenea que de manera simbólica mantiene viva la llama de los cuatro ejes de trabajo del artista.
Para esta instalación Hirschhorn empleó muebles y objetos cubiertos con materiales de uso cotidiano como el cartón, el aluminio, el papel y la cinta canela. También echa mano de recortes de periódicos, revistas, libros cautelosamente seleccionados y referencias a notas, textos o imágenes fotocopiadas, tomadas de internet o grafiti sobre los muros.
El visitante podrá transitar Stand-alone acompañado de un mapa realizado por el artista que le servirá como referencia para guiarse en medio de accidentes y nexos inesperados entre las ideas que conforman el collage. “Cada quien deberá obtener sus propias reflexiones en medio de este caos”, señaló Hirschhorn.
En cada uno de los espacios hay una especie de enorme tronco de árbol hecho de cartón, el cual tiene pegadas fotografías de gente destrozada y herida. La idea es romper la proporción cotidiana y ofrecer una perspectiva diferente de esas imágenes.
Los cuartos están divididos por puertas rotas, hay varios roperos y libreros desarmados que contienen leña o información a medias, integrada por artículos periodísticos editados y fotocopiados, adheridos a cajas o pedazos de cartón.
Además de los abundantes grafitis, sobre los muros están fijados con cinta adhesiva aparatos electrónicos como televisiones, teléfonos y computadoras. Esto, dice Thomas Hirschhorn, tiene el propósito de representar formas de resistencia. “Pretendo hacer una pieza que cree las condiciones para un diálogo o confrontación directa. Mi obra no es para intimidar a nadie. Intento crear una obra densa con gran sentido de urgencia; para mí el arte es una herramienta que me permite abordar la era en que vivo, conocer el mundo, confrontar la realidad”.
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El artista suizo Thomas Hirschhorn expone en México su particular filosofía de vida en una exposición elaborada con desechos y elementos de la vida cotidiana, donde reflexiona sobre el amor, la filosofía, la política y la estética, dijo el autor.

La exposición, llamada "Stand-Alone (independiente)", abarca unos 150 metros cuadrados del Museo Tamayo Arte Contemporáneo divididos en cuatro salas dedicadas a dos fuerzas "positivas", el amor y la filosofía, y dos "problemáticas", la política y la estética.

Cada sala cuenta con una chimenea gigante llena de distintos tipos de madera "lista para arder en el fuego y alimentar la llama eterna" de esas cuatro temáticas, según Hirschhorn (Berna, 1957).

Los cuatro espacios están separados por puertas rotas y en cada sala hay un ropero medio desarmado con fotocopias.

Los materiales son conocidos y usados por todo el mundo, como cinta adhesiva, plástico, cartón, linóleo, recortes de periódicos o fotocopias entre otros, explicó.

Los seleccionó "para no intimidar al espectador, para que no se cuestione qué es o cómo está hecho, está claro y es evidente para todo el mundo lo que es", dijo.

El artista cubrió las paredes con grafiti y elementos tecnológicos en desuso, como televisiones, teléfonos o teclados, además de situar en las esquinas de las salas unas pastillas gigantes de cartón con la palabra "you (tú)".

Para la exhibición también empleó sofás y sillones cubiertos con cinta adhesiva que colocó a distintas alturas en las habitaciones.

Asimismo, instaló una figura gigante de cartón que recuerda al tronco caído de un árbol en cada sala atravesándola, en cuya corteza se muestran recortes de fotografías sanguinarias de periódicos.

A través de todos estos elementos Hirschhorn pretende materializar las preguntas "¿Dónde estoy parado? ¿Qué es lo que quiero?" e invitar a reflexionar al espectador.

Los visitantes a la muestra contarán con un mapa que servirá de guía para comprender los cuestionamientos del autor.

Hirschhorn creó la obra hace diez meses para su galería en Berlín y nunca esperó que llegara "tan lejos tan pronto", algo que le da ánimos para seguir realizando su particular forma de hacer "arte universal", como define su obra.

"No pretendo hacer la diferencia, lo que yo quiero es crear una forma que corresponda con estas ideas de las formas y cómo trabajo yo con ellas", aseguró.

