La feria artística se desarrollará del miércoles 23 al domingo 27 de abril en el CCU Tlatelolco
Ricardo Cerón
El Universal
Domingo 20 de abril de 2008
ricardo.ceron@eluniversal.com.mx
Las sensaciones y experiencias en torno del Distrito Federal, a partir de la visión de 45 artistas tanto de México como del extranjero, son eje de Estacionarte 2008, feria de arte contemporáneo que se desarrollará del 23 al 27 de abril en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.
Luego de haber permanecido en sus dos ediciones pasadas en contenedores ubicados en estacionamientos, en esta ocasión, paradójicamente, Estacionarte ingresará al edificio que fuera sede de Relaciones Exteriores para mostrar la ciudad.
Los colores, los olores, el tránsito, los anuncios espectaculares, la gente, las señalizaciones, son parte de lo que el público verá en esta muestra, que surge como una propuesta alterna a Femaco, la feria más importante de venta de arte en nuestro país.
Jean Philippe Lemaire, artista plástico francés explica que su obra, denominada Urban Flash México, parte de la experiencia urbana que tuvo desde su llegada a esta ciudad, donde se encontró con un gran estrés, pero a la vez mucho colorido.
“Mi obra va para llamar la atención de los colores, de las señalizaciones, los flujos humanos, las velocidades, el tránsito. Eso es lo que me llama la atención de México”.
Las nuevas tecnologías serán parte esencial de las piezas que se exhibirán, donde incluso habrá propuestas de escultura con sonido.
Estacionarte tendrá performances, instalaciones arte objeto, videos del Antimatter Underground Film Festival de Canadá y documentales como Lección relámpago, de Alejandro Lubezky.
Las líneas temáticas serán la apropiación urbana, valores y bienes de consumo, ruina contemporánea, marginalidad, mitos urbanos-anécdotas de ciudad, estructuras y paisajes urbanos.
“Es una ciudad con gamas impresionante de miradas, es un México muy plural porque existe una gran cantidad de visiones desde las caóticas hasta las poéticas, pasando por el paisaje”, comentó Jayya Yedid Lepe, coordinadora general de Estacionarte. “Son artistas que se mueven en otros circuitos, a los que el público general no tenemos acceso, por eso es una oportunidad maravillosa, para enterarse qué se hace de arte contemporáneo.”
“La muestra busca que el visitante se cuestione sobre el hombre, la sociedad y el mundo que lo rodea a través del arte contemporáneo”, dice Sergio Nates Arroyo, director de Estacionarte y agrega que es evidente que los artistas tienen una preocupación de la ciudad, de cómo se vive y de cuál es la experiencia de la gente.
“Hay algunos que se preocupan por el espacio, otros por las vivencias de la gente de la ciudad, algunos más por la manera como la ciudad se transforma o desgasta.”
La experiencia de dos ediciones anteriores hace soñar a Nates con que esta feria itinere por el país. “Vamos a aprovechar algunos festivales, como el Cervantino, porque allí hay música, danza y teatro, pero no artes plásticas. La tirada es que Estacionarte se estacione fuera”.
Monday, April 21, 2008
Monday, April 14, 2008
Expondrá San Ildefonso trabajo de Vik Muniz
Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario estará abierta a partir del 15 de abril y en la muestra, se podrá apreciar el trabajo del artista brasileño que emplea materiales como la crema de cacahuate y el azúcar
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
La exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales(Foto: Tomada de vikmuniz.net)
15:48 Creadas a partir de materiales como jarabe de chocolate, crema de cacahuate, salsa de tomate, juguetes de plástico y alambre, hilo, tierra o azúcar, más de 170 obras fotográficas integran la exposición "Vik Muniz: Reflex. De lo ordinario a lo extraordinario" que se abrirá el 15 de abril próximo.
De visita por primera vez en este país, la obra del artista brasileño forma parte de las actividades que el Antiguo Colegio de San Ildefonso realizará en el marco del 24 Festival de México en el Centro Histórico, que se llevará acabo en esta ciudad del 10 al 27 de abril.
Durante un recorrido por la muestra, Ery Camara, curador del museo, señaló que la exposición está integrada por 173 fotografías divididas en cinco secciones y tres piezas individuales, creadas por Muniz desde su serie "Lo mejor de la Revista Life" de 1980, hasta su último trabajo "Montones" de 2005.
Curada Por Peter Boswell del Miami Arte Museum, la muestra ocupa nueve salas de exposición, que abarcan un total de mil 135 metros cuadrados en los que se da cuenta del trabajo fotográfico del artista brasileño, realizado a partir de una asombrosa gama de materiales.
La obra de Muniz, señaló Cámara, está enfocada para ser completada por el espectador, "a través de la mirada, cada quien completa la obra, en tanto, la obra puede cambiar de acuerdo a las circunstancias e interpretaciones".
De esta manera, en las distintas series que integran su trabajo, el creador toma como referencia obras, fotografías o imágenes famosas que después reinterpreta sobre diferentes superficies pero a través de materiales como polvo, salsa catsup o chocolate, que están destinadas a desaparecer pero que él inmortaliza con una cámara.
La muestra de San Ildefonso, incluye las secciones "Lo mejor de la Revista Life, integrada por fotografías realizadas a los dibujos que el artista pintó de memoria, después de su llegada a Estados Unidos en 1983, sobre famosas fotografías aparecidas en la revista estadounidense.
En esa sección aparecen los célebres retratos de John Lennon y famosas fotografías de guerra que Muniz reinterpretó en papel, sin la precisión de la imagen original pero captando su esencia y significado, el cual remite al espectador a las imágenes originales.
Por su parte, "Individuales", documenta la serie de esculturas realizadas por Muniz con materiales como plastilina blanca y algodón y donde el interés principal del artista es captar el efecto que había imaginado en su mente al iniciar la creación de su escultura, explicó Camara.
La muestra continúa con "Imágenes de alambre" donde aparecen escenas dibujadas con alambre e inspiradas en artistas como Jean Cocteau y Alexander Calder con la intención de ofrecer múltiples lecturas de una obra, tanto de la imagen como de sus diferentes componentes.
A estas secciones, se suman "Imágenes de chocolate", "Imágenes de tinta", "Imágenes de color", "Imágenes de diamante e "Imágenes de caviar", así como "A partir de Warhol" en las que Muniz reinterpreta diferentes imágenes con esos materiales, para después capturarlos con su cámara y darle una nueva resignificación.
También se incluyen en la muestra del artista, nacido en Sao Paulo en 1961, las áreas: "Equivalentes", "Carceri", "Monadas" y "Rebus", en las que muestra obras delineadas con pequeños juguetes reales que después son fotografiados.
De manera paralela a la exposición, que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre próximo, el propio Vik Muniz ofrecerá, de manera anticipada, el domingo 13 de abril, la conferencia "Entre la permanencia y lo efímero de la obra".
También se llevarán a acabo, durante los fines de semana que estará exhibida la muestra, los talleres "Nubes de dulce algodón" y la actividad lúdica "Tomate tu chocoazucararenarte", además de que en junio próximo se planea la presentación del libro "Reflex: A Vik Muniz Primer", de Editorial Turner.
Sunday, April 13, 2008
Wednesday, April 9, 2008
México arte contemporáneo, FEMACO
México arte contemporáneo, la feria de arte contemporáneo más importante en Latinoamérica, se llevará a cabo por cuarto año consecutivo en la ciudad de México del 23 al 27 de abril del 2008.
En esta ocasión, la feria planea reunir a más de 80 galerías nacionales e internacionales que mostrarán lo mejor del arte actual en el mundo, y estará dividida en dos secciones: galerías y nuevas propuestas; con el fin de incluir las propuestas de los artistas emergentes. A su vez, las galerías serán evaluadas y seleccionadas por un comité formado por galeristas de distintos países, con el objetivo de ofrecer y garantizar un proyecto de alta calidad.
Uno de los objetivos principales de México Arte Contemporáneo es propiciar en cada una de sus ediciones un foro abierto a nuevasideas y propuestas, donde se genere una convivencia entre los distintos conocedores de arte - críticos, curadores, artistas, coleccionistas, directores de fundaciones, galeristas y publico en general - , quienes perciben esta feria como una gran oportunidad para conocer las tendencias artísticas actuales y con ello, dar paso al surgimiento de nuevos coleccionistas.
Por sus características, este evento ha ido adquiriendo mayor validez, aceptación y confianza por parte del mundo artístico alrededor del mundo, lo cual lo convierte en una plataforma estable de intercambio y fometo cultural.
A partir del miércoles 25 y hasta el domingo 29 de abril, se llevará a cabo la cuarta edición consecutivo de la única feria de arte contemporáneo en nuestro país, méxico arte contemporáneo, en la ciudad de méxico.
Esperamos contar con la participación de más de 70 galerías provenientes de países como: Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, España, Puerto Rico, Francia, Costa Rica, México, entre otros.
méxico arte contemporáneo busca dar mayor difusión a la feria, para con ello incrementar el porcentaje de público participante, y reunir a un número importante de coleccionistas, especialistas, directores de museos, críticos, curadores y artistas.
El programa internacional de coleccionistas pretente convocar a un importante número de coleccionistas internacionales y nacionales, con el propósito de visitar la feria, acercarse a los galeristas e instituciones culturales y participar en una serie de eventos privados donde se busca establezcan relaciones con los artistas de nuestro país, logrando con ello la mejor forma de intercambio cultural.
México arte contemporáneo, la única feria de arte de nuestro pís confirma su presencia como una de las plataformas más importantes para la venta, y exposición de arte nacional e internacional, distinguiendo su labor de las salas de museos y galerías, al ofrecer una nueva forma de exhibir arte en nuestro país, al caminar por los pisos, interactuar con los artistas, y su obra, con los galeristas, originando una nueva práctica en nuestra costumbre local.
La notable participación de un mayor núemro de galerías y editoriales, garantiza el éxito y presencia de México arte contemporáneo tiene en Latinoamérica, y con ellos el incremento de público que vive una nueva experiencia de recreaión a través del arte y cultura de nuestra ciudad.
Secciones de México Arte Contemporáneo 2008:
La presentación dentro del recinto ferial de méxico arte contemporáneo se divide en las siguientes secciones:
Galerías:
Esta sección cuensta con galerías las cuales tienen como requisito tener más de cinco años de fundación, cumpliendo con el criterio de calidad determinado por el comité de selección.
Nuevas propuestas:
Sección conformada por galerías con menos de cinco años de apertura las cuales proponen obra de artistas emergentes de diferentes partes del mundo.
Instituciones:
Dentro de este rubro estarán las instituciones, museos, y/o colectivos que apoyan al arte contemporáneo tanto en México como en el extranjero.
Publicaciones:
Aquí se ubican las publicaciones vinculadas de forma directa al apoyo del arte contemporáneo.
Horarios de México Arte Contemporáneo.
Miercoles 23 de abril 2008 - 5:00 pm a 9:00 pm, Público en general
Jueves 24 de abril al Sábado 26 de abril 2008 - 1:00 pm a 9:pm
Domingo 27 de abril 2008 - 12:00 pm a 8:pm
Admisión general diaria:
Las entradas cuestan:
Público en general $100 pesos
Estudiantes, Maestros, Insen $50 pesos
Cuando:
Miércoles, Abril 23, 2008 - Domingo, Abril 27, 2008
Donde:
Centro Banamex - Av. Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Mexico DF, Tel 52682000
Link Expo:
FEMACO 2008 (ex MACO MEXICO) feria de arte contemporáneo de México
Link Predio:
Centro de Exposiciones Banamex
Organiza y/o mas informacion:
FEMACO
Luis G. Urbina 4 int 104, Polanco, C.P. 11560
Tel: 52 (55) 52806073
info@femaco.com
Pais
• Mexico
México, 8 Abr (Notimex).- Con la participación de 86 galerías provenientes de 16 países, además del anfitrión, la Feria México Arte Contemporáneo (Femaco) se llevará a cabo en esta ciudad, por quinto año consecutivo, del 23 al 27 de abril próximo.
Participarán galeristas de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
Ellos, a lo largo de más de nueve mil metros cuadrados, ofrecerán lo último de su propuesta artística.
En conferencia de prensa, Zelika García, directora del encuentro junto con Enrique Rubio, informó que la feria contará en este año con cuatro áreas y un amplio programa de actividades paralelas que se desarrollarán durante cinco días en el Centro Banamex, en el poniente de esta ciudad.
Refirió que el recinto cuenta con una sección principal destinada a las galerías establecidas, es decir, aquellas que llevan más tiempo de trabajo y que ocupan la mayor parte de la feria.
Más adelante, explicó, habrá una sección más pequeña en la cual se ubican las galerías con nuevas propuestas, osea, firmas emergentes con menos de cinco años de existencia y que no podrán participar más de dos años consecutivos en esta sección.
Asimismo, agregó, existirá otro apartado destinado a las publicaciones y medios de comunicación; mientras que en la entrada estarán ubicados los múltiples patrocinadores de la Femaco.
Como cada año, agregó García, las galerías han sido invitadas por un comité de selección que se integra por las galerías Blow de La Barra (Pablo León de la Barra), Travesía 4 (Inés López-Quesada y Silvia Ortiz), Krinzinger Projekte (Thomas Krinzinger), Omr (Patricio Ortiz Monasterio y Jaime Riestra), y Nara Roesler (Daniel Roesler).
La selección de este año, enfatizó la directora, quedó conformada por 86 galerías participantes, de las cuales 17 corresponden a nuevas propuestas.
Entre estas últimas destacan la Galería Zenshi, de Japón; la Galería Moro, de Chile; la Ferenbalm-Gurbrü Station, de Alemania; y las mexicanas Gaga y Galería 13.
Sigue Ofrecerán galeristas. dos. 13. Además, dijo, México estará representado por 20 galerías; mientras que 66 provienen de otros países, mismas que buscarán acercar y dar a conocer las propuestas del arte contemporáneo internacional.
Enrique Rubio señaló, por su parte, que este año la reunión artística internacional pasó de llamarse solamente Maco a Femaco, debido a un proceso legal que actualmente mantienen con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.
"Hicimos este cambio- señaló-, debido a una contingencia legal que tenemos con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, lo último que cabe mencionar en este punto, es que seguimos en un litigio que está por resolverse en cualquier momento".
Añadió que "nosotros creemos en nuestro proyecto y podemos hacer las adaptaciones necesarias y no estamos aferrados a nada. En un principio, el punto de referencia Maco empezamos siendo nosotros, pues la institución como museo es muy reconocida en todos lados y por ello no tenemos ningún empacho en hacer los ajustes que sean necesarios".
Además, externó, este año la Femaco ofrecerá una serie de actividades paralelas que incluirá una sección infantil en la que se abordará el tema Calentamiento Global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Ellos, a través de la Fundación Gugenhaim, realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan la naturaleza.
La feria ofrecerá también el servicio de visitas guiadas a cargo de Ana Elena González, directora de Original Múltiple/ Gestión Cultural, a través de las cuales, los visitantes podrán abrir espacios de discusión y retroalimentación con los especialistas participantes.
Entre las propuestas de los patrocinadores destaca el concurso Arte Gráfico Perrier, donde artistas plásticos elaborarán una obra (fotografía, gráfica, dibujo y/o video con la imagen y la personalidad de la marca patrocinadora).
Por su parte, la Fundación Cultural Mont Blanc presentará su colección de arte "Cutting Edge" iniciada en 2002 y compuesta por más de 100 obras de artistas internacionales.
La Feria México Arte Contemporáneo (Femaco), que ofrece lo último en propuestas artísticas, reunirá a 86 galerías de diversos países entre el 23 y el 27 de abril próximo, informaron hoy organizadores.
En el evento participarán galerías provenientes de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
En conferencia de prensa, Zelika García y Enrique Rubio, directores del encuentro, comentaron que este año la feria contará con un amplio programa de actividades paralelas.
Resaltaron además que el encuentro contará con una sección principal destinada a las galerías ya establecidas y con una sección más pequeña en la cual se ubicarán 17 galerías con nuevas propuestas.
Para esta quinta versión de la Femaco, las galerías fueron invitadas, como cada año, por un distinguido comité de selección, entre ellas 20 galerías serán mexicanas y 66 de los otros países.
Dentro de las actividades paralelas, sobresale la sección infantil, en la que se abordará el tema del calentamiento global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Con el patrocinio de la Fundación Guggenheim, los pequeños participantes realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan a la naturaleza.
En esta ocasión, la feria planea reunir a más de 80 galerías nacionales e internacionales que mostrarán lo mejor del arte actual en el mundo, y estará dividida en dos secciones: galerías y nuevas propuestas; con el fin de incluir las propuestas de los artistas emergentes. A su vez, las galerías serán evaluadas y seleccionadas por un comité formado por galeristas de distintos países, con el objetivo de ofrecer y garantizar un proyecto de alta calidad.
Uno de los objetivos principales de México Arte Contemporáneo es propiciar en cada una de sus ediciones un foro abierto a nuevasideas y propuestas, donde se genere una convivencia entre los distintos conocedores de arte - críticos, curadores, artistas, coleccionistas, directores de fundaciones, galeristas y publico en general - , quienes perciben esta feria como una gran oportunidad para conocer las tendencias artísticas actuales y con ello, dar paso al surgimiento de nuevos coleccionistas.
Por sus características, este evento ha ido adquiriendo mayor validez, aceptación y confianza por parte del mundo artístico alrededor del mundo, lo cual lo convierte en una plataforma estable de intercambio y fometo cultural.
A partir del miércoles 25 y hasta el domingo 29 de abril, se llevará a cabo la cuarta edición consecutivo de la única feria de arte contemporáneo en nuestro país, méxico arte contemporáneo, en la ciudad de méxico.
Esperamos contar con la participación de más de 70 galerías provenientes de países como: Alemania, Austria, Brasil, Estados Unidos, España, Puerto Rico, Francia, Costa Rica, México, entre otros.
méxico arte contemporáneo busca dar mayor difusión a la feria, para con ello incrementar el porcentaje de público participante, y reunir a un número importante de coleccionistas, especialistas, directores de museos, críticos, curadores y artistas.
El programa internacional de coleccionistas pretente convocar a un importante número de coleccionistas internacionales y nacionales, con el propósito de visitar la feria, acercarse a los galeristas e instituciones culturales y participar en una serie de eventos privados donde se busca establezcan relaciones con los artistas de nuestro país, logrando con ello la mejor forma de intercambio cultural.
México arte contemporáneo, la única feria de arte de nuestro pís confirma su presencia como una de las plataformas más importantes para la venta, y exposición de arte nacional e internacional, distinguiendo su labor de las salas de museos y galerías, al ofrecer una nueva forma de exhibir arte en nuestro país, al caminar por los pisos, interactuar con los artistas, y su obra, con los galeristas, originando una nueva práctica en nuestra costumbre local.
La notable participación de un mayor núemro de galerías y editoriales, garantiza el éxito y presencia de México arte contemporáneo tiene en Latinoamérica, y con ellos el incremento de público que vive una nueva experiencia de recreaión a través del arte y cultura de nuestra ciudad.
Secciones de México Arte Contemporáneo 2008:
La presentación dentro del recinto ferial de méxico arte contemporáneo se divide en las siguientes secciones:
Galerías:
Esta sección cuensta con galerías las cuales tienen como requisito tener más de cinco años de fundación, cumpliendo con el criterio de calidad determinado por el comité de selección.
Nuevas propuestas:
Sección conformada por galerías con menos de cinco años de apertura las cuales proponen obra de artistas emergentes de diferentes partes del mundo.
Instituciones:
Dentro de este rubro estarán las instituciones, museos, y/o colectivos que apoyan al arte contemporáneo tanto en México como en el extranjero.
Publicaciones:
Aquí se ubican las publicaciones vinculadas de forma directa al apoyo del arte contemporáneo.
Horarios de México Arte Contemporáneo.
Miercoles 23 de abril 2008 - 5:00 pm a 9:00 pm, Público en general
Jueves 24 de abril al Sábado 26 de abril 2008 - 1:00 pm a 9:pm
Domingo 27 de abril 2008 - 12:00 pm a 8:pm
Admisión general diaria:
Las entradas cuestan:
Público en general $100 pesos
Estudiantes, Maestros, Insen $50 pesos
Cuando:
Miércoles, Abril 23, 2008 - Domingo, Abril 27, 2008
Donde:
Centro Banamex - Av. Conscripto 311, Lomas de Sotelo, Mexico DF, Tel 52682000
Link Expo:
FEMACO 2008 (ex MACO MEXICO) feria de arte contemporáneo de México
Link Predio:
Centro de Exposiciones Banamex
Organiza y/o mas informacion:
FEMACO
Luis G. Urbina 4 int 104, Polanco, C.P. 11560
Tel: 52 (55) 52806073
info@femaco.com
Pais
• Mexico
México, 8 Abr (Notimex).- Con la participación de 86 galerías provenientes de 16 países, además del anfitrión, la Feria México Arte Contemporáneo (Femaco) se llevará a cabo en esta ciudad, por quinto año consecutivo, del 23 al 27 de abril próximo.
Participarán galeristas de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
Ellos, a lo largo de más de nueve mil metros cuadrados, ofrecerán lo último de su propuesta artística.
En conferencia de prensa, Zelika García, directora del encuentro junto con Enrique Rubio, informó que la feria contará en este año con cuatro áreas y un amplio programa de actividades paralelas que se desarrollarán durante cinco días en el Centro Banamex, en el poniente de esta ciudad.
Refirió que el recinto cuenta con una sección principal destinada a las galerías establecidas, es decir, aquellas que llevan más tiempo de trabajo y que ocupan la mayor parte de la feria.
Más adelante, explicó, habrá una sección más pequeña en la cual se ubican las galerías con nuevas propuestas, osea, firmas emergentes con menos de cinco años de existencia y que no podrán participar más de dos años consecutivos en esta sección.
Asimismo, agregó, existirá otro apartado destinado a las publicaciones y medios de comunicación; mientras que en la entrada estarán ubicados los múltiples patrocinadores de la Femaco.
Como cada año, agregó García, las galerías han sido invitadas por un comité de selección que se integra por las galerías Blow de La Barra (Pablo León de la Barra), Travesía 4 (Inés López-Quesada y Silvia Ortiz), Krinzinger Projekte (Thomas Krinzinger), Omr (Patricio Ortiz Monasterio y Jaime Riestra), y Nara Roesler (Daniel Roesler).
La selección de este año, enfatizó la directora, quedó conformada por 86 galerías participantes, de las cuales 17 corresponden a nuevas propuestas.
Entre estas últimas destacan la Galería Zenshi, de Japón; la Galería Moro, de Chile; la Ferenbalm-Gurbrü Station, de Alemania; y las mexicanas Gaga y Galería 13.
Sigue Ofrecerán galeristas. dos. 13. Además, dijo, México estará representado por 20 galerías; mientras que 66 provienen de otros países, mismas que buscarán acercar y dar a conocer las propuestas del arte contemporáneo internacional.
Enrique Rubio señaló, por su parte, que este año la reunión artística internacional pasó de llamarse solamente Maco a Femaco, debido a un proceso legal que actualmente mantienen con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.
"Hicimos este cambio- señaló-, debido a una contingencia legal que tenemos con el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, lo último que cabe mencionar en este punto, es que seguimos en un litigio que está por resolverse en cualquier momento".
Añadió que "nosotros creemos en nuestro proyecto y podemos hacer las adaptaciones necesarias y no estamos aferrados a nada. En un principio, el punto de referencia Maco empezamos siendo nosotros, pues la institución como museo es muy reconocida en todos lados y por ello no tenemos ningún empacho en hacer los ajustes que sean necesarios".
Además, externó, este año la Femaco ofrecerá una serie de actividades paralelas que incluirá una sección infantil en la que se abordará el tema Calentamiento Global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Ellos, a través de la Fundación Gugenhaim, realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan la naturaleza.
La feria ofrecerá también el servicio de visitas guiadas a cargo de Ana Elena González, directora de Original Múltiple/ Gestión Cultural, a través de las cuales, los visitantes podrán abrir espacios de discusión y retroalimentación con los especialistas participantes.
Entre las propuestas de los patrocinadores destaca el concurso Arte Gráfico Perrier, donde artistas plásticos elaborarán una obra (fotografía, gráfica, dibujo y/o video con la imagen y la personalidad de la marca patrocinadora).
Por su parte, la Fundación Cultural Mont Blanc presentará su colección de arte "Cutting Edge" iniciada en 2002 y compuesta por más de 100 obras de artistas internacionales.
La Feria México Arte Contemporáneo (Femaco), que ofrece lo último en propuestas artísticas, reunirá a 86 galerías de diversos países entre el 23 y el 27 de abril próximo, informaron hoy organizadores.
En el evento participarán galerías provenientes de Alemania, Argentina, Austria, Brasil, Chile, Canadá, Costa Rica, Dinamarca, España y Estados Unidos, así como de Francia, Italia, Japón, Reino Unido, Suecia, Suiza y México.
En conferencia de prensa, Zelika García y Enrique Rubio, directores del encuentro, comentaron que este año la feria contará con un amplio programa de actividades paralelas.
Resaltaron además que el encuentro contará con una sección principal destinada a las galerías ya establecidas y con una sección más pequeña en la cual se ubicarán 17 galerías con nuevas propuestas.
Para esta quinta versión de la Femaco, las galerías fueron invitadas, como cada año, por un distinguido comité de selección, entre ellas 20 galerías serán mexicanas y 66 de los otros países.
Dentro de las actividades paralelas, sobresale la sección infantil, en la que se abordará el tema del calentamiento global y donde podrán participar niños mayores de cuatro años.
Con el patrocinio de la Fundación Guggenheim, los pequeños participantes realizarán y entenderán el proceso de creación de una obra de arte contemporáneo orgánica, realizada con materiales que no afectan a la naturaleza.
EL PROBLEMA DE LA BELLEZA
Es obvio que nada concerniente al arte continúa ya siendo obvio, ni su vida interior, ni su relación con el mundo, ni siquiera su derecho a existir
Teodoro Adorno Estética 1969
A lo largo de la historia, el concepto de arte, como tal, no impone restricciones internas en cuanto a qué cosa son las obras de arte o no. En los tiempos actuales, es muy difícil definir si algo es una obra de arte. Peor aun, una cosa puede ser obra de arte mientras otra cosa, absolutamente idéntica a ésta, no. La percepción visual ya no es suficiente para detallar el fenómeno del arte contemporáneo.
Los criterios tradicionales han dejado de tener validez.
El performance del colectivo Praxis que se exhibió en la bienal del Whitney de 2002 ofrecía al espectador un menú de servicios que incluía abrazos, baños de pies, billetes de dólar, así como la colocación de apósitos acompañada de un beso. Una de las obras más populares de la Bienal fue la pieza sonora de Steven Vitello, consistía en una grabación realizada en 1999 de los sonidos causados por el Huracán Floyd en el exterior del piso 91 de la Torre uno del World Trade Center.
Para los artistas hoy todo es posible, como consecuencia de esta apertura radical las obras son objetos que casi pueden pasar desapercibidos en lo cotidiano.
El intento de homicidio de Andy Warhol en manos de Valerie Solanas (escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria) casi se valoró como un performance si no hubiera sido porque había que enfrentar legalmente el caso.
El compositor Karlheinz Stockhausen declaró que el ataque terrorista de 11 de septiembre de 2001 había sido la mayor obra de arte de todos los tiempos, las críticas por la efusividad del comentario del músico hicieron que de inmediato se desacreditara, pero el hecho es que llegó a determinar el grado de apertura del territorio, por monstruoso que pudiera ser estrellar aviones de pasajeros en edificios abarrotados de gente para crear una obra de arte.
¿Qué es el arte? Cualquier cosa… de inmediato, esta puede ser una respuesta decepcionante.
Pero esto es porque desde hace mucho tiempo se da por sentado que las obras de arte constituyen un grupo de objetos limitados y, hasta cierto punto, elevados que cualquiera podría identificar por su estatus (bien, verdad y belleza).
En la nueva filosofía, los objetos que se consideran como arte siguen siendo limitados, lo que pasa es que ahora cuesta más trabajo reconocerlos. En nuestros días, algo puede parecer una obra de arte y no serlo.
Esto no lo podríamos imaginar antes de 1917 cuando Marcel Duchamp creó 14 ready mades, que parecían más un grupo de objetos salidos de un garage en venta, que obras expuestas en el Carré del Louvre. Pero si trasladamos a Duchamp a la actualidad, este artista hubiera resultado muy severo en la manera de organizar y delinear qué objetos y por qué serían colocados en un sitio especial. El fenómeno artístico, ahora, ha borrado casi por completo la línea entre arte y no arte. Duchamp nunca dijo por qué había elegido esos objetos y por qué lo separaba de los del garage. Nunca transmitió cual sería su reacción si se encontrara esos objetos intervenidos por otros artistas. La pregunta quedó en el aire pero abrió una puerta.
El Fin de Arte parece como frase, un grito desesperado. En realidad este fin, nos permite definir, en términos del objeto, que nos depara la historia del arte sin esperar a ver que más puede pasar.
Como cualquier cosa puede ser una obra de arte, inician las sorpresas, los enigmas…
La filosofía dedicada al arte que conocemos como estética, es la única que no estará dentro del terreno de la sorpresa, ya que cada experiencia, deberá sustentarse con el objeto mismo y crear a partir de ahí una propuesta particular. Cada objeto crea su propio lenguaje y ese lenguaje incluye y excluye a los demás, los considera pero no lo introduce como parte de su esencia.
Nada en el arte de hoy es absolutamente obvio…
Greenberg eligió un camino que marcaba a la modernidad en el arte a partir de Kant. Es un camino de autocrítica que consiste en depurar el medio de todo aquello que fuera extrínseco a él. Si a cada elemento se le confiere un valor intrínseco éste redime su condición y se vuelve esencia de lo sublime. Al alcanzar un estado “puro” cada obra “vería garantizados sus niveles de calidad así como su independencia” Se crea un respeto al medio.