Según la comisaria de la exposición, Tatiana Cuevas, todos los materiales de la muestra, que permanecerá abierta desde mañana hasta el 18 de mayo, son "de desecho" y muchos llegaron a manos del artista por azar.

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Bienal Whitney toma la temperatura al arte contemporáneo de Estados Unidos

La Bienal del Museo Whitney, la cita más importante del arte contemporáneo en Estados Unidos, abre hoy con la novedad de que, por primera vez, amplía su espacio hasta el impresionante edificio del Armory para dar cabida a las obras de arte que requieren de más libertad.

El museo Whitney de arte contemporáneo estadounidense, fundado en 1930, y el Drill Hall del museo Armory, ambos en pleno centro de Manhattan, se convierten así hasta el 1 de junio y el 23 de marzo, respectivamente, en un espacio de encuentro para los trabajos de 81 artistas contemporáneos de lo más heterogéneo y de cualquiera de las disciplinas artísticas, como pintura, escultura, cine o fotografía, entre otros.

'La Bienal es muy importante para el museo porque es cuando le tomamos la temperatura al arte estadounidense y prestamos especial atención a los artistas contemporáneos', afirmó en conferencia de prensa el director de la institución, Adam Weinberg.

Consideró que la misión 'más profunda' de la exposición consiste en 'valorar las obras de los artistas del presente', al tiempo que recordó que la idea de la Bienal es en realidad anterior a la propia creación del museo, ya que nació en 1918, en el Whitney Studio Club.

Para Weinberg la exposición es 'para observar lentamente' y 'dedicarle tiempo'.

'Animo a que incluso se vea varias veces, para apreciar realmente todo el trabajo que hay detrás, y la conexión que existe entre las obras. La he visitado 8 veces y en cada una de ellas he apreciado cosas maravillosas de las que antes no me había percatado', agregó.

En esta ocasión, el programa incluye toda una serie de actividades complementarias a la contemplativa del arte, como seminarios con los artistas, participar con ellos en la elaboración de trabajos o incluso ir detrás del escenario para ver de cerca cómo se organiza un acontecimiento artístico como éste, entre otros.

Las comisarias de la exposición, por su parte, Henriette Huldisch, y Shamim Momin, explicaron que para ver la segunda parte de la Bienal hay que desplazarse a otro de los grandes museos de la ciudad, el Armory.

No obstante, recomendaron a los visitantes que no sigan un orden concreto para disfrutar de la exposición, sino que 'se pierdan' por ella, y que comiencen por cualquiera de las salas, porque todo el trabajo 'está unificado'.

En esta ocasión se exhiben los trabajos de 81 artistas, plásticos y multimedia, así como de otras disciplinas, entre los que únicamente hay tres latinoamericanos, la mexicana Natalia Almada, el peruano William Cordova y la argentina Mika Rottemberg, todos ellos viviendo a medias entre sus respectivos países y Estados Unidos.

De la cineasta Almada se puede contemplar el documental en vídeo digital 'Still from Al Otro Lado', en el que explica cómo un compositor de corridos mexicanos que vive en Sinaloa tiene que elegir entre traficar con drogas o cruza ilegalmente la frontera hacia Estados Unidos.

Rottemberg, por su parte, está presente en la Bienal neoyorquina con otro vídeo artístico, 'Cheese' (2000).

Además, los organizadores han lanzado otro espacio artístico, denominado 'Open Studio', que contiene una serie de programas que aúnan artistas y público tanto en las galerías de los museos como a través de la red virtual.

En ese espacio se ofrecen los trabajos de cincuenta artistas a través de 80 programas, que permiten el acceso directo a las ideas de los artistas contemporáneos más destacados, y permiten que las audiencias de los museos se amplíen sirviéndose de internet.

Además la organización sin ánimo de lucro Art Production Fund colabora con la muestra del Whitney presentando los proyectos más grandes, entre ellos la gigantesca 'Fuente Eléctrica', de los británicos Tim Noble y Sue Webster, que ya se ha instalado en el Centro Rockefeller.