En nuestros días todo es posible, del modo que sea. La modernidad, tal y como la presentó Greenberg, era un especie de limpieza conceptual. En nuestra etapa postmoderna, la pureza es una opción, bastante pasada de moda por cierto.
Para Greemberg el arte se tenía que definir desde dentro, y trató de probar sus ideas con absoluta entrega. Con sus ideas dio entrada a los llamados “minimalistas” como Carl André, Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra, Dan Flavin, Sol Le Witt. Lograron aquilatar una filosofía: “lo que ves es lo que ves” esto es una actitud que coincide y es congruente con la obra. ¿Qué quería el arte minimal? mostrar que era posible, con un mínimo de criterios, determinar que algo es arte.
La filosofía del Pop, era ironizar sobre la distinción entre el arte elevado y el arte vulgar –entre la pintura glorificada de la anterior generación de artistas, los expresionistas abstractos y el imaginario popular del “comic” y la publicidad. El concepto de High and Low se inauguró gracias a la exposición de 1992 con el mismo nombre.
El artista George Brecht miembro del movimiento Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas)
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte.
Una de las exposiciones de Fluxus creó un concepto de movimiento distinto prendiendo y apagando las luces con un interruptor. Fluxus era un movimiento de pensamiento que estaba formado por alumnos de John Cage y estaban influidos por el pensamiento Zen que es una tradición del budismo Mahāyāna.
El Zen, o sea la escuela japonesa, se centra en la en la sabiduría experimental. Es una de las escuelas del budismo más conocidas y apreciadas en Occidente, traducido normalmente como "meditación". Este pensamiento fue de gran influencia para Nueva York en esas épocas: el mundo cotidiano de la experiencia diaria se puede experimentar como una especie de transfiguración artística.
Para ellos, ningún aspecto externo distingue necesariamente una obra de arte del más común de los objetos o acontecimientos. Cualquier cosa puede ser música, incluso el silencio. La más vulgar de las cajas de madera, un rollo de cuerda para tender la ropa, una bobina de alambre de espinas, una hilera de ladrillos pueden ser una escultura. Un simple fondo blando puede ser una pintura.
Las instituciones de la alta cultura no estaban preparadas para este cambio. No concebible que se pagara un boleto para entrar a ver a una mujer inmóvil o para escuchar la propia respiración, mientras una persona sentada frente a un piano no tocaba sus teclas. ¿Qué cabía pensar? Que las instituciones estaban mal…
Pero, pensemos, por otro lado, un grupo de performance se sentaba a escuchar caer la nieve durante un tiempo pactado ¿No era mágico? O ver a Yoko Ono en su performance Smatch Piece en la que enciende un cerillo y lo contempla hasta que se apaga, la muerte de la luz ¿No es poético?
Desde el punto de vista histórico, es un problema determinar qué de todo esto sí queda dentro de una estética oficial
La caja de Brillo de Andy Warhol, mostraba de nuevo, que la apertura del arte no tenía límite: Una caja que en su creación había asimilado todas las teorías y que estaba hecha para quién conocía esas teorías… en cambio la caja de Brillo real, se había concebido por un diseñador freelance para ser distribuida en los supermercados. La de Warhol fue hecha para el mundo artístico en disposición de apreciarlo. Como diría George Dicky, influyente crítico de arte, es un objeto candidato a ser apreciado
En 1963 Richard Artschwager envió a varias instituciones culturales una cajas que pensó podría interesarles, En el Guggenheim lo rechazaron por considerarlo una artesanía. Leo Castelli, en cambio, lo vio como una posibilidad y lo aceptó de inmediato en su galería.
El manifiesto lanzado por el grupo Fluxus en 1966 dice:
No a la exclusividad, individualidad, ambición, trascendencia, rareza, inspiración, habilidad, complejidad, profundidad, grandeza, valor institucional y mercantil…
No al espectáculo, no al virtuosismo, no a las transformaciones y la magia y a la fantasía, no al glamour y a la trascendencia de la estrella del arte…
Con la llegada del arte conceptual a finales de la década, dejó de ser necesaria la existencia de un objeto material (un artefacto?) En caso de que hubiera un objeto no necesariamente tendría que ser creado por el artista. Se puede hacer arte sin ser artista o ser artista y no hacer el arte por el que uno aspira a ser reconocido.
Douglas Huebner en una entrevista en 1969 dijo:
Ya no fabrico objetos, no trato de traer objetos al mundo, no quiero decirle nada al mundo, hago las cosas que hago para dejar el mundo más o menos como está…
Dejar el mundo tal y como lo encontramos…
Los artistas pueden o no tomar este camino. Y con esto la idea de qué es el arte tendría que cambiar radicalmente.
Lo que se puede ir deduciendo no es que el arte sea indefinible, si no que los registros con los que se codifica tienen que ser mucho más amplios. Deben poder comprehender todos los casos imaginables.
Una propuesta es:
X es una obra de arte si encarna un significado…
La belleza ha desaparecido no sólo del arte si no de la filosofía…
Cualquier cosa puede ser arte, sobre todo quitando la idea de belleza…
No debemos olvidar que los americanos llegaron a asociar cualquier expresión contemporánea con movimientos subversivos y con el comunismo. “El arte contemporáneo es comunista y es subversivo porque es feo y no glorifica nuestro país, con gente feliz y progreso material”
La belleza queda, desde este punto de vista como un arma política.
Cuando se le preguntó al crítico David Hickey cual sería el tema del arte en los 90, dijo la belleza. Parecía una ironía pero en verdad, este tema iba a ser sacado a relucir constantemente.
Si utilizamos la obra de Robert Mapplethorp que ya era famoso cuando se llevó a cabo su exposición The perfect Moment, sabremos que su exposición fue cancelada debido al miedo que se supiera, en las grandes instituciones promotoras del arte, lo que se estaba mostrando. El problema era el fuerte contenido sexual que mostraba. Sin embargo, al paso de los años, la crítica que casi alejó a Mapplethorp del mundo del arte serio, fue su exagerada vocación por la belleza.
Gerhard Richter comentó alguna vez, que la crítica que se le había hecho era no que pintara sexo y violencia si no que hiciera formas bellas.
A la belleza sólo le depara desdén; terminará irremediablemente marginada…
La belleza, a pesar de ser tema, ya no es el centro de la creación. A veces pareciera que su presencia ya no es relevante. Peligrosamente puede llegar a hacer que el objeto se trivialice al ser gobernado por ella.
Para Hume la belleza de las cosas sólo existe en el pensamiento. Sabores y colores no residen en los cuerpos si no en los sentidos…
Philipe Guston que era un pintor emblemático el mundo americano ideal, da un giro completo en su obra a partir de que se dan a conocer los horrores de Vietnam, por lógica dejó atrás el estigma de la belleza
Si no se hubieran dado tantas rupturas en el siglo XX los críticos seguirían mostrando que el vínculo entre belleza y arte era riguroso.
Durante muchos años, la belleza se conectó con la verdad, la bondad y la felicidad. En general, la belleza conecta con una fuerza inherente a la naturaleza humana. Por eso la realidad estética es muy importante y la privación de esta hace que los seres vivos nos sintamos desposeídos de algo. El arte era un consuelo para el horror del mundo, consuelo para aliviar la tristeza.
La belleza entonces tenía que ser evidente.
En la Inglaterra neoclásica, cuando se descubrieron los objetos africanos, se creyó que buscaban ser bellos pero que quien los había elaborado no había podido llegar al concepto de belleza por eso eran primitivos.
Los post impresionistas fueron considerados espantosos y que atentaban contra la belleza.
El cambio es que si realmente nos atrevemos a mirar de otra manera, tal vez en un cuadro evidentemente feo, encontremos un asomo de belleza. La historia de la modernidad, es la historia de la aceptación. Por primera vez fue necesario entender una obra para poder entrar en ella, la reflexión la coloca en la posibilidad de ser vista. La obra hoy requiere un espectador activo que la complete.
El Desnudo Azul de Matisse es un buen cuadro, un cuadro incluso, pero quien diga que s bello no sabe lo que dice. Para poder captarlo con todo su significado y permitir que signifique al mundo, tenemos que romper, categóricamente con lo que hasta ahora hemos creído que el arte es por necesidad, categóricamente bello.
Una de las victorias del siglo XX es habernos dado una idea mucho más compleja de la apreciación artística, que la que tuvieron a su disposición los primeros modernos…
Teodoro Adorno Estética 1969
A lo largo de la historia, el concepto de arte, como tal, no impone restricciones internas en cuanto a qué cosa son las obras de arte o no. En los tiempos actuales, es muy difícil definir si algo es una obra de arte. Peor aun, una cosa puede ser obra de arte mientras otra cosa, absolutamente idéntica a ésta, no. La percepción visual ya no es suficiente para detallar el fenómeno del arte contemporáneo.
Los criterios tradicionales han dejado de tener validez.
El performance del colectivo Praxis que se exhibió en la bienal del Whitney de 2002 ofrecía al espectador un menú de servicios que incluía abrazos, baños de pies, billetes de dólar, así como la colocación de apósitos acompañada de un beso. Una de las obras más populares de la Bienal fue la pieza sonora de Steven Vitello, consistía en una grabación realizada en 1999 de los sonidos causados por el Huracán Floyd en el exterior del piso 91 de la Torre uno del World Trade Center.
Para los artistas hoy todo es posible, como consecuencia de esta apertura radical las obras son objetos que casi pueden pasar desapercibidos en lo cotidiano.
El intento de homicidio de Andy Warhol en manos de Valerie Solanas (escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria) casi se valoró como un performance si no hubiera sido porque había que enfrentar legalmente el caso.
El compositor Karlheinz Stockhausen declaró que el ataque terrorista de 11 de septiembre de 2001 había sido la mayor obra de arte de todos los tiempos, las críticas por la efusividad del comentario del músico hicieron que de inmediato se desacreditara, pero el hecho es que llegó a determinar el grado de apertura del territorio, por monstruoso que pudiera ser estrellar aviones de pasajeros en edificios abarrotados de gente para crear una obra de arte.
¿Qué es el arte? Cualquier cosa… de inmediato, esta puede ser una respuesta decepcionante.
Pero esto es porque desde hace mucho tiempo se da por sentado que las obras de arte constituyen un grupo de objetos limitados y, hasta cierto punto, elevados que cualquiera podría identificar por su estatus (bien, verdad y belleza).
En la nueva filosofía, los objetos que se consideran como arte siguen siendo limitados, lo que pasa es que ahora cuesta más trabajo reconocerlos. En nuestros días, algo puede parecer una obra de arte y no serlo.
Esto no lo podríamos imaginar antes de 1917 cuando Marcel Duchamp creó 14 ready mades, que parecían más un grupo de objetos salidos de un garage en venta, que obras expuestas en el Carré del Louvre. Pero si trasladamos a Duchamp a la actualidad, este artista hubiera resultado muy severo en la manera de organizar y delinear qué objetos y por qué serían colocados en un sitio especial. El fenómeno artístico, ahora, ha borrado casi por completo la línea entre arte y no arte. Duchamp nunca dijo por qué había elegido esos objetos y por qué lo separaba de los del garage. Nunca transmitió cual sería su reacción si se encontrara esos objetos intervenidos por otros artistas. La pregunta quedó en el aire pero abrió una puerta.
El Fin de Arte parece como frase, un grito desesperado. En realidad este fin, nos permite definir, en términos del objeto, que nos depara la historia del arte sin esperar a ver que más puede pasar.
Como cualquier cosa puede ser una obra de arte, inician las sorpresas, los enigmas…
La filosofía dedicada al arte que conocemos como estética, es la única que no estará dentro del terreno de la sorpresa, ya que cada experiencia, deberá sustentarse con el objeto mismo y crear a partir de ahí una propuesta particular. Cada objeto crea su propio lenguaje y ese lenguaje incluye y excluye a los demás, los considera pero no lo introduce como parte de su esencia.
Nada en el arte de hoy es absolutamente obvio…
Greenberg eligió un camino que marcaba a la modernidad en el arte a partir de Kant. Es un camino de autocrítica que consiste en depurar el medio de todo aquello que fuera extrínseco a él. Si a cada elemento se le confiere un valor intrínseco éste redime su condición y se vuelve esencia de lo sublime. Al alcanzar un estado “puro” cada obra “vería garantizados sus niveles de calidad así como su independencia” Se crea un respeto al medio.
En nuestros días todo es posible, del modo que sea. La modernidad, tal y como la presentó Greenberg, era un especie de limpieza conceptual. En nuestra etapa postmoderna, la pureza es una opción, bastante pasada de moda por cierto.
Para Greemberg el arte se tenía que definir desde dentro, y trató de probar sus ideas con absoluta entrega. Con sus ideas dio entrada a los llamados “minimalistas” como Carl André, Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra, Dan Flavin, Sol Le Witt. Lograron aquilatar una filosofía: “lo que ves es lo que ves” esto es una actitud que coincide y es congruente con la obra. ¿Qué quería el arte minimal? mostrar que era posible, con un mínimo de criterios, determinar que algo es arte.
La filosofía del Pop, era ironizar sobre la distinción entre el arte elevado y el arte vulgar –entre la pintura glorificada de la anterior generación de artistas, los expresionistas abstractos y el imaginario popular del “comic” y la publicidad. El concepto de High and Low se inauguró gracias a la exposición de 1992 con el mismo nombre.
El artista George Brecht miembro del movimiento Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas)
Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte.
Una de las exposiciones de Fluxus creó un concepto de movimiento distinto prendiendo y apagando las luces con un interruptor. Fluxus era un movimiento de pensamiento que estaba formado por alumnos de John Cage y estaban influidos por el pensamiento Zen que es una tradición del budismo Mahāyāna.
El Zen, o sea la escuela japonesa, se centra en la en la sabiduría experimental. Es una de las escuelas del budismo más conocidas y apreciadas en Occidente, traducido normalmente como "meditación". Este pensamiento fue de gran influencia para Nueva York en esas épocas: el mundo cotidiano de la experiencia diaria se puede experimentar como una especie de transfiguración artística.
Para ellos, ningún aspecto externo distingue necesariamente una obra de arte del más común de los objetos o acontecimientos. Cualquier cosa puede ser música, incluso el silencio. La más vulgar de las cajas de madera, un rollo de cuerda para tender la ropa, una bobina de alambre de espinas, una hilera de ladrillos pueden ser una escultura. Un simple fondo blando puede ser una pintura.
Las instituciones de la alta cultura no estaban preparadas para este cambio. No concebible que se pagara un boleto para entrar a ver a una mujer inmóvil o para escuchar la propia respiración, mientras una persona sentada frente a un piano no tocaba sus teclas. ¿Qué cabía pensar? Que las instituciones estaban mal…
Pero, pensemos, por otro lado, un grupo de performance se sentaba a escuchar caer la nieve durante un tiempo pactado ¿No era mágico? O ver a Yoko Ono en su performance Smatch Piece en la que enciende un cerillo y lo contempla hasta que se apaga, la muerte de la luz ¿No es poético?
Desde el punto de vista histórico, es un problema determinar qué de todo esto sí queda dentro de una estética oficial
La caja de Brillo de Andy Warhol, mostraba de nuevo, que la apertura del arte no tenía límite: Una caja que en su creación había asimilado todas las teorías y que estaba hecha para quién conocía esas teorías… en cambio la caja de Brillo real, se había concebido por un diseñador freelance para ser distribuida en los supermercados. La de Warhol fue hecha para el mundo artístico en disposición de apreciarlo. Como diría George Dicky, influyente crítico de arte, es un objeto candidato a ser apreciado
En 1963 Richard Artschwager envió a varias instituciones culturales una cajas que pensó podría interesarles, En el Guggenheim lo rechazaron por considerarlo una artesanía. Leo Castelli, en cambio, lo vio como una posibilidad y lo aceptó de inmediato en su galería.
El manifiesto lanzado por el grupo Fluxus en 1966 dice:
No a la exclusividad, individualidad, ambición, trascendencia, rareza, inspiración, habilidad, complejidad, profundidad, grandeza, valor institucional y mercantil…
No al espectáculo, no al virtuosismo, no a las transformaciones y la magia y a la fantasía, no al glamour y a la trascendencia de la estrella del arte…
Con la llegada del arte conceptual a finales de la década, dejó de ser necesaria la existencia de un objeto material (un artefacto?) En caso de que hubiera un objeto no necesariamente tendría que ser creado por el artista. Se puede hacer arte sin ser artista o ser artista y no hacer el arte por el que uno aspira a ser reconocido.
Douglas Huebner en una entrevista en 1969 dijo:
Ya no fabrico objetos, no trato de traer objetos al mundo, no quiero decirle nada al mundo, hago las cosas que hago para dejar el mundo más o menos como está…
Dejar el mundo tal y como lo encontramos…
Los artistas pueden o no tomar este camino. Y con esto la idea de qué es el arte tendría que cambiar radicalmente.
Lo que se puede ir deduciendo no es que el arte sea indefinible, si no que los registros con los que se codifica tienen que ser mucho más amplios. Deben poder comprehender todos los casos imaginables.
Una propuesta es:
X es una obra de arte si encarna un significado…
La belleza ha desaparecido no sólo del arte si no de la filosofía…
Cualquier cosa puede ser arte, sobre todo quitando la idea de belleza…
No debemos olvidar que los americanos llegaron a asociar cualquier expresión contemporánea con movimientos subversivos y con el comunismo. “El arte contemporáneo es comunista y es subversivo porque es feo y no glorifica nuestro país, con gente feliz y progreso material”
La belleza queda, desde este punto de vista como un arma política.
Cuando se le preguntó al crítico David Hickey cual sería el tema del arte en los 90, dijo la belleza. Parecía una ironía pero en verdad, este tema iba a ser sacado a relucir constantemente.
Si utilizamos la obra de Robert Mapplethorp que ya era famoso cuando se llevó a cabo su exposición The perfect Moment, sabremos que su exposición fue cancelada debido al miedo que se supiera, en las grandes instituciones promotoras del arte, lo que se estaba mostrando. El problema era el fuerte contenido sexual que mostraba. Sin embargo, al paso de los años, la crítica que casi alejó a Mapplethorp del mundo del arte serio, fue su exagerada vocación por la belleza.
Gerhard Richter comentó alguna vez, que la crítica que se le había hecho era no que pintara sexo y violencia si no que hiciera formas bellas.
A la belleza sólo le depara desdén; terminará irremediablemente marginada…
La belleza, a pesar de ser tema, ya no es el centro de la creación. A veces pareciera que su presencia ya no es relevante. Peligrosamente puede llegar a hacer que el objeto se trivialice al ser gobernado por ella.
Para Hume la belleza de las cosas sólo existe en el pensamiento. Sabores y colores no residen en los cuerpos si no en los sentidos…
Philipe Guston que era un pintor emblemático el mundo americano ideal, da un giro completo en su obra a partir de que se dan a conocer los horrores de Vietnam, por lógica dejó atrás el estigma de la belleza
Si no se hubieran dado tantas rupturas en el siglo XX los críticos seguirían mostrando que el vínculo entre belleza y arte era riguroso.
Durante muchos años, la belleza se conectó con la verdad, la bondad y la felicidad. En general, la belleza conecta con una fuerza inherente a la naturaleza humana. Por eso la realidad estética es muy importante y la privación de esta hace que los seres vivos nos sintamos desposeídos de algo. El arte era un consuelo para el horror del mundo, consuelo para aliviar la tristeza.
La belleza entonces tenía que ser evidente.
En la Inglaterra neoclásica, cuando se descubrieron los objetos africanos, se creyó que buscaban ser bellos pero que quien los había elaborado no había podido llegar al concepto de belleza por eso eran primitivos.
Los post impresionistas fueron considerados espantosos y que atentaban contra la belleza.
El cambio es que si realmente nos atrevemos a mirar de otra manera, tal vez en un cuadro evidentemente feo, encontremos un asomo de belleza. La historia de la modernidad, es la historia de la aceptación. Por primera vez fue necesario entender una obra para poder entrar en ella, la reflexión la coloca en la posibilidad de ser vista. La obra hoy requiere un espectador activo que la complete.
El Desnudo Azul de Matisse es un buen cuadro, un cuadro incluso, pero quien diga que s bello no sabe lo que dice. Para poder captarlo con todo su significado y permitir que signifique al mundo, tenemos que romper, categóricamente con lo que hasta ahora hemos creído que el arte es por necesidad, categóricamente bello.
Una de las victorias del siglo XX es habernos dado una idea mucho más compleja de la apreciación artística, que la que tuvieron a su disposición los primeros modernos…
Monday, March 10, 2008
Arte contemporáneo de Dinamarca
La muestra se titula Arte contemporáneo de Dinamarca, que se exhibirá del día 20 de febrero hasta el 26 de marzo y en ella se muestran obras de jóvenes nacidos en los años 1970 como Jesper Just, Eske Kath, Helle Mardhal, HuskMitNavn, Kasper Sonne, Christina Malbeck y FOS.
El día de la inauguración, la artista Christina Malbek realizará una instalación en el patio central del Museo de San Carlos con la participación de alumnos de arte y moda de la escuela la Esmeralda.
Cada uno de estos artistas tienen técnicas propias que van desde tomar temas de la vida cotidiana de Dinamarca, crear obras interactivas, el crear nuevos lenguajes o incorporar a artistas callejeros y la inusual apreciación estética de los desastres naturales como lo hace Eske KATH, quien visito México días antes para vivir la experiencia de un Día de Muertos y tratar de comprender lo que la relación de los mexicanos con la muerte.
La curaduría de la exposición Arte Contemporáneo de Dinamarca fue realizada por: Michael Bank Christoffersen, quien al comentar sobre este grupo de jóvenes escandinavos, que por primera vez muestran su obras en México, dijo, “los paisajes reflexivos de Malbek, pintados a partir de historias recolectadas y reapropiadas se combinan eficazmente con las composiciones modulares y los conceptos esenciales examinados dentro de las vitrinas de FOS”.
“Las representaciones llamativas de catástrofes y el final de los mundos de Kaths, no solamente son contrastadas sino, complementados por la infinidad de posibilidades y posiciones que aparecen en las instalaciones táctiles de Mardahl”.
“La relación contemporánea y reflexiva de la obra de HuskMitNavin en nuestros espacios cotidianos se realza todavía más por la fluidez con la que Just acompasa el comentario sobre la manera en que nos percibimos a nosotros mismos, mientras que el trabajo de Sonne nos hace cuestionar la esencia del arte, la propiedad y las palabras.”
Sinceramente creo que se podrían abrir una serie infinita de caminos entre los trabajos individuales y los artistas de esta exhibición. Sin embargo, la mayoría de esas conexiones deberán ser exploradas por cada uno de los visitantes dentro del marco inspirador de San Carlos.
La gente se ha reunido aquí por siglos, no solamente para educarse dentro de las artes sino, también para enfocarse en las jornadas que ellos mismos han trazado; muchas de las cuales están en evidencia en el museo. No debemos de olvidarnos que cada tiempo es único, que cada tiempo llama a sus propios cartógrafos y cada historia a sus propios artistas.”
También colaboraron en la curaduría Gabriel Mestre y Jorge Reynoso Pohlenz, quien redactó la presentación del catálogo de la muestra, donde explica al público mexicano las características de este trabajo artístico: “Siendo una característica general de los creadores contemporáneos la reflexión crítica de sus tradiciones culturales de origen en el contexto de escenarios que estimulan lecturas y valores cosmopolitas, en las obras presentadas en esta exposición podrán encontrarse tanto gestos reactivos a lo que las convenciones pudieran imaginar es el “arte danés”, así como una clara adopción de las formas en las que se procesa y presenta el arte contemporáneo “internacional”.
Pero la reacción es también una forma de reconocimiento: la atención que han merecido estos artistas daneses deriva en parte de la apertura de afluentes que está experimentando la corriente dominante del arte internacional, lo cual también es producto de décadas de políticas públicas nacionales que han estimulado en Dinamarca la formación, creación, asociación y divulgación de las artes; operando un doble ejercicio de equilibrio entre tradición y actualización, La Real Academia Danesa de Arte es un espejo de estas políticas, siendo importante mencionar que la mayoría de los artistas representados en la exposición son egresados de ella.”
****
Una de las salas del Museo Tamayo Arte Contemporáneo fue convertida en basurero filosófico, estético, político y del amor. Se trata de los cuatro ejes de trabajo del creador suizo Thomas Hirschhorn, quien realizó una instalación con materiales de desecho en la que al mismo tiempo que se pregunta ¿dónde estoy parado? y ¿qué es lo que quiero?, obliga al visitante a reflexionar sobre la realidad que lo rodea.
La pieza de Hirschhorn (Berna, 1957), titulada Stand-alone (independiente), es un gran collage extendido a lo largo de la sala dividida en cuatro partes. En cada cuarto existe una chimenea que de manera simbólica mantiene viva la llama de los cuatro ejes de trabajo del artista.
Para esta instalación Hirschhorn empleó muebles y objetos cubiertos con materiales de uso cotidiano como el cartón, el aluminio, el papel y la cinta canela. También echa mano de recortes de periódicos, revistas, libros cautelosamente seleccionados y referencias a notas, textos o imágenes fotocopiadas, tomadas de internet o grafiti sobre los muros.
El visitante podrá transitar Stand-alone acompañado de un mapa realizado por el artista que le servirá como referencia para guiarse en medio de accidentes y nexos inesperados entre las ideas que conforman el collage. “Cada quien deberá obtener sus propias reflexiones en medio de este caos”, señaló Hirschhorn.
En cada uno de los espacios hay una especie de enorme tronco de árbol hecho de cartón, el cual tiene pegadas fotografías de gente destrozada y herida. La idea es romper la proporción cotidiana y ofrecer una perspectiva diferente de esas imágenes.
Los cuartos están divididos por puertas rotas, hay varios roperos y libreros desarmados que contienen leña o información a medias, integrada por artículos periodísticos editados y fotocopiados, adheridos a cajas o pedazos de cartón.
Además de los abundantes grafitis, sobre los muros están fijados con cinta adhesiva aparatos electrónicos como televisiones, teléfonos y computadoras. Esto, dice Thomas Hirschhorn, tiene el propósito de representar formas de resistencia. “Pretendo hacer una pieza que cree las condiciones para un diálogo o confrontación directa. Mi obra no es para intimidar a nadie. Intento crear una obra densa con gran sentido de urgencia; para mí el arte es una herramienta que me permite abordar la era en que vivo, conocer el mundo, confrontar la realidad”.
***
El artista suizo Thomas Hirschhorn expone en México su particular filosofía de vida en una exposición elaborada con desechos y elementos de la vida cotidiana, donde reflexiona sobre el amor, la filosofía, la política y la estética, dijo el autor.
La exposición, llamada "Stand-Alone (independiente)", abarca unos 150 metros cuadrados del Museo Tamayo Arte Contemporáneo divididos en cuatro salas dedicadas a dos fuerzas "positivas", el amor y la filosofía, y dos "problemáticas", la política y la estética.
Cada sala cuenta con una chimenea gigante llena de distintos tipos de madera "lista para arder en el fuego y alimentar la llama eterna" de esas cuatro temáticas, según Hirschhorn (Berna, 1957).
Los cuatro espacios están separados por puertas rotas y en cada sala hay un ropero medio desarmado con fotocopias.
Los materiales son conocidos y usados por todo el mundo, como cinta adhesiva, plástico, cartón, linóleo, recortes de periódicos o fotocopias entre otros, explicó.
Los seleccionó "para no intimidar al espectador, para que no se cuestione qué es o cómo está hecho, está claro y es evidente para todo el mundo lo que es", dijo.
El artista cubrió las paredes con grafiti y elementos tecnológicos en desuso, como televisiones, teléfonos o teclados, además de situar en las esquinas de las salas unas pastillas gigantes de cartón con la palabra "you (tú)".
Para la exhibición también empleó sofás y sillones cubiertos con cinta adhesiva que colocó a distintas alturas en las habitaciones.
Asimismo, instaló una figura gigante de cartón que recuerda al tronco caído de un árbol en cada sala atravesándola, en cuya corteza se muestran recortes de fotografías sanguinarias de periódicos.
A través de todos estos elementos Hirschhorn pretende materializar las preguntas "¿Dónde estoy parado? ¿Qué es lo que quiero?" e invitar a reflexionar al espectador.
Los visitantes a la muestra contarán con un mapa que servirá de guía para comprender los cuestionamientos del autor.
Hirschhorn creó la obra hace diez meses para su galería en Berlín y nunca esperó que llegara "tan lejos tan pronto", algo que le da ánimos para seguir realizando su particular forma de hacer "arte universal", como define su obra.
"No pretendo hacer la diferencia, lo que yo quiero es crear una forma que corresponda con estas ideas de las formas y cómo trabajo yo con ellas", aseguró.
Según la comisaria de la exposición, Tatiana Cuevas, todos los materiales de la muestra, que permanecerá abierta desde mañana hasta el 18 de mayo, son "de desecho" y muchos llegaron a manos del artista por azar.
***
Bienal Whitney toma la temperatura al arte contemporáneo de Estados Unidos
La Bienal del Museo Whitney, la cita más importante del arte contemporáneo en Estados Unidos, abre hoy con la novedad de que, por primera vez, amplía su espacio hasta el impresionante edificio del Armory para dar cabida a las obras de arte que requieren de más libertad.
El museo Whitney de arte contemporáneo estadounidense, fundado en 1930, y el Drill Hall del museo Armory, ambos en pleno centro de Manhattan, se convierten así hasta el 1 de junio y el 23 de marzo, respectivamente, en un espacio de encuentro para los trabajos de 81 artistas contemporáneos de lo más heterogéneo y de cualquiera de las disciplinas artísticas, como pintura, escultura, cine o fotografía, entre otros.
'La Bienal es muy importante para el museo porque es cuando le tomamos la temperatura al arte estadounidense y prestamos especial atención a los artistas contemporáneos', afirmó en conferencia de prensa el director de la institución, Adam Weinberg.
Consideró que la misión 'más profunda' de la exposición consiste en 'valorar las obras de los artistas del presente', al tiempo que recordó que la idea de la Bienal es en realidad anterior a la propia creación del museo, ya que nació en 1918, en el Whitney Studio Club.
Para Weinberg la exposición es 'para observar lentamente' y 'dedicarle tiempo'.
'Animo a que incluso se vea varias veces, para apreciar realmente todo el trabajo que hay detrás, y la conexión que existe entre las obras. La he visitado 8 veces y en cada una de ellas he apreciado cosas maravillosas de las que antes no me había percatado', agregó.
En esta ocasión, el programa incluye toda una serie de actividades complementarias a la contemplativa del arte, como seminarios con los artistas, participar con ellos en la elaboración de trabajos o incluso ir detrás del escenario para ver de cerca cómo se organiza un acontecimiento artístico como éste, entre otros.
Las comisarias de la exposición, por su parte, Henriette Huldisch, y Shamim Momin, explicaron que para ver la segunda parte de la Bienal hay que desplazarse a otro de los grandes museos de la ciudad, el Armory.
No obstante, recomendaron a los visitantes que no sigan un orden concreto para disfrutar de la exposición, sino que 'se pierdan' por ella, y que comiencen por cualquiera de las salas, porque todo el trabajo 'está unificado'.
En esta ocasión se exhiben los trabajos de 81 artistas, plásticos y multimedia, así como de otras disciplinas, entre los que únicamente hay tres latinoamericanos, la mexicana Natalia Almada, el peruano William Cordova y la argentina Mika Rottemberg, todos ellos viviendo a medias entre sus respectivos países y Estados Unidos.
De la cineasta Almada se puede contemplar el documental en vídeo digital 'Still from Al Otro Lado', en el que explica cómo un compositor de corridos mexicanos que vive en Sinaloa tiene que elegir entre traficar con drogas o cruza ilegalmente la frontera hacia Estados Unidos.
Rottemberg, por su parte, está presente en la Bienal neoyorquina con otro vídeo artístico, 'Cheese' (2000).
Además, los organizadores han lanzado otro espacio artístico, denominado 'Open Studio', que contiene una serie de programas que aúnan artistas y público tanto en las galerías de los museos como a través de la red virtual.
En ese espacio se ofrecen los trabajos de cincuenta artistas a través de 80 programas, que permiten el acceso directo a las ideas de los artistas contemporáneos más destacados, y permiten que las audiencias de los museos se amplíen sirviéndose de internet.
Además la organización sin ánimo de lucro Art Production Fund colabora con la muestra del Whitney presentando los proyectos más grandes, entre ellos la gigantesca 'Fuente Eléctrica', de los británicos Tim Noble y Sue Webster, que ya se ha instalado en el Centro Rockefeller.
El día de la inauguración, la artista Christina Malbek realizará una instalación en el patio central del Museo de San Carlos con la participación de alumnos de arte y moda de la escuela la Esmeralda.
Cada uno de estos artistas tienen técnicas propias que van desde tomar temas de la vida cotidiana de Dinamarca, crear obras interactivas, el crear nuevos lenguajes o incorporar a artistas callejeros y la inusual apreciación estética de los desastres naturales como lo hace Eske KATH, quien visito México días antes para vivir la experiencia de un Día de Muertos y tratar de comprender lo que la relación de los mexicanos con la muerte.
La curaduría de la exposición Arte Contemporáneo de Dinamarca fue realizada por: Michael Bank Christoffersen, quien al comentar sobre este grupo de jóvenes escandinavos, que por primera vez muestran su obras en México, dijo, “los paisajes reflexivos de Malbek, pintados a partir de historias recolectadas y reapropiadas se combinan eficazmente con las composiciones modulares y los conceptos esenciales examinados dentro de las vitrinas de FOS”.
“Las representaciones llamativas de catástrofes y el final de los mundos de Kaths, no solamente son contrastadas sino, complementados por la infinidad de posibilidades y posiciones que aparecen en las instalaciones táctiles de Mardahl”.
“La relación contemporánea y reflexiva de la obra de HuskMitNavin en nuestros espacios cotidianos se realza todavía más por la fluidez con la que Just acompasa el comentario sobre la manera en que nos percibimos a nosotros mismos, mientras que el trabajo de Sonne nos hace cuestionar la esencia del arte, la propiedad y las palabras.”
Sinceramente creo que se podrían abrir una serie infinita de caminos entre los trabajos individuales y los artistas de esta exhibición. Sin embargo, la mayoría de esas conexiones deberán ser exploradas por cada uno de los visitantes dentro del marco inspirador de San Carlos.
La gente se ha reunido aquí por siglos, no solamente para educarse dentro de las artes sino, también para enfocarse en las jornadas que ellos mismos han trazado; muchas de las cuales están en evidencia en el museo. No debemos de olvidarnos que cada tiempo es único, que cada tiempo llama a sus propios cartógrafos y cada historia a sus propios artistas.”
También colaboraron en la curaduría Gabriel Mestre y Jorge Reynoso Pohlenz, quien redactó la presentación del catálogo de la muestra, donde explica al público mexicano las características de este trabajo artístico: “Siendo una característica general de los creadores contemporáneos la reflexión crítica de sus tradiciones culturales de origen en el contexto de escenarios que estimulan lecturas y valores cosmopolitas, en las obras presentadas en esta exposición podrán encontrarse tanto gestos reactivos a lo que las convenciones pudieran imaginar es el “arte danés”, así como una clara adopción de las formas en las que se procesa y presenta el arte contemporáneo “internacional”.
Pero la reacción es también una forma de reconocimiento: la atención que han merecido estos artistas daneses deriva en parte de la apertura de afluentes que está experimentando la corriente dominante del arte internacional, lo cual también es producto de décadas de políticas públicas nacionales que han estimulado en Dinamarca la formación, creación, asociación y divulgación de las artes; operando un doble ejercicio de equilibrio entre tradición y actualización, La Real Academia Danesa de Arte es un espejo de estas políticas, siendo importante mencionar que la mayoría de los artistas representados en la exposición son egresados de ella.”
****
Una de las salas del Museo Tamayo Arte Contemporáneo fue convertida en basurero filosófico, estético, político y del amor. Se trata de los cuatro ejes de trabajo del creador suizo Thomas Hirschhorn, quien realizó una instalación con materiales de desecho en la que al mismo tiempo que se pregunta ¿dónde estoy parado? y ¿qué es lo que quiero?, obliga al visitante a reflexionar sobre la realidad que lo rodea.
La pieza de Hirschhorn (Berna, 1957), titulada Stand-alone (independiente), es un gran collage extendido a lo largo de la sala dividida en cuatro partes. En cada cuarto existe una chimenea que de manera simbólica mantiene viva la llama de los cuatro ejes de trabajo del artista.
Para esta instalación Hirschhorn empleó muebles y objetos cubiertos con materiales de uso cotidiano como el cartón, el aluminio, el papel y la cinta canela. También echa mano de recortes de periódicos, revistas, libros cautelosamente seleccionados y referencias a notas, textos o imágenes fotocopiadas, tomadas de internet o grafiti sobre los muros.
El visitante podrá transitar Stand-alone acompañado de un mapa realizado por el artista que le servirá como referencia para guiarse en medio de accidentes y nexos inesperados entre las ideas que conforman el collage. “Cada quien deberá obtener sus propias reflexiones en medio de este caos”, señaló Hirschhorn.
En cada uno de los espacios hay una especie de enorme tronco de árbol hecho de cartón, el cual tiene pegadas fotografías de gente destrozada y herida. La idea es romper la proporción cotidiana y ofrecer una perspectiva diferente de esas imágenes.
Los cuartos están divididos por puertas rotas, hay varios roperos y libreros desarmados que contienen leña o información a medias, integrada por artículos periodísticos editados y fotocopiados, adheridos a cajas o pedazos de cartón.
Además de los abundantes grafitis, sobre los muros están fijados con cinta adhesiva aparatos electrónicos como televisiones, teléfonos y computadoras. Esto, dice Thomas Hirschhorn, tiene el propósito de representar formas de resistencia. “Pretendo hacer una pieza que cree las condiciones para un diálogo o confrontación directa. Mi obra no es para intimidar a nadie. Intento crear una obra densa con gran sentido de urgencia; para mí el arte es una herramienta que me permite abordar la era en que vivo, conocer el mundo, confrontar la realidad”.
***
El artista suizo Thomas Hirschhorn expone en México su particular filosofía de vida en una exposición elaborada con desechos y elementos de la vida cotidiana, donde reflexiona sobre el amor, la filosofía, la política y la estética, dijo el autor.
La exposición, llamada "Stand-Alone (independiente)", abarca unos 150 metros cuadrados del Museo Tamayo Arte Contemporáneo divididos en cuatro salas dedicadas a dos fuerzas "positivas", el amor y la filosofía, y dos "problemáticas", la política y la estética.
Cada sala cuenta con una chimenea gigante llena de distintos tipos de madera "lista para arder en el fuego y alimentar la llama eterna" de esas cuatro temáticas, según Hirschhorn (Berna, 1957).
Los cuatro espacios están separados por puertas rotas y en cada sala hay un ropero medio desarmado con fotocopias.
Los materiales son conocidos y usados por todo el mundo, como cinta adhesiva, plástico, cartón, linóleo, recortes de periódicos o fotocopias entre otros, explicó.
Los seleccionó "para no intimidar al espectador, para que no se cuestione qué es o cómo está hecho, está claro y es evidente para todo el mundo lo que es", dijo.
El artista cubrió las paredes con grafiti y elementos tecnológicos en desuso, como televisiones, teléfonos o teclados, además de situar en las esquinas de las salas unas pastillas gigantes de cartón con la palabra "you (tú)".
Para la exhibición también empleó sofás y sillones cubiertos con cinta adhesiva que colocó a distintas alturas en las habitaciones.
Asimismo, instaló una figura gigante de cartón que recuerda al tronco caído de un árbol en cada sala atravesándola, en cuya corteza se muestran recortes de fotografías sanguinarias de periódicos.
A través de todos estos elementos Hirschhorn pretende materializar las preguntas "¿Dónde estoy parado? ¿Qué es lo que quiero?" e invitar a reflexionar al espectador.
Los visitantes a la muestra contarán con un mapa que servirá de guía para comprender los cuestionamientos del autor.
Hirschhorn creó la obra hace diez meses para su galería en Berlín y nunca esperó que llegara "tan lejos tan pronto", algo que le da ánimos para seguir realizando su particular forma de hacer "arte universal", como define su obra.
"No pretendo hacer la diferencia, lo que yo quiero es crear una forma que corresponda con estas ideas de las formas y cómo trabajo yo con ellas", aseguró.
Según la comisaria de la exposición, Tatiana Cuevas, todos los materiales de la muestra, que permanecerá abierta desde mañana hasta el 18 de mayo, son "de desecho" y muchos llegaron a manos del artista por azar.
***
Bienal Whitney toma la temperatura al arte contemporáneo de Estados Unidos
La Bienal del Museo Whitney, la cita más importante del arte contemporáneo en Estados Unidos, abre hoy con la novedad de que, por primera vez, amplía su espacio hasta el impresionante edificio del Armory para dar cabida a las obras de arte que requieren de más libertad.
El museo Whitney de arte contemporáneo estadounidense, fundado en 1930, y el Drill Hall del museo Armory, ambos en pleno centro de Manhattan, se convierten así hasta el 1 de junio y el 23 de marzo, respectivamente, en un espacio de encuentro para los trabajos de 81 artistas contemporáneos de lo más heterogéneo y de cualquiera de las disciplinas artísticas, como pintura, escultura, cine o fotografía, entre otros.
'La Bienal es muy importante para el museo porque es cuando le tomamos la temperatura al arte estadounidense y prestamos especial atención a los artistas contemporáneos', afirmó en conferencia de prensa el director de la institución, Adam Weinberg.
Consideró que la misión 'más profunda' de la exposición consiste en 'valorar las obras de los artistas del presente', al tiempo que recordó que la idea de la Bienal es en realidad anterior a la propia creación del museo, ya que nació en 1918, en el Whitney Studio Club.
Para Weinberg la exposición es 'para observar lentamente' y 'dedicarle tiempo'.
'Animo a que incluso se vea varias veces, para apreciar realmente todo el trabajo que hay detrás, y la conexión que existe entre las obras. La he visitado 8 veces y en cada una de ellas he apreciado cosas maravillosas de las que antes no me había percatado', agregó.
En esta ocasión, el programa incluye toda una serie de actividades complementarias a la contemplativa del arte, como seminarios con los artistas, participar con ellos en la elaboración de trabajos o incluso ir detrás del escenario para ver de cerca cómo se organiza un acontecimiento artístico como éste, entre otros.
Las comisarias de la exposición, por su parte, Henriette Huldisch, y Shamim Momin, explicaron que para ver la segunda parte de la Bienal hay que desplazarse a otro de los grandes museos de la ciudad, el Armory.
No obstante, recomendaron a los visitantes que no sigan un orden concreto para disfrutar de la exposición, sino que 'se pierdan' por ella, y que comiencen por cualquiera de las salas, porque todo el trabajo 'está unificado'.
En esta ocasión se exhiben los trabajos de 81 artistas, plásticos y multimedia, así como de otras disciplinas, entre los que únicamente hay tres latinoamericanos, la mexicana Natalia Almada, el peruano William Cordova y la argentina Mika Rottemberg, todos ellos viviendo a medias entre sus respectivos países y Estados Unidos.
De la cineasta Almada se puede contemplar el documental en vídeo digital 'Still from Al Otro Lado', en el que explica cómo un compositor de corridos mexicanos que vive en Sinaloa tiene que elegir entre traficar con drogas o cruza ilegalmente la frontera hacia Estados Unidos.
Rottemberg, por su parte, está presente en la Bienal neoyorquina con otro vídeo artístico, 'Cheese' (2000).
Además, los organizadores han lanzado otro espacio artístico, denominado 'Open Studio', que contiene una serie de programas que aúnan artistas y público tanto en las galerías de los museos como a través de la red virtual.
En ese espacio se ofrecen los trabajos de cincuenta artistas a través de 80 programas, que permiten el acceso directo a las ideas de los artistas contemporáneos más destacados, y permiten que las audiencias de los museos se amplíen sirviéndose de internet.
Además la organización sin ánimo de lucro Art Production Fund colabora con la muestra del Whitney presentando los proyectos más grandes, entre ellos la gigantesca 'Fuente Eléctrica', de los británicos Tim Noble y Sue Webster, que ya se ha instalado en el Centro Rockefeller.
Tuesday, March 4, 2008
APUNTES SOBRE ARCO Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO:
AHORA, justamente ahora, los informativos rellenan su tiempo hablando de «la gran cita del arte contemporáneo» y muestran escenas de la inminente feria Arco incidiendo en lo que sea más llamativo y más extraño. Más chocante. Es algo que por una parte intenta remarcar la importancia del evento, que se ve respaldada por la gran afluencia de público, pero que a la vez quiere señalar la singularidad de la feria como acontecimiento en el que se le puede tomar el pulso al arte actual para saber por dónde van los tiros (y los pinceles) y al mismo tiempo como oportunidad para asomarse a los territorios artísticos que están a punto de descubrirse. Lo malo de todo esto es que el espectador medio, el ciudadano medio, ve todo ese despliegue tan publicitado como algo ajeno y lejano. Y ese arte de ahora, más o menos fresco y más o menos nuevo, corre el riesgo de que no cumpla su función básica, que es la de la comunicación. Para que la obra de arte se justifique es necesario que llegue al receptor desde el emisor, que es el artista. Ahí radica justamente la perplejidad que puede producir el arte reciente, en que no llegamos a apreciarlo. La misión del artista ha quedado cumplida: meter su mensaje en la botella (aunque a veces el papelito salvador esté en blanco). A nosotros nos toca recoger el mensaje.
En primer lugar, debemos recordar, para comprenderlo, cómo surgió el arte contemporáneo. Con una ruptura, producida en 1907 de la mano de Picasso, que supuso que el arte dejaría de ir avanzando paso tras paso como había ido sucediendo a través de los siglos. Olvidemos, por tanto, aplicar las fórmulas de la evolución paulatina para situarnos en el ámbito de la revolución. Las normas, los principios, de la obra bien hecha, de la pincelada exacta en el lugar exacto, todo al servicio de un tema que nos conmueva, nos emocione o nos conmocione, ya no sirven. Frente a la belleza meditada, llega el turno de la intuición, del arrebato creador fuera de meditaciones previas o posteriores. Es un mundo de crear parecido al de los primeros pintores, cuando expuestos a la violencia de una vida sin seguridades, pintaban en las paredes de las cavernas como quien entona una torpe y apresurada plegaria. Si vemos a estos artistas pioneros, allá por los inicios del siglo XX, como los padres de los jóvenes artistas de ahora, estaremos más cerca de que se nos abra la puerta de la creación artística actual.
Cambios físicos
Pero, al igual que ya no existía ese modo de observar y de re-crear que se daba en la tradición anterior, también los componentes físicos han cambiado. Las tradicionales técnicas, del óleo, de la tinta, del lápiz, de los metales, han cedido su espacio a menudo a la mezcla de las técnicas, algo de lo que también Picasso fue pionero, al incluir papeles pegados en sus pinturas y dibujos y, más adelante, trozos de tela, arena, pedazos de madera, y, ya en la escultura, incluso partes de viejos trastos reutilizados para componer figuras. La técnica mixta es, pues, la técnica de hoy, cuando son más numerosos los artistas que mezclan los múltiples ingredientes, en consonancia con la multiplicidad y superposición de estímulos que rodean al hombre contemporáneo. Y esta adopción de técnicas nuevas, cambiantes al gusto de cada autor, no han hecho sino multiplicarse a medida que la tecnología se ha ido desarrollando. Surgen así las instalaciones, piezas de arte que no buscan la belleza sino la producción de estímulos que cada espectador deberá interpretar como pueda. Con ellas, muchas veces, el observador no podrá simplemente mirar, sino que deberá introducirse en un espacio para simplemente sentir. Sirva como ejemplo una instalación de Joseph Beuys en el Centro Georges Pompidou de París: se trata de una habitación amplia forrada de arpillera en suelo, techo y paredes; al fondo, un piano silencioso cubierto por ese mismo material, cálido y polvoriento. El visitante se adentra en ese espacio de calor agobiante, de silencio casi sagrado, rodea el piano sin saber qué siente, qué significa lo que Beuys nos ofrece y propone. Al salir, la sensación es la de haber vivido durante unos instantes en un lugar único, desasosegante, tan incómodo como grato. El significado de la vivencia lo ignoramos. Pero su recuerdo se mantendrá durante años.
Sin traducción
Porque, además, ya no se trata de ofrecernos un mensaje traducible en palabras, como puede suceder al disfrutar con una obra de Goya o de Velázquez. Muchas veces el artista lo que busca es la ambigüedad que proporciona y propicia la libertad. No es un predicador, un filósofo o un poeta el artista nuevo. Es más bien un compositor, alguien que usa los medios a su alcance para, paradójicamente, a través de las formas ofrecernos un misterio intangible que nos pueda seducir o, ay, dejarnos en la indiferencia. Y aunque se dé ese caso de que no nos convenza lo que se nos ofrece, tampoco ése puede ser un motivo para despreciar la obra. Tal vez suceda, como nos pasa cuando leemos, que no dominemos el lenguaje con el que el artista nos habla. Especialmente sucede esto con el arte conceptual, o con el cargado de componentes políticos que aluden a doctrinas e ideas que puede suceder que ignoremos o nos sean ajenas.
Tal vez la leyenda popular del artista, la imagen que hemos heredada del mismo, cargada de extravagancias al modo de Dalí, de informalidad campechana a la manera de Picasso, nos condicionen para que nos enfrentemos al arte actual con ilógicas pretensiones, con recelos y sospechas. Los artistas nos proponen sus mundos, nos invitan a habitarlos. No atrevernos a dar el paso que franquee ese umbral misterioso es un error que nos privará de sensaciones nuevas. Si Arco les cae lejos, visiten el polémico pero siempre atrayente CAC. La experiencia puede ser inolvidable como una habitación de arpillera con un impotente piano al fondo.
Coleccionismo joven irrumpe con fuerza en el mercado del arte contemporáneo
Invierten los ahorros de una nómina casi siempre generosa en comprar arte contemporáneo -más por pasión que por inversión-, sabiendo lo que compran y aprovechando ese gran escaparate que es ARCO, la feria que un año más mostrará la próxima semana en Madrid, durante seis días, lo último en creación artística.
Son jóvenes, profesionales, con unos ingresos mensuales en torno a los seis mil euros, viajados y leídos, y con una curiosidad grande por cuanto se cuece en los fogones artísticos de dentro y fuera de nuestras fronteras. Constituyen ese coleccionismo emergente que ha revitalizado un mercado copado todavía por grandes fortunas, instituciones y empresas.
'Hacen del coleccionismo una necesidad, una forma, un estilo de vida, una extensión de sus sentidos', dijo a EFE Pablo del Val, cuyo trabajo consiste precisamente en asesorar a personas o entidades que han decidido adentrarse en un mundo, el del arte contemporáneo, que se renueva a un ritmo endiablado y que 'acaba enganchando'.
A ese coleccionismo joven Pablo del Val añade otro más maduro, de personas en torno a los 60 años, 'arriesgadas y con solvencia económica', que deciden 'dar un nuevo sentido a su vida' rodeándose del arte más actual. 'En medio, entre unos y otros, hay una especie de desierto', aclara este consultor artístico.
CONSOLIDAR EL MERCADO
Para Lourdes Fernández, directora de ARCO desde el año pasado, es precisamente ese nuevo coleccionista el que ha contribuido a consolidar el mercado. 'Era incipiente hasta hace poco, pero en estos momentos es un comprador fundamental para la feria. El arte contemporáneo ha dejado de ser una pasión minoritaria gracias a ARCO', asegura.
'Hay que tratarlo -dice Fernández- con mimo. Cuidarlo, porque ha apoyado la feria desde sus comienzos. Tenemos que premiar la constancia del coleccionismo español, porque siempre ha estado ahí, comprometido con ARCO'.
Se trata -y en ello coinciden todos los consultados por EFE- de un coleccionista que compra por pasión, 'informado, que sabe lo que está adquiriendo', apunta la directora de ARCO, que busca la opinión de galeristas o expertos, que visita galerías cuando viaja al extranjero, que lee publicaciones especializadas, que sabe de cotizaciones. 'Está al día', afirma Pablo del Val.
'Comprar como inversión es siempre una equivocación. Hacerlo por pasión es, a la larga, más rentable. Conozco a gente que ha comprado con un criterio exclusivo de rentabilidad y al final se han estrellado', comenta el citado asesor artístico.
José Martínez Calvo, de la galería madrileña 'Espacio Mínimo', lo tiene claro. 'Definitiva y rotundamente sí, hay un coleccionismo emergente sólido y potente. Joven y educado en el arte, arriesgado, que no hace sus compras en una sola galería, que se interesa no sólo por el arte español, y que compra de todo: pintura, fotografía, vídeos... No está limitado en ningún sentido. Es cada vez más abierto'.
Su galería vive precisamente de ese nuevo coleccionismo, 'es nuestro principal cliente', un cliente, añade, 'que cuando no conoce algo se deja asesorar, pero manteniendo su criterio, muy forjado. No se dejan meter cualquier cosa con calzador, pero están muy abiertos a nuevos horizontes'.
'Sólo conozco -continúa- a personas que compran arte contemporáneo por placer, sabiendo que cuesta dinero. Su objetivo no es nunca la inversión. No sé de nadie que se desprenda de una pieza al poco tiempo de adquirirla. Son los que sustentan una feria como ARCO'.
ESCEPTICISMO VETERANO
Más escéptica se muestra una veterana galerista, Juana de Aizpuru, primera directora de ARCO, para quien precisamente por ser emergente 'se trata -dijo a EFE- de un coleccionismo que ni es sólido ni importante. Se está haciendo', recalca.
Con el tiempo, llegará a consolidarse, 'saldrán de entre todos ellos, estoy convencida, grandes colecciones, pero todavía hay que esperar un poco. No nos engañemos -advierte- las grandes piezas las compran los museos, que cada vez hay más en España, las instituciones y empresas o personas de altísimo poder adquisitivo'.
El nuevo coleccionista adquiere piezas de precio medio, en función casi siempre del espacio que tiene en su casa para exhibirlas y almacenarlas, destaca Pablo del Val. Pero 'gracias a esas compras -reconoce Aizpuru- podemos trabajar las galerías'.
'Tenemos que seguir trabajando para fomentarlo, arriesgando con programas innovadores, con propuestas atractivas y congruentes, haciendo apuestas interesantes', dice Aizpuru desde su dilatada experiencia como galerista.
A diferencia del coleccionista de los años 80, basado en la bonanza económica y más especulativo, el de hoy 'es más abierto, viaja y visita otras ferias, sabe lo que ocurre aquí y fuera, en el mundo entero. Tiene auténtico interés y pasión. Y esto es muy esperanzador. Se puede esperar mucho de él. Pero hay que esperar', advierte Juana de Aizpuru.
En el lado de los que no son tan optimistas está otro veterano galerista, Pepe Cobo, que distingue entre coleccionista y comprador.
'Una cosa -dice- no implica la otra. Hay más gente que compra, sí, pero no más colecciones'.
'Un coleccionista es -continúa este galerista con 25 años de trayectoria profesional- alguien que tiene una idea clara de lo que compra y porqué lo compra, que tiene una línea, un discurso definido en su colección. Que compra durante todo el año, no sólo en las ferias, que visita galerías, que está presente todo el año...'.
'¿Que a los galeristas nos viene bien el incremento en el número de compradores? Qué duda cabe, pero el coleccionismo hoy por hoy no es numeroso. Coleccionar es cuestión de tiempo y dinero. En España no hay ni cien auténticos coleccionistas. No quiero parecer ni malo ni arrogante, pero es así', explica Pepe Cobo.
En el incremento de las ventas no oculta que existe 'un poco de moda. ¿Quién de joven -se pregunta- no ha comprado algo simplemente porque está de moda?. No hay, a diferencia de otros países, como Estados Unidos, ni mucha gente con poder adquisitivo alto ni arriesgada. Somos bastante conservadores. A pesar de todo, soy optimista'. Variedad. Eclecticismo es la palabra que resume lo que se ve: múltiples técnicas; nuevas percepciones del espacio; temas intimistas, sociales, metafísicos; estilos que van desde lo más tradicional de las vanguardias del siglo XX hasta lo más “rupturista”.
La representación de los cinco continentes en la Feria, con Brasil como país invitado de honor, muestra un arte en permanente mestizaje. El gran formato y la abundancia de color son algunas de las características dominantes.
Hay coleccionistas que buscan su próxima pieza, profesionales que apuntan las nuevas tendencias y curiosos que miran aquello que se produce en las más importantes galerías del mundo.
Además, este año la Feria tiene novedades, como los espacios dedicados a la performance –Performing ARCO– y la sección Expanded Box, con propuestas que usan las nuevas tecnologías en el arte.
Presencia tica. A pesar de que en esta 27ª edición de la Feria no participa ninguna galería nacional, el arte costarricense se ha hecho su huequito. El pintor Federico Herrero, “una de las más importantes promesas de Latinoamérica”, según su representante londinense, expone grandes lienzos en los puestos de dos galerías europeas: la española Juana Auzpuru y la londinense Blow de La Barra.
Ambas reconocen la calidad del trabajo de este joven pintor y no titubean al valorar sus cuadros en alrededor de los 30.000 euros. “Nosotros lo conocimos en la Bienal de Venecia del 2001, cuando apenas tenía 21 años. Nos impresionó su control sobre el cromatismo y la gran capacidad de producción que tenía siendo tan joven”, dijo la vocera de la galería española.
Costa Rica también ha tenido representación en el foro de expertos organizado por la Feria.
El director del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), Ernesto Calvo, compartió allí las experiencias del Art Media (arte y tecnología) en Centroamérica, “tratando de hacer más visible el arte de esta región que a veces queda marginado en el panorama internacional”, según dijo.
Hizo especial hincapié en las propuestas vinculadas con la videocreación y el arte digital, tomando como base la Bienal Iberoamericana Inquieta Imagen V y el evento internacional Espacios a la Experimentación V que se celebran en el MADC entre diciembre del 2007 y marzo del 2008
MADRID. Tangencialmente. Así creía Lourdes Fernández, directora de ARCO, antes de que abriera sus puertas, que afectaría a la feria la crisis económica internacional. Las caídas en picado de las Bolsas semanas antes, el «crack» de la burbuja inmobiliaria y la crisis hipotecaria en EE.UU. hacían temer lo peor. Pero, ¿cómo afecta, en realidad, todo esto al mercado del arte? ¿Se resiente a corto plazo? ¿Es un valor seguro para los inversores?
Antes de conocer la opinión de los expertos, unos datos a tener en cuenta: según Artprice (empresa on-line líder de información sobre el mercado del arte), «los artistas contemporáneos están disfrutando de una gran popularidad y un crecimiento excepcional». Entre septiembre de 2001 y julio de 2007, el sector del arte contemporáneo experimentó un alza progresiva de las cotizaciones de un 233 por ciento. Las subastas de noviembre de Sotheby´s y Christie´s en Nueva York superaron los 1.000 millones de dólares. Se habla ya de la «burbuja Warhol»: la cotización de este artista se ha multiplicado por cuatro desde 1997. Otros como Hirst, Koons o Gursky siguen intratables.
Picasso, el más rentable
España se ha colocado ya entre las diez primeras plazas de subastas de arte contemporáneo. Eso sí, muy lejos aún de las tres primeras: Estados Unidos, Reino Unido y China. A pesar de que, según Artprice, en la lista de los 100 artistas más cotizados y rentables del mundo Picasso sigue siendo el número uno, y otros artistas patrios están bien situados (Miró en el número 12, Gris en el 59 y Dalí en el 70), nuestro país se sitúa aún muy lejos de otros en cuanto a mercado del arte: contribuye con sólo el 0,6% de cuota a las transacciones globales relacionadas con el arte. Según un informe de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña, la creación plástica en España genera una actividad económica de 1.468 millones de euros anuales y representa un Valor Añadido Bruto (VAB) sobre la economía española de 824 millones anuales. Supone un 0,18% del sector servicios y un 0,12% del VAB total de la economía española.
La opinión generalizada de los expertos es que el arte es un valor refugio del mercado y que, de alcanzarle la crisis económica, no será de pleno ni a corto plazo. Miguel Soler-Roig, presidente de Ars Fundum, cree que «si en los próximos meses se recupera la economía, el arte no se verá afectado». Él sitúa en un plazo de 12 a 18 meses la horquilla de tiempo para que una crisis económica alcance al mercado del arte: «Es una buena alternativa diversificar tu cartera de inversión y el arte es un valor refugio».
No lo tiene tan claro Silvia González Huggler, directora asociada de UBS Art Banking. «Uno de los principales termómetros del mercado artístico son las subastas de arte contemporáneo en otoño en Nueva York. Los resultados nos dicen que el arte contemporáneo sigue al alza de momento. Pero en general el mercado del arte reacciona siempre con algo de retraso a la caída de las Bolsas a nivel mundial. Por esa razón es algo delicado decir que el arte contemporáneo continúa mostrándose como un valor refugio frente a otro tipo de inversiones que pueden generar de momento menor confianza». Advierte que uno de los problemas del mercado del arte es «su falta de transparencia: hay poca información oficial sobre las transacciones. Además, la liquidez en el mercado del arte no es tan rápida como ocurre con las acciones en Bolsa».
Soler-Roig disiente: «Siempre hay un buen momento en arte para vender; hay muchas vías para obtener liquidez: vía instituciones, museos, colecciones privadas, subastas...». En estos momentos, su consejo es dedicar entre un 10 y un 15 por ciento de una cartera de inversión en arte, «porque es un momento de incertidumbre. Si se especula con arte hay un riesgo, pero a largo plazo nunca te equivocas invirtiendo en arte». Alain Bouvrot, vicedirector de UBS Art Banking, afirma que «el arte nunca puede servir como inversión: tiene costes muy altos de comisiones, seguros, transportes... te supone viajar a ferias, hoteles... Eso no ocurre en la Bolsa. La experiencia nos dice que las crisis económicas no tienen una relación clara con el mercado del arte».
Si las subastas son un buen termómetro, los resultados demuestran que goza de una salud excelente. Sotheby´s cerró 2007 con unas ventas de 62.000 millones de dólares (se incrementaron en un 51% respecto a 2006) y Christie´s, 63.000 millones (un aumento del 36%). Y un dato muy significativo: las ventas de arte contemporáneo aumentaron en Christie´s un 75%. Este mismo mes vendió esta firma en su sede londinense un «Tríptico» de Francis Bacon por 35,2 millones de euros, la obra contemporánea más cara vendida en Europa. Precisamente, otra pieza de Bacon, «Man at Washbasin», es la más cara que se ofrece este año en ARCO. Está en el «stand» de la galería Marlborough. Su precio, 23,2 millones de euros. Entre las obras más cotizadas de la feria también está un óleo sobre lija de Miró de 1935, que estuvo en depósito en el MoMA durante 22 años, y que la galería Manuel Barbié ofrece por 750.000 euros. Hay obras de Botero por 960.000 euros, de Baselitz por 440.000, de Gilbert & George por 300.000...
Pablo Melendo, nuevo consejero delegado de Sotheby´s en España, tras permanecer doce años en Christie´s, también subraya que «el arte es un valor refugio. Puede resentirse 2 ó 3 años después de una crisis, pero el arte es un valor sólido y seguro. Para lo muy bueno en arte siempre hay mucho dinero». ¿Cómo ve la pugna que mantuvieron hace un año grandes magnates con obras de Picasso, Pollock y De Kooning por ver quién compraba la obra más cara? «Hoy más personas muy, muy ricas que hace años. Todos quieren dejar su impronta en el mundo del arte y pugnan por ver quién tiene el warhol más grande y más caro. Como ya quedan pocas joyas de arte antiguo y moderno en el mercado , ahora los precios más elevados se dan en arte contemporáneo, donde sí es posible encontrar aún grandes piezas y margen para que se revaloricen las obras».
Hoy el dinero se centra en Nueva York, Londres, Hong Kong y Arabia Saudí. Pero hay mercados de arte emergentes como China, Rusia, India y Dubai, muy potentes: están pagando fortunas y rompiendo récords. Respecto al español, lo ve muy sólido y le gustaría que regresaran las subastas de Sotheby´s a nuestro país. De momento ve viable que las subastas de arte español del XIX en Londres se extiendan al arte moderno y contemporáneo. Asiduo de ARCO, cree que Picasso sigue siendo un valor seguro absoluto, aunque hay otros nombres, dice, que están pegando fuerte como Richter, Fontana y, entre los españoles, Juan Muñoz, Barceló o Palazuelo. «Moriría por un dibujo de Matisse», confiesa. ¿Y quién no?
ARCO'08 abre una nueva sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances). PERFORMING ARCO se dirige a todas aquellas galerías interesadas en explorar las posibilidades de la performance como práctica de las artes visuales y les brinda la oportunidad de presentar, en el contexto de una feria de arte contemporáneo, aquellas obras de sus artistas cuya expresión última sea la representación en vivo.
Hoy 14 de febrero a las 12.30hs la galería Fernando Pradilla ubicada en el Pabellón 14 presentó a la artista brasileña Beth Moysés con su performance Lecho Rojo cuyo tema gira, como es habitual en su obra, en torno al problema de la violencia de género.
El suelo cubierto de sábanas blancas, diez mujeres con margaritas en el pelo, de torso desnudas y cubiertas de cintura para abajo por una sábana también blanca, sentadas en torno a una buena porción de carmín rojo, fueron las protagonistas del ritual. En la actuación destacó la interpretación de la actriz cubana Orisel Gaspar, protagonista de la Primera Trilogía de Cine Independiente Cubano y consagrada artista de las tablas, quien con una fuerza expresiva capaz de trasmitir las más disímiles sensaciones arrastró al espectador a involucrarse racional e irracionalmente en su espontáneo discurso de acciones, reflexivo, emotivo y catártico que corroboró con claridad y contundencia los objetivos de la artista brasileña.
Moysés aseveró que "este trabajo es sobre la autoestima", pues "la persona que tiene autoestima no permite la violencia"; señaló que su uso de la "performance" es una "forma más indirecta de estar hablando de la violencia". La artista (Sao Paulo, 1960), que usa conceptualmente la "performance", el vídeo y la fotografía como soporte testimonial, insistió en la tesis de la "transformación de uno mismo" en la sociedad patriarcal.
La feria manifiesta en esta nueva edición uno de los objetivos clave de su proyección: una destacada presencia latinoamericana. A través de los artistas y galerías seleccionadas, la feria mostrará un arte en permanente rearticulación y mestizaje, con un carácter híbrido mucho más amplio de la visión del arte brasileño que normalmente puede tener el público internacional. Entre los artistas de mayor renombre cuyas obras podrán verse en estos días están el cotizado fotógrafo Vik Muniz; el artista electrónico Eduardo Kac, y las creadoras Rosângela Rennó y Leonora de Barros, una de las primeras videoartistas del país. Las jóvenes promesas que estarán presentes en la feria mostrarán también interesantísimos trabajos. Es el caso del fotógrafo Cao Guimarães, la videoartista Mariana Manhães, el dibujante Fabiano Gonper o el pintor Rodrigo Andrade, entre otros muchos interesantes creadores.
Un total de 32 galerías mostrarán esta semana en Madrid lo mejor del arte brasileño, que ha logrado en los últimos años una enorme proyección en los mercados internacionales. Brasil en ARCO’08 constituirá una destacada plataforma para la divulgación de la producción brasileña contemporánea, gracias a la selección realizada por los comisarios Moacir dos Anjos y Paulo Sérgio Duarte, dos expertos que destacan por su labor activa y constante en la vida cultural brasileña.
En primer lugar, debemos recordar, para comprenderlo, cómo surgió el arte contemporáneo. Con una ruptura, producida en 1907 de la mano de Picasso, que supuso que el arte dejaría de ir avanzando paso tras paso como había ido sucediendo a través de los siglos. Olvidemos, por tanto, aplicar las fórmulas de la evolución paulatina para situarnos en el ámbito de la revolución. Las normas, los principios, de la obra bien hecha, de la pincelada exacta en el lugar exacto, todo al servicio de un tema que nos conmueva, nos emocione o nos conmocione, ya no sirven. Frente a la belleza meditada, llega el turno de la intuición, del arrebato creador fuera de meditaciones previas o posteriores. Es un mundo de crear parecido al de los primeros pintores, cuando expuestos a la violencia de una vida sin seguridades, pintaban en las paredes de las cavernas como quien entona una torpe y apresurada plegaria. Si vemos a estos artistas pioneros, allá por los inicios del siglo XX, como los padres de los jóvenes artistas de ahora, estaremos más cerca de que se nos abra la puerta de la creación artística actual.
Cambios físicos
Pero, al igual que ya no existía ese modo de observar y de re-crear que se daba en la tradición anterior, también los componentes físicos han cambiado. Las tradicionales técnicas, del óleo, de la tinta, del lápiz, de los metales, han cedido su espacio a menudo a la mezcla de las técnicas, algo de lo que también Picasso fue pionero, al incluir papeles pegados en sus pinturas y dibujos y, más adelante, trozos de tela, arena, pedazos de madera, y, ya en la escultura, incluso partes de viejos trastos reutilizados para componer figuras. La técnica mixta es, pues, la técnica de hoy, cuando son más numerosos los artistas que mezclan los múltiples ingredientes, en consonancia con la multiplicidad y superposición de estímulos que rodean al hombre contemporáneo. Y esta adopción de técnicas nuevas, cambiantes al gusto de cada autor, no han hecho sino multiplicarse a medida que la tecnología se ha ido desarrollando. Surgen así las instalaciones, piezas de arte que no buscan la belleza sino la producción de estímulos que cada espectador deberá interpretar como pueda. Con ellas, muchas veces, el observador no podrá simplemente mirar, sino que deberá introducirse en un espacio para simplemente sentir. Sirva como ejemplo una instalación de Joseph Beuys en el Centro Georges Pompidou de París: se trata de una habitación amplia forrada de arpillera en suelo, techo y paredes; al fondo, un piano silencioso cubierto por ese mismo material, cálido y polvoriento. El visitante se adentra en ese espacio de calor agobiante, de silencio casi sagrado, rodea el piano sin saber qué siente, qué significa lo que Beuys nos ofrece y propone. Al salir, la sensación es la de haber vivido durante unos instantes en un lugar único, desasosegante, tan incómodo como grato. El significado de la vivencia lo ignoramos. Pero su recuerdo se mantendrá durante años.
Sin traducción
Porque, además, ya no se trata de ofrecernos un mensaje traducible en palabras, como puede suceder al disfrutar con una obra de Goya o de Velázquez. Muchas veces el artista lo que busca es la ambigüedad que proporciona y propicia la libertad. No es un predicador, un filósofo o un poeta el artista nuevo. Es más bien un compositor, alguien que usa los medios a su alcance para, paradójicamente, a través de las formas ofrecernos un misterio intangible que nos pueda seducir o, ay, dejarnos en la indiferencia. Y aunque se dé ese caso de que no nos convenza lo que se nos ofrece, tampoco ése puede ser un motivo para despreciar la obra. Tal vez suceda, como nos pasa cuando leemos, que no dominemos el lenguaje con el que el artista nos habla. Especialmente sucede esto con el arte conceptual, o con el cargado de componentes políticos que aluden a doctrinas e ideas que puede suceder que ignoremos o nos sean ajenas.
Tal vez la leyenda popular del artista, la imagen que hemos heredada del mismo, cargada de extravagancias al modo de Dalí, de informalidad campechana a la manera de Picasso, nos condicionen para que nos enfrentemos al arte actual con ilógicas pretensiones, con recelos y sospechas. Los artistas nos proponen sus mundos, nos invitan a habitarlos. No atrevernos a dar el paso que franquee ese umbral misterioso es un error que nos privará de sensaciones nuevas. Si Arco les cae lejos, visiten el polémico pero siempre atrayente CAC. La experiencia puede ser inolvidable como una habitación de arpillera con un impotente piano al fondo.
Coleccionismo joven irrumpe con fuerza en el mercado del arte contemporáneo
Invierten los ahorros de una nómina casi siempre generosa en comprar arte contemporáneo -más por pasión que por inversión-, sabiendo lo que compran y aprovechando ese gran escaparate que es ARCO, la feria que un año más mostrará la próxima semana en Madrid, durante seis días, lo último en creación artística.
Son jóvenes, profesionales, con unos ingresos mensuales en torno a los seis mil euros, viajados y leídos, y con una curiosidad grande por cuanto se cuece en los fogones artísticos de dentro y fuera de nuestras fronteras. Constituyen ese coleccionismo emergente que ha revitalizado un mercado copado todavía por grandes fortunas, instituciones y empresas.
'Hacen del coleccionismo una necesidad, una forma, un estilo de vida, una extensión de sus sentidos', dijo a EFE Pablo del Val, cuyo trabajo consiste precisamente en asesorar a personas o entidades que han decidido adentrarse en un mundo, el del arte contemporáneo, que se renueva a un ritmo endiablado y que 'acaba enganchando'.
A ese coleccionismo joven Pablo del Val añade otro más maduro, de personas en torno a los 60 años, 'arriesgadas y con solvencia económica', que deciden 'dar un nuevo sentido a su vida' rodeándose del arte más actual. 'En medio, entre unos y otros, hay una especie de desierto', aclara este consultor artístico.
CONSOLIDAR EL MERCADO
Para Lourdes Fernández, directora de ARCO desde el año pasado, es precisamente ese nuevo coleccionista el que ha contribuido a consolidar el mercado. 'Era incipiente hasta hace poco, pero en estos momentos es un comprador fundamental para la feria. El arte contemporáneo ha dejado de ser una pasión minoritaria gracias a ARCO', asegura.
'Hay que tratarlo -dice Fernández- con mimo. Cuidarlo, porque ha apoyado la feria desde sus comienzos. Tenemos que premiar la constancia del coleccionismo español, porque siempre ha estado ahí, comprometido con ARCO'.
Se trata -y en ello coinciden todos los consultados por EFE- de un coleccionista que compra por pasión, 'informado, que sabe lo que está adquiriendo', apunta la directora de ARCO, que busca la opinión de galeristas o expertos, que visita galerías cuando viaja al extranjero, que lee publicaciones especializadas, que sabe de cotizaciones. 'Está al día', afirma Pablo del Val.
'Comprar como inversión es siempre una equivocación. Hacerlo por pasión es, a la larga, más rentable. Conozco a gente que ha comprado con un criterio exclusivo de rentabilidad y al final se han estrellado', comenta el citado asesor artístico.
José Martínez Calvo, de la galería madrileña 'Espacio Mínimo', lo tiene claro. 'Definitiva y rotundamente sí, hay un coleccionismo emergente sólido y potente. Joven y educado en el arte, arriesgado, que no hace sus compras en una sola galería, que se interesa no sólo por el arte español, y que compra de todo: pintura, fotografía, vídeos... No está limitado en ningún sentido. Es cada vez más abierto'.
Su galería vive precisamente de ese nuevo coleccionismo, 'es nuestro principal cliente', un cliente, añade, 'que cuando no conoce algo se deja asesorar, pero manteniendo su criterio, muy forjado. No se dejan meter cualquier cosa con calzador, pero están muy abiertos a nuevos horizontes'.
'Sólo conozco -continúa- a personas que compran arte contemporáneo por placer, sabiendo que cuesta dinero. Su objetivo no es nunca la inversión. No sé de nadie que se desprenda de una pieza al poco tiempo de adquirirla. Son los que sustentan una feria como ARCO'.
ESCEPTICISMO VETERANO
Más escéptica se muestra una veterana galerista, Juana de Aizpuru, primera directora de ARCO, para quien precisamente por ser emergente 'se trata -dijo a EFE- de un coleccionismo que ni es sólido ni importante. Se está haciendo', recalca.
Con el tiempo, llegará a consolidarse, 'saldrán de entre todos ellos, estoy convencida, grandes colecciones, pero todavía hay que esperar un poco. No nos engañemos -advierte- las grandes piezas las compran los museos, que cada vez hay más en España, las instituciones y empresas o personas de altísimo poder adquisitivo'.
El nuevo coleccionista adquiere piezas de precio medio, en función casi siempre del espacio que tiene en su casa para exhibirlas y almacenarlas, destaca Pablo del Val. Pero 'gracias a esas compras -reconoce Aizpuru- podemos trabajar las galerías'.
'Tenemos que seguir trabajando para fomentarlo, arriesgando con programas innovadores, con propuestas atractivas y congruentes, haciendo apuestas interesantes', dice Aizpuru desde su dilatada experiencia como galerista.
A diferencia del coleccionista de los años 80, basado en la bonanza económica y más especulativo, el de hoy 'es más abierto, viaja y visita otras ferias, sabe lo que ocurre aquí y fuera, en el mundo entero. Tiene auténtico interés y pasión. Y esto es muy esperanzador. Se puede esperar mucho de él. Pero hay que esperar', advierte Juana de Aizpuru.
En el lado de los que no son tan optimistas está otro veterano galerista, Pepe Cobo, que distingue entre coleccionista y comprador.
'Una cosa -dice- no implica la otra. Hay más gente que compra, sí, pero no más colecciones'.
'Un coleccionista es -continúa este galerista con 25 años de trayectoria profesional- alguien que tiene una idea clara de lo que compra y porqué lo compra, que tiene una línea, un discurso definido en su colección. Que compra durante todo el año, no sólo en las ferias, que visita galerías, que está presente todo el año...'.
'¿Que a los galeristas nos viene bien el incremento en el número de compradores? Qué duda cabe, pero el coleccionismo hoy por hoy no es numeroso. Coleccionar es cuestión de tiempo y dinero. En España no hay ni cien auténticos coleccionistas. No quiero parecer ni malo ni arrogante, pero es así', explica Pepe Cobo.
En el incremento de las ventas no oculta que existe 'un poco de moda. ¿Quién de joven -se pregunta- no ha comprado algo simplemente porque está de moda?. No hay, a diferencia de otros países, como Estados Unidos, ni mucha gente con poder adquisitivo alto ni arriesgada. Somos bastante conservadores. A pesar de todo, soy optimista'. Variedad. Eclecticismo es la palabra que resume lo que se ve: múltiples técnicas; nuevas percepciones del espacio; temas intimistas, sociales, metafísicos; estilos que van desde lo más tradicional de las vanguardias del siglo XX hasta lo más “rupturista”.
La representación de los cinco continentes en la Feria, con Brasil como país invitado de honor, muestra un arte en permanente mestizaje. El gran formato y la abundancia de color son algunas de las características dominantes.
Hay coleccionistas que buscan su próxima pieza, profesionales que apuntan las nuevas tendencias y curiosos que miran aquello que se produce en las más importantes galerías del mundo.
Además, este año la Feria tiene novedades, como los espacios dedicados a la performance –Performing ARCO– y la sección Expanded Box, con propuestas que usan las nuevas tecnologías en el arte.
Presencia tica. A pesar de que en esta 27ª edición de la Feria no participa ninguna galería nacional, el arte costarricense se ha hecho su huequito. El pintor Federico Herrero, “una de las más importantes promesas de Latinoamérica”, según su representante londinense, expone grandes lienzos en los puestos de dos galerías europeas: la española Juana Auzpuru y la londinense Blow de La Barra.
Ambas reconocen la calidad del trabajo de este joven pintor y no titubean al valorar sus cuadros en alrededor de los 30.000 euros. “Nosotros lo conocimos en la Bienal de Venecia del 2001, cuando apenas tenía 21 años. Nos impresionó su control sobre el cromatismo y la gran capacidad de producción que tenía siendo tan joven”, dijo la vocera de la galería española.
Costa Rica también ha tenido representación en el foro de expertos organizado por la Feria.
El director del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), Ernesto Calvo, compartió allí las experiencias del Art Media (arte y tecnología) en Centroamérica, “tratando de hacer más visible el arte de esta región que a veces queda marginado en el panorama internacional”, según dijo.
Hizo especial hincapié en las propuestas vinculadas con la videocreación y el arte digital, tomando como base la Bienal Iberoamericana Inquieta Imagen V y el evento internacional Espacios a la Experimentación V que se celebran en el MADC entre diciembre del 2007 y marzo del 2008
MADRID. Tangencialmente. Así creía Lourdes Fernández, directora de ARCO, antes de que abriera sus puertas, que afectaría a la feria la crisis económica internacional. Las caídas en picado de las Bolsas semanas antes, el «crack» de la burbuja inmobiliaria y la crisis hipotecaria en EE.UU. hacían temer lo peor. Pero, ¿cómo afecta, en realidad, todo esto al mercado del arte? ¿Se resiente a corto plazo? ¿Es un valor seguro para los inversores?
Antes de conocer la opinión de los expertos, unos datos a tener en cuenta: según Artprice (empresa on-line líder de información sobre el mercado del arte), «los artistas contemporáneos están disfrutando de una gran popularidad y un crecimiento excepcional». Entre septiembre de 2001 y julio de 2007, el sector del arte contemporáneo experimentó un alza progresiva de las cotizaciones de un 233 por ciento. Las subastas de noviembre de Sotheby´s y Christie´s en Nueva York superaron los 1.000 millones de dólares. Se habla ya de la «burbuja Warhol»: la cotización de este artista se ha multiplicado por cuatro desde 1997. Otros como Hirst, Koons o Gursky siguen intratables.
Picasso, el más rentable
España se ha colocado ya entre las diez primeras plazas de subastas de arte contemporáneo. Eso sí, muy lejos aún de las tres primeras: Estados Unidos, Reino Unido y China. A pesar de que, según Artprice, en la lista de los 100 artistas más cotizados y rentables del mundo Picasso sigue siendo el número uno, y otros artistas patrios están bien situados (Miró en el número 12, Gris en el 59 y Dalí en el 70), nuestro país se sitúa aún muy lejos de otros en cuanto a mercado del arte: contribuye con sólo el 0,6% de cuota a las transacciones globales relacionadas con el arte. Según un informe de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña, la creación plástica en España genera una actividad económica de 1.468 millones de euros anuales y representa un Valor Añadido Bruto (VAB) sobre la economía española de 824 millones anuales. Supone un 0,18% del sector servicios y un 0,12% del VAB total de la economía española.
La opinión generalizada de los expertos es que el arte es un valor refugio del mercado y que, de alcanzarle la crisis económica, no será de pleno ni a corto plazo. Miguel Soler-Roig, presidente de Ars Fundum, cree que «si en los próximos meses se recupera la economía, el arte no se verá afectado». Él sitúa en un plazo de 12 a 18 meses la horquilla de tiempo para que una crisis económica alcance al mercado del arte: «Es una buena alternativa diversificar tu cartera de inversión y el arte es un valor refugio».
No lo tiene tan claro Silvia González Huggler, directora asociada de UBS Art Banking. «Uno de los principales termómetros del mercado artístico son las subastas de arte contemporáneo en otoño en Nueva York. Los resultados nos dicen que el arte contemporáneo sigue al alza de momento. Pero en general el mercado del arte reacciona siempre con algo de retraso a la caída de las Bolsas a nivel mundial. Por esa razón es algo delicado decir que el arte contemporáneo continúa mostrándose como un valor refugio frente a otro tipo de inversiones que pueden generar de momento menor confianza». Advierte que uno de los problemas del mercado del arte es «su falta de transparencia: hay poca información oficial sobre las transacciones. Además, la liquidez en el mercado del arte no es tan rápida como ocurre con las acciones en Bolsa».
Soler-Roig disiente: «Siempre hay un buen momento en arte para vender; hay muchas vías para obtener liquidez: vía instituciones, museos, colecciones privadas, subastas...». En estos momentos, su consejo es dedicar entre un 10 y un 15 por ciento de una cartera de inversión en arte, «porque es un momento de incertidumbre. Si se especula con arte hay un riesgo, pero a largo plazo nunca te equivocas invirtiendo en arte». Alain Bouvrot, vicedirector de UBS Art Banking, afirma que «el arte nunca puede servir como inversión: tiene costes muy altos de comisiones, seguros, transportes... te supone viajar a ferias, hoteles... Eso no ocurre en la Bolsa. La experiencia nos dice que las crisis económicas no tienen una relación clara con el mercado del arte».
Si las subastas son un buen termómetro, los resultados demuestran que goza de una salud excelente. Sotheby´s cerró 2007 con unas ventas de 62.000 millones de dólares (se incrementaron en un 51% respecto a 2006) y Christie´s, 63.000 millones (un aumento del 36%). Y un dato muy significativo: las ventas de arte contemporáneo aumentaron en Christie´s un 75%. Este mismo mes vendió esta firma en su sede londinense un «Tríptico» de Francis Bacon por 35,2 millones de euros, la obra contemporánea más cara vendida en Europa. Precisamente, otra pieza de Bacon, «Man at Washbasin», es la más cara que se ofrece este año en ARCO. Está en el «stand» de la galería Marlborough. Su precio, 23,2 millones de euros. Entre las obras más cotizadas de la feria también está un óleo sobre lija de Miró de 1935, que estuvo en depósito en el MoMA durante 22 años, y que la galería Manuel Barbié ofrece por 750.000 euros. Hay obras de Botero por 960.000 euros, de Baselitz por 440.000, de Gilbert & George por 300.000...
Pablo Melendo, nuevo consejero delegado de Sotheby´s en España, tras permanecer doce años en Christie´s, también subraya que «el arte es un valor refugio. Puede resentirse 2 ó 3 años después de una crisis, pero el arte es un valor sólido y seguro. Para lo muy bueno en arte siempre hay mucho dinero». ¿Cómo ve la pugna que mantuvieron hace un año grandes magnates con obras de Picasso, Pollock y De Kooning por ver quién compraba la obra más cara? «Hoy más personas muy, muy ricas que hace años. Todos quieren dejar su impronta en el mundo del arte y pugnan por ver quién tiene el warhol más grande y más caro. Como ya quedan pocas joyas de arte antiguo y moderno en el mercado , ahora los precios más elevados se dan en arte contemporáneo, donde sí es posible encontrar aún grandes piezas y margen para que se revaloricen las obras».
Hoy el dinero se centra en Nueva York, Londres, Hong Kong y Arabia Saudí. Pero hay mercados de arte emergentes como China, Rusia, India y Dubai, muy potentes: están pagando fortunas y rompiendo récords. Respecto al español, lo ve muy sólido y le gustaría que regresaran las subastas de Sotheby´s a nuestro país. De momento ve viable que las subastas de arte español del XIX en Londres se extiendan al arte moderno y contemporáneo. Asiduo de ARCO, cree que Picasso sigue siendo un valor seguro absoluto, aunque hay otros nombres, dice, que están pegando fuerte como Richter, Fontana y, entre los españoles, Juan Muñoz, Barceló o Palazuelo. «Moriría por un dibujo de Matisse», confiesa. ¿Y quién no?
ARCO'08 abre una nueva sección dirigida a galerías que deseen presentar artistas visuales que propongan obras en vivo (performances). PERFORMING ARCO se dirige a todas aquellas galerías interesadas en explorar las posibilidades de la performance como práctica de las artes visuales y les brinda la oportunidad de presentar, en el contexto de una feria de arte contemporáneo, aquellas obras de sus artistas cuya expresión última sea la representación en vivo.
Hoy 14 de febrero a las 12.30hs la galería Fernando Pradilla ubicada en el Pabellón 14 presentó a la artista brasileña Beth Moysés con su performance Lecho Rojo cuyo tema gira, como es habitual en su obra, en torno al problema de la violencia de género.
El suelo cubierto de sábanas blancas, diez mujeres con margaritas en el pelo, de torso desnudas y cubiertas de cintura para abajo por una sábana también blanca, sentadas en torno a una buena porción de carmín rojo, fueron las protagonistas del ritual. En la actuación destacó la interpretación de la actriz cubana Orisel Gaspar, protagonista de la Primera Trilogía de Cine Independiente Cubano y consagrada artista de las tablas, quien con una fuerza expresiva capaz de trasmitir las más disímiles sensaciones arrastró al espectador a involucrarse racional e irracionalmente en su espontáneo discurso de acciones, reflexivo, emotivo y catártico que corroboró con claridad y contundencia los objetivos de la artista brasileña.
Moysés aseveró que "este trabajo es sobre la autoestima", pues "la persona que tiene autoestima no permite la violencia"; señaló que su uso de la "performance" es una "forma más indirecta de estar hablando de la violencia". La artista (Sao Paulo, 1960), que usa conceptualmente la "performance", el vídeo y la fotografía como soporte testimonial, insistió en la tesis de la "transformación de uno mismo" en la sociedad patriarcal.
La feria manifiesta en esta nueva edición uno de los objetivos clave de su proyección: una destacada presencia latinoamericana. A través de los artistas y galerías seleccionadas, la feria mostrará un arte en permanente rearticulación y mestizaje, con un carácter híbrido mucho más amplio de la visión del arte brasileño que normalmente puede tener el público internacional. Entre los artistas de mayor renombre cuyas obras podrán verse en estos días están el cotizado fotógrafo Vik Muniz; el artista electrónico Eduardo Kac, y las creadoras Rosângela Rennó y Leonora de Barros, una de las primeras videoartistas del país. Las jóvenes promesas que estarán presentes en la feria mostrarán también interesantísimos trabajos. Es el caso del fotógrafo Cao Guimarães, la videoartista Mariana Manhães, el dibujante Fabiano Gonper o el pintor Rodrigo Andrade, entre otros muchos interesantes creadores.
Un total de 32 galerías mostrarán esta semana en Madrid lo mejor del arte brasileño, que ha logrado en los últimos años una enorme proyección en los mercados internacionales. Brasil en ARCO’08 constituirá una destacada plataforma para la divulgación de la producción brasileña contemporánea, gracias a la selección realizada por los comisarios Moacir dos Anjos y Paulo Sérgio Duarte, dos expertos que destacan por su labor activa y constante en la vida cultural brasileña.
Subscribe to:
Posts (Atom)